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“El invitado” (2012) - Daniel Espinosa

2012-02-10T17:45:00.006Z

Crítica El invitado 2012 Daniel Espinosa

Tras rodar un par de dramas sin mucha repercusión, el sueco (de origen chileno) Daniel Espinosa pegó el campanazo en 2010 gracias a un thriller criminal titulado “Snabba Cash”, o tal como nosotros lo conocimos, “Dinero fácil”. El filme en cuestión fue todo un éxito en su país natal, Suecia, y recibió un buen puñado de elogios durante el Festival de Cine de Berlín de aquél año, lo que motivó a los estudios yanquis a iniciar una dura pugna para agenciarse los derechos de distribución. The Weinstein Company fue la que se llevó el gato al agua, mientras que en otra batallita comercial Warner Bros. hizo lo propio para poder realizar el correspondiente remake americano (con Zac Efron como pretendido protagonista).

Mientras tanto, a Espinosa se le abrieron de par en par las puertas de Hollywood, y como viene siendo norma habitual en la “casa”, le encargaron un producto sin demasiadas complicaciones para ponerle a prueba y comprobar cómo se maneja con un presupuesto –presuntamente- más holgado y con una estrella de la lista A al frente. La carta de presentación resultante es: “Safe House” (o “El invitado”, como prefiráis; cualquiera de los dos es válido en este caso).

Tras diez años estando en paradero desconocido, el legendario traidor Tobin Frost (Denzel Washington), un altamente cualificado ex agente de la CIA, reaparece en Sudáfrica con una valiosa información bajo el brazo. Frost está dispuesto a vender dicha información al mejor postor, pero antes tiene que deshacerse de aquellos que quieren evitar que la venta tenga lugar.

Jugando su última carta para salvarse de una muerte segura, decide buscar protección en el Consulado Americano. De allí es trasladado a un piso franco para ser interrogado por agentes de la CIA. Tan pronto como empiezan las torturas para sonsacarle el motivo de su regreso, un grupo de mercenarios asalta el piso franco. El agente al cuidado del lugar, Matt Weston (Ryan Reynolds), es el único superviviente al ataque, por lo que decide huir con el recluso hacia el siguiente piso franco. La empresa que tiene Weston por delante será toda una prueba de fe: su prisionero no le pondrá las cosas fáciles y sus perseguidores, sean quienes sean, no descansarán hasta verles muertos.

Washington se embarca en otra película de acción (la cuarta en menos de cinco años) interpretando a un peligroso renegado que antaño fue uno de los mejores agentes encubiertos de la CIA. Tras una década estando ilocalizable, Tobin Frost vuelve a dar señales de vida para ganarse la jubilación anticipada a costa de una información que puede costarle la vida. El plan, sin embargo, no sale como era de esperar, y se encuentra huyendo de sus perseguidores al lado de Matt Weston, un agente novato que le ayuda a escapar para llevarle hasta un sitio seguro y entregarlo de nuevo a la CIA.

Este es el punto de partida para esta road movie con ecos a “16 calles” o “Asalto al distrito 13” (el remake) y cuya trama se basa en el ya clásico “ir del punto A al punto B” pero con un buen puñado de persecuciones, tiroteos y mamporros de por medio.

Lo más interesante de todo es el choque ético y moral que se establece entre la pareja protagonista. Por un lado tenemos a Frost, el veterano; por el otro a Weston, el novato; uno es un traidor que se ha dedica a vender secretos militares y el otro un joven idealista que aspira a conseguir un ascenso en la Agencia. En el momento en el que los caminos de ambos se cruzan, sus destinados quedan ligados a un único fin: hacer lo que es correcto.

El problema es que los intereses personales de cada uno entran en conflicto. Frost quiere lucrarse con la información que posee y Weston quiere demostrar que es un buen agente para abandonar su aburrido trabajo de “cuidador” de un piso franco.

Weston es un tipo leal a la Agencia y a su país, pero se encuentra una situación extrema en la que no sabe en quién confiar. Frost no es, precisamente, un ejemplo de conducta, pero salta a la vista que el asalto al piso franco no podría haber sido orquestado sin un chivatazo desde dentro, es decir, que hay un topo en la CIA.

Disponen de muy pocas horas para llegar al siguiente piso franco, así que Weston debe decidir pronto si sigue obedeciendo órdenes o si empieza a pensar por sí mismo. Decida lo que decida, su objetivo no deja de ser el mismo: entregar a Frost, cueste lo cueste.

Esta especie de unión a la fuerza y confrontación de ideales es lo más destacable de una trama que resulta bastante previsible. Sabemos cómo van a actuar los personajes, tanto el héroe de turno (Weston) como el antihéroe (Frost), y no hay intriga alguna por descubrir quién es topo porque se huele a kilómetros. Y sin embargo, eso no es óbice para que uno pase un par de horas de lo más entretenido.

Tenemos a un Washington como pez en el agua, y eso se nota. El actor está en su salsa en modo “soy el **** amo” interpretando a un tipo cínico, vacilón, cabreado con el mundo y sin ideales. Y Reynolds es capaz de ofrecerle una buena contra con su sufrido personaje, un Weston que las pasa canutas sorteando un obstáculo tras otro mientras ve peligrar su puesto de trabajo y su relación con su novia.

Además, a su alrededor se encuentra un elenco de secundarios de pata negra: Brendan Gleeson, Sam Shepard y Vera Farmiga (aunque ésta última en un papel bastante insustancial, todo sea dicho). Si hasta tenemos a Robert Patrick, que por muchas películas que haga, siempre será nuestro querido T-1000.

Espinosa, por su parte, ofrece el recital que se estipula en estos casos, otorgándole un ritmo frenético y enérgico a la historia y sabiendo desenvolverse con bastante oficio tanto en las escenas de acción como en los pertinentes momentos de respiro entre persecución y persecución. Lo mejor de todo es que prescinde de añadidos digitales, lo que otorga algo de autenticidad a dichas secuencias; lo peor es que no se despega del “estilo Greengrass” que han adoptado los directores de hoy día, por lo que la cámara sigue moviéndose más de la cuenta para gusto de un servidor. La acción no es demasiado fantasiosa y quizás por ello al final de la proyección no queda ninguna escena memorable para el recuerdo, pero los enfrentamientos cuerpo a cuerpo (otro legado de Bourne) son de los que duelen al espectador ajeno. Vamos, que no me extraña que Reynolds le dejara un ojo morado a Washington durante el rodaje…

El “El invitado” es un thriller de acción tan rutinario como efectivo y tan previsible como disfrutable. Podría haber aspirado a más en la parte de denuncia política, pero lo compensa con unos buenos personajes y ofreciendo un placentero entretenimiento por el que luego no sentirse culpable (para dejarse el cerebro en casa ya están otros).

Valoración personal:

Promoción fantasma – Entrevista a Anna Castillo y Alex Maruny

2012-02-07T12:32:00.010Z

Promoción fantasma – Entrevista a Anna Castillo y Alex Maruny

Los jóvenes Anna Castillo y Álex Maruny interpretan a los personajes de Ángela y Dani, respectivamente.

¿Cómo definiríais vuestros personajes y qué es lo que más y menos os gusta de ellos?

AC: Ángela es la típica empollona un poco repelente, pero a la vez es muy dulce y con una sensibilidad reprimida por la música. También es muy tímida. Lo que más me gusta de Ángela es que comparto con ella ese punto de resabidilla, como bien saben mis compañeros. Y también comparto el gusto por la música, que me gusta mucho, y la lectura. Aunque yo no soy nada tímida, y ese punto quizás no me gusta tanto. Pero Ángela me cae super bien.

AM: Dani es el rebelde del grupo o, mejor dicho, un chico que va de rebelde, que es como planteamos al personaje. En realidad es un chico que se siente muy solo y que necesita mucho cariño y mucho afecto. Dani se crea una especie de coraza con la que protegerse. Es un personaje que siempre lleva la contraria a Modesto porque no le interesa que el profesor asuma el rol de líder. Yo soy el líder y yo mando.

Lo que más me gusta de él es precisamente ese poder, o al menos eso es lo que se respira en escena; el que tenga el control de la situación. Y también me gusta ese punto triste que tiene, ese lado oculto que se va descubriendo a medida que se va desarrollando la película. La verdad es que al final se le acaba queriendo.

Bueno, yo diría que se le quiere desde el principio, o al menos las chicas, a las que les suele gustar ese toque macarra.

AM: Pues te tengo que decir que eso tuvimos que trabajarlo bastante con Javi, y también me ayudaron muchísimo Raúl y mis compañeros; sobre todo Anna que es muy sincera, todo hay que decirlo

AC: Es que Álex es un buenazo, y ese punto macarra como que no le pega mucho, así que tuvimos que sacárselo.

Aunque tiene su puntito emotivo, “Promoción fantasma” es, ante todo, una comedia. ¿Cuál ha sido la escena más divertida de rodar? ¿Alguna anécdota especial que podáis contarnos?

AC: La verdad es que yo me he reído muchísimo, sin poder parar, en muchísimas escenas. Con mis compañeros teníamos alguna coña y yo les suplicaba que pararan porque me moría de la risa. Pero así en concreto, me reí mucho con la escena en que Pinfloy posee a Silvia Abril. La escena fue brutalmente divertida, y es que Silvia es una crack y es muy graciosa.

Pero la verdad es que nos reíamos todo el rato, y por cualquier tontería.

¿Hacía eso que os costara más meteros en las escenas, digamos, más dramáticas?

AM: Pues también fueron divertidas porque le daban otro toque al rodaje. Entre corte y corte todo el mundo se estaba riendo en esas escenas, aunque es cierto que eran un poco más comprometidas.

Las escenas en las que más nos reímos son aquellas en las que Pinfloy vomita. Ahí teníamos que mantener la concentración para no reírnos.

AC: Además es que vomitaba de verdad. Le ponían un líquido que manchaba a todo el mundo, y resultaba muy gracioso.

AM: Necesitábamos recambios de ropa constantemente. Y nos reíamos y nos cargábamos la escena.

La película contiene muchas referencias al cine americano adolescente y sobre todo al cine de los ochenta. Quizás resulta chocante encontrarse algo así en una comedia española.

AM: Sí, es una película romántica y divertida con muchos clichés americanos pero manteniendo un poco el humor de la casa, el humor español. Pero un humor con dos dedos de frente, todo hay que decirlo.

Sí, digamos que no es un “Fuga de cerebros con fatasmas”. Aquí no prima el humor escatológico, y el poco que hay está bastante dosificado.

AC: Sí, es otro tipo de humor; es más tierno.

AM: Lo divertido de esta película es que te hace en reír sin forzar a los personajes. Te hace reír con las situaciones que se producen con los fantasmas, con Modesto o con Otegui, el personaje de Carlos Areces. Bueno, es que con Areces siempre te ríes.

Bueno, lo cierto es que estáis rodeados de cracks del humor como Areces, Silvia Abril o Joaquín Reyes. ¿Eso os ha intimidado un poco durante el rodaje?

AM: Yo soy un gran fan de Muchachada [Muchachada Nui], y acosé a Carlos Areces a preguntas durante el rodaje. Le preguntaba de todo.

Al principio sí que impone mucho porque estás ahí con gente a la que admiras mucho, pero tienes que normalizarlo; y esa es la mejor manera de trabajar.

AC: Te impone un poquito porque realmente son muy buenos y piensas “a mí me van a ver como una patata al lado de ellos.” Pero el peso cómico lo llevan ellos y tú tienes otras responsabilidades, así que te olvidas un poco y acaba funcionando.

¿Qué tipo de personajes os gustaría interpretar en futuro o qué clase de papel os gustaría que os ofreciesen?

AM: Yo soy muy fan (y no lo digo por decir porque ya hemos trabajado con él) de los personajes que interpreta Raúl Arévalo. Son personajes muy entrañables, y a mi me fascina mucho el trabajo de Raúl. Son personajes que a mí me gustaría interpretar en un futuro. Ahora, puestos a pedir, pues yo admiro mucho a Al Pacino, a Robert De Niro… y un Padrino no lo negaría. Igual hay que reforzar un poco el inglés…

AC: Pues la verdad es que cuando me llegó el personaje de Ángela me hizo mucha ilusión porque yo no había hecho personajes así. Ahora, por ejemplo, tengo un proyecto así entre manos que hago de maltratada… Y me resulta muy interesante porque tampoco lo había hecho nunca. Creo que a cada personaje que te den puedes sacarle mucha chicha, a todos puedes moldearlos y darles mucha vida.

Ambos habéis hecho cine y televisión. ¿En qué formato os sentís más cómodos o cuál os gusta más? ¿Qué es lo mejor y lo peor de cada uno?

AC: Pues yo por ejemplo he hecho televisión aquí en Barcelona y me gusta, pero va todo muy rápido. El cine te permite profundizar más, y por eso me gusta. Con el cine me siento más cómoda y me siento más feliz actuando.

AM: Lo que pasa con la tele es que trabajas con prisas y el tiempo es limitado.

AC: Además los actores de tele lo aprenden todo muy rápido y luego cuando hacen cine parece que lo tienen todo muy por la mano. Y eso es muy admirable. A mí, en cambio, me cuesta más pillarlo todo tan rápido.

AM: Yo odio trabajar con prisas, y en la tele te dan prisas.

AC: O te cambian una secuencia de un día para otro…

AM: Y lo que es muy bonito del cine es que ves el principio y el final del personaje en la película. Tú te trabajas ese arco del personaje, esa historia, y puedes profundizar mucho más. En cambio, en la televisión te dan los guiones pero nunca sabes hacia dónde te diriges. Nunca sabes lo que le va a pasar a tu personaje, y vas descubriendo cosas de él a medida que te van mandando los guiones. Quizás por eso no lo disfrutas tanto. Vas más al resultado y no profundizas tanto. En el cine hay mucha más calma y quizás le pones más ilusión al proyecto porque sabes que es un proyecto de dos o de tres meses, por ejemplo, y que los vives como tal, con todo el equipo volcándose. En la televisión es más como una empresa, donde acabas fichando y donde sobre todo lo que se busca es la audiencia.

Precisamente hablando de televisión, en el reparto de la película están Jaime Olías y Aura Garrido, de la serie “Ángel o demonio” en la que tu, Alex, también actuaste. ¿Cómo ha sido reencontrarse con ellos? ¿Conoceros de antemano ha facilitado vuestra interacción con el plató?

AM: Pues mucho, la verdad. A Anna, por ejemplo, la conocí un año atrás en Eolia, donde estuvimos dando unos cursos de interpretación. Y con Jaime y Aura ha sido también muy fácil trabajar porque nos hicimos muy amigos en “Ángel o demonio”. Además, a Aura y a mí nos lleva la misma representante, y siempre mantenemos un poco el contacto.

Así es mucho más fácil trabajar porque ya no tienes que crear una relación, directamente confías.

AC: También hicimos mucha piña durante el rodaje. Y antes, en los ensayos, Raúl nos ayudó mucho con el tema de la unidad. Y es que en la película teníamos que ser amigos porque llevamos 25 años juntos.

AM: Hemos creado un grupillo muy divertido, y a la hora de trabajar era un gustazo. Y a la vez también estamos quedando fuera del rodaje, lo cual es muy bonito. Y yo creo que esa química del grupo se nota en pantalla. Trabajábamos muy relajados, y cuando teníamos alguna duda sobre cómo trabajar alguna escena… [le corta Anna]

AC: … Podías pedir consejo. Tienes esa confianza de poder preguntar, y eso se agradece.

AM: Objetivamente hablando nos criticábamos y nos comentábamos las cosas.

AC: Tuvimos le suerte de que eso se pudiera hacer, de que el otro te permitiese la crítica o el consejo.

¿Recordáis cuál fue vuestra primera escena delante de una cámara?

AC: Pues no sé si me acuerdo. Yo lo primero que hice fue una tv movie siendo muy pequeña, con 13 o 14 años, y creo que mi primera escena fue con Ferrán Carbajal. Y yo tenía que darle un beso teniendo él (creo) treinta y pico…

AM: Mi primera escena fue en teatro y fue horrible. Fui allí y solté el texto, y nadie entendió nada. No vocalicé, tenía los nervios por todo el cuerpo… Creo que disfruté más el proceso de ensayo que la propia escena. Y delante de una cámara fue en “Tres metros sobre el cielo”, donde tenía que ir en moto y llevar a Nerea Camacho de paquete. Y para meterme más presión me dijeron “Oye, no es por nada, pero la que vas a llevar es una de las chicas más jóvenes en ganar un Goya en la historia de España”. Y bueno… fue una experiencia un poco surrealista.

Hablando de experiencias… En la película sois unos fantasmas que aterrorizan a los estudiantes (y profesores) de un colegio. Pero en la vida real, ¿habéis vivido alguna experiencia paranormal?

AC: No y espero no tenerla. Yo soy muy cagada, y a la mínima que oigo algún ruido extraño y tal ya lo atribuyo a algo desconocido…

AM: Yo tampoco y espero no tenerla.

Vuestros personajes aprovechan su condición de fantasma para poseer a los vivos. ¿Si tuvierais la oportunidad de poseer a alguien en la vida real, a quién sería?

AC: Ui, pues no sé… A actrices como Natalie Portman para ver qué se siente. O a Angelina Jolie y así conocer a Brad Pitt [entre risas].

AM: Pues yo me metería en el cuerpo de Brad Pitt y así estaría con Angelina Jolie y Anna Castillo. Dos pájaros de un tiro [entre risas].

Ya para terminar la entrevista, os pido que vendáis la película. Decidme varios motivos para ir a ver “Promoción fantasma” para que el espectador no cuente con una idea equivocada.

AC: Pues es una película muy familiar, muy divertida y muy tierna. Es muy completa porque también tiene ese puntillo romántico con una historia de amor muy bonita. Yo creo que la gente se va a reír y se va a emocionar.

AM: Sin querer ser pedante, pero creo que sobre todo es una película con dos dedos de frente. Al menos la gente que ha estado detrás (director, guionistas, productor, actores…) son gente muy centrada que tenía las ideas muy claras y que sabían perfectamente lo que querían. Y es un humor especial, un humor sensible.

Javi, además, es muy buen director y es un tío muy inteligente. Es muy modesto pero es la hostia. Cuando te pones a hablar con él, cuando te dirige… es otro nivel. Sabe cómo tratar a los actores y sabe qué darle a cada uno para que funciones bien en el rodaje y trabajes tranquilo y relajado. Y eso se refleja en la película desde el primer momento. Te transmita mucha seguridad y por eso el resultado de la película es el que es.

AC: Aprendes muchísimo con él, y te sientes muy tranquilo porque sabes que lo tiene todo muy claro y muy controlado.

Veo que estáis encantados de trabajar con él y que os gustaría repetir la experiencia. De todos modos, y ésta sí que es la última pregunta, ¿con qué otro director español, con el que aún no hayáis coincidido, os gustaría trabajar?

AM: Pues con Daniel Sánchez Arévalo, que es un gran director. Y con J. A. Bayona.

AC: Con Kike Maíllo aunque sólo haya visto “Eva”, que me pareció espectacular.

Promoción fantasma – Entrevista a Silvia Abril

2012-02-06T13:17:00.006Z

Promoción fantasma – Entrevista a Silvia Abril

En la película, Silvia Abril, actriz y cómica a la que reconocemos sobre todo por sus trabajos en televisión, interpreta a Manuela, la secretaria del prestigioso colegio Monforte.

Empecemos por la pregunta menos seria. En esta película los fantasmas aterrorizan a los estudiantes (y profesores) de un colegio. E incluso a tu personaje llega a poseerlo uno de los jóvenes fantasmas. En la vida real, ¿Has vivido alguna experiencia paranormal?

Me encantaría poder decirte que sí, pero no. Mi vida es muy aburrida y no he tenido nunca contacto con fantasmas. Bueno, algún fantasma…

Los fantasmas terrenales abundan, ¿no?

Sí, todos nos hemos encontrado a lo largo de la vida con algún fantasma, evidentemente. Pero de experiencias como la que tengo en la película, nada.

Precisamente de esa experiencia quisiera que me hablaras un poco porque se trata de una secuencia muy loca... ¿Cómo fue su rodaje?

Pues Javier, que me conoce muy bien y confía mucho en nosotros, me dejó libertad absoluta. Me dijo “haz lo que te dé la gana y ya luego en el montaje arreglaremos lo que rodemos”.

En eso, Javier chapó. Es un gustazo trabajar con él. Te respeta, te ayuda en todo lo que puede y te da libertad creativa para que tú puedas aportar como actriz lo que te apetezca. Y eso es importantísimo porque a veces un director tiene una idea preconcebida que no cuadra nada con la tuya, y no puedes echar toda la carne en el asador. Y con Javier es todo lo contrario; él te escucha, quiere saber qué piensas y qué idea preconcebida tienes tú… Y entonces ahí creamos los dos un potaje… Y eso está muy bien.

Tardamos todo un día para rodar esa secuencia. Yo empecé muy bien y acabé destrozada [asegura entre risas]. Es una secuencia muy enérgica y que tiene muchos planos. Fueron muchas horas y mucha rodilla.

Además, en el momento de la llamada de teléfono, no sólo estás tú sino que supone la integración de los otros cinco personajes con los que compartes mismo plano.

Sí, sí, en esa escena nos reímos mucho. Yo tenía que imitar más a Pinfloy, imitar su voz… Pero como a mí la imitación pura y dura no se me da muy bien, se me ocurrió dirigir la interpretación hacia el lado truño que tiene Pinfloy, un colgao que se pasa toda la película intentando poseer a alguien para enrollarse. Entonces le dije a Javier, “¿por qué no probamos a sobarme?”. Tiene un cuerpo en sus manos, a su disposición… pues hagamos que Pinfloy meta mano al cuerpo que ha poseído.

La verdad es que nos lo pasamos muy bien.

Supongo que también el volver a trabajar de nuevo con Javier y con otros compañeros de "Spanish Movie" habrá facilitado mucho el trabajo.

Pues facilita y complica porque como ya nos conocemos, a veces abusas de la confianza [entre risas]. Me junté con toda la familia; con Alejandra, con Carlos... Con Raúl es la primera vez que coincido, pero es un amor. Y es que Javier tiene magnetismo con la buena gente.

¿Estar trabajando dentro del género de la comedia facilita también a que se cree un clímax más ameno entre el equipo?

Pues yo he trabajado haciendo comedia no soportando a alguno de mis compañeros… [entre risas]. Eso a veces pasa. Y con ellos, con Javier, Carlos, Alejandra y Joaquín tengo muy buena relación. Es maravilloso trabajar en familia.

Te tenemos un poco fichada sobre todo por tu faceta cómica pero ¿qué otro tipo de personajes te gustaría interpretar o qué clase de papel te gustaría que te ofreciesen?

Pues por ejemplo en “Spanish Movie” Javier me dio la oportunidad de hacer un papel que todavía no había tenido ocasión de hacer. Allí tuve que trabajar mucho la contención porque mi papel era el más dramático de todos. Tan dramático que acababa siendo cómico.

Es un personaje que sufre, que ha perdido a un hijo, tiene otros hijos raritos… Y yo no había hecho nada en esa línea. Es más, Eneko (el productor), me decía “pues das para hacer un dramático”.

La vida me ha llevado por los derroteros de la comedia, pero tengo muchas ganas de pegarme un buen dramón.

Bueno, lo cierto es que la propia “Promoción fantasma”, a pesar de ser una comedia, también tiene su puntito emotivo y entrañable.

Sí, es que Javier es un puñetero. La primera vez vi la película me emocioné, y ayer volviéndola a ver en el estreno me volví a emocionar.

Quizás la promoción no llega a mostrar del todo el tipo de película que es “Promoción fantasma”. Además, está plagada de referencias ochenteras…

Es un homenaje a géneros y a películas, un poco en la línea de Spanish Movie. Es una película muy para nosotros, para una generación que está entre los 35 y los 45 y a la que los ochenta les marcó mucho.

Te hemos visto haciendo cine, teatro y televisión. ¿Con cuál te quedas? ¿Cuál te reporta mayores satisfacciones?

A mí me tiene muy pillada el teatro, a pesar de que es lo que menos hago. Me encanta tomar las riendas de la situación cuando estoy actuando. Es decir, en el teatro, cuando se encienden las luces y empieza la función… ni director ni nada. No hay manipulación posible; es la pureza del trabajo de un actor. Ahí tú tomas las riendas (junto a tus compañeros, evidentemente), y ese momento de soledad ante el público es incomparable. Y el retorno es en directo, el feedback es al momento. Si no hace ni gracia, te lo comes.

Para mí la esencia de un actor está ahí, en el teatro, subido a un escenario. Aunque yo he tenido la suerte de hacer televisión en directo, que une el poder que sientes encima de un escenario y a la vez te permite llegar a millones de personas.

El cine, por ejemplo, te permite trabajar con la sutileza, que es algo que el teatro no te permite, y la televisión tampoco. El cine te permite un trabajo super preciso. Con que levantes una ceja en la pantalla, la lectura es impresionante.

Son trabajos muy diferentes, y los tres super atractivos, pero quizás para mi es más suculento el subirme a un escenario. Aún así, los tres me gustan y me aportan cosas muy diferentes.

¿Y para cuándo un papel de protagonista absoluta en una película?

Bueno, eso no es algo que me obsesione. En absoluto. Eso si tiene que llegar, llegará. Hay grandes secundarios en la historia del cine a los que yo admiro, y creo que ser un buen secundario también es todo un oficio.

Pues ya para terminar dinos, para a aquellos espectadores indecisos, qué es lo que se puede esperar de “Promoción fantasma”.

Pues van a ver una comedia muy divertida, valga la redundancia, pero con un toque super bonito y super tierno; con momentos para la lagrimilla. Eso para mí es catártico… Estar riéndote y luego que te hagan llorar es algo que hace que salgas del cine un poco en estado de shock emocional. También van a descubrir a cinco nuevos actores que están muy bien.

Hay que ir a verla porque con la que está cayendo hay que reírse. Es una película que va a permitir reírse a los de 40 y a los más jóvenes. Es ideal para todos los públicos.

Promoción fantasma – Entrevista a Raúl Arevalo

2012-02-05T15:29:00.005Z

Promoción fantasma – Entrevista a Raúl Arevalo

El actor Raúl Arévalo asume el rol protagónico de la película en la piel de Modesto, un profesor de literatura que desde niño tiene el don de ver a los muertos que le rodean.

¿Hay algo de ti en el personaje de Modesto? ¿O algo de él en ti?

Pues imagino que el personaje de adolescente tendrías cosas mías, seguro. Pero el Modesto más adulto no. Javi me ha ayudado mucho porque yo soy muy nervioso, hablo muy rápido… Soy muy culo inquieto, vamos. Y aquí yo tenía que ser muy apagado, soso y casi sin vida. Y eso era un reto para mí. Con el personaje de “Primos” tampoco tengo mucho que ver, pero lo tengo más a mano. Tengo amigos de esos… [entre risas] Pero colegas como Modesto no tengo, la verdad.

¿Y tuviste en tu adolescencia algún profesor como Modesto?

Tampoco. Mis profesores eran tíos con carácter; algunas para mal y otros para bien.

¿Qué recuerdos tienes de tu época de instituto?

Aquello eran unas risas, un éxito… ¡Qué va! Aquello era una mierda. Granos, muchos granos. Y muchos traumas. Pero nada graves, eh… Los típicos de adolescente. Y salir los fines de semana a ligar y no ligar, emborracharme… Y así pasando los días.

Supongo que yo lo pasé como la mayoría: regular. Lo recuerdo con cariño pero no volvería a mi época de instituto ni pa’atrás.

En la película hay mucha referencia al cine ochentero americano y muy especialmente a “El club de los cinco” de John Hugues. ¿Cuáles son tus películas favoritas de la década de los 80?

Pues de pequeño era muy de videoclub y me las veía todas. ¿Favoritas? Regreso al futuro, por supuesto; Indiana Jones, Karate Kid, Los Cazafantasmas… Hay algo en la película que homenajea, aunque no de manera directa, a todas esas películas. “Promoción fantasma” recuerda a muchas, pero no es ninguna en concreto. Tiene claramente esa estética y ese claro homenaje al cine de los ochenta con el que ha crecido Javi (el director), yo y tantos de nosotros.

Creo que ese es uno de sus encantos. El cariño con el que está hecha, lo tierna que es… Me recuerda a esas películas que yo veía cuando era pequeño y que hoy en día me las encuentro un domingo en la tele y me quedo a verlas.

Quizás esas referencias tan ochenteras hagan que la película conecte mejor con el espectador más talludito que con el espectador adolescente actual, ¿no?

Sí, totalmente. Es verdad que es una película dirigida a la gente joven, pero este tipo de cosas de las que estamos hablando ahora es más para la gente de treinta, treinta y tantos. Y poder abarcar todo eso es muy guay para la película.

Hay una cosa que me ha encantado de los pases y es que la gente mayor (gente de cincuenta y de sesenta años) que ha ido con los hijos o los sobrinos ha salido encantada, diciendo qué bonita o qué buen rollo de película.

De hecho, no es una película tan gamberra como pueda parecer, sino que tiene un tono también muy cándido e incluso emotivo.

Sí, me parce una película muy divertida; con un toque gamberro y con elementos fantásticos, pero sobre todo muy mona, muy tierna.

Sobre todo al final…

El final es Spielberg total.

Aún con ese puntito emotivo que comentamos, “Promoción fantasma” no deja de ser, ante todo, una comedia. ¿Cuál ha sido la escena más divertida de rodar? ¿Hay alguna anécdota especial que puedas contarnos?

Pues ha sido un rodaje muy ameno y muy tierno. Hay una secuencia que tenemos Alexandra [Alexandra Jiménez] y yo, sonando Bonnie Tyler y bailando juntos, en la que tuvimos la suerte de que nos pusieron la música en directo. Mientras íbamos bailando y nos acercábamos, te ibas imaginando la cámara lenta que iban a poner, el travelling circular… Y nos entraba la risilla de complicidad al imaginarnos la escena con el travelling y el subidón de la música. La verdad es que esa secuencia fue maravillosa.

Tu personaje, Modesto, vive un poco traumatizado y deprimido por culpa de sus visiones fantasmales, pero en la vida real ¿Cuál ha sido la experiencia más paranormal que has tenido, si es que has vivido alguna?

Pues yo no es que ni crea en los fantasmas o deje de creer. De hecho, creo que no quiero creer porque soy muy miedoso. Si las fantasmas tuvieran el buen rollo de los de la película… Pero creo que los fantasmas son feos y malos, y no quiero que existan. Y tampoco he tenido experiencias paranormales. Siempre hay amigos que te cuentan alguna, pero yo en mis propias carnes no las he sufrido.

Eres un actor versátil que ha demostrado que vale tanto para la comedia como para el drama. De todos modos, ¿con qué registro te sientes más cómodo y/o con cuál disfrutas más?

Pues no pienso en que sea comedia o drama. Depende del proyecto, de los compañeros, el director… En el momento en que lo estás haciendo te das cuenta de la facilidad o no facilidad de la historia, pero no porque sea comedia o drama.

Cine, teatro o televisión. ¿Con cuál te quedas? ¿Cuál te reporta mayores satisfacciones?

Pues es similar a la otra respuesta. También depende del proyecto. Pero bueno, así a trazos gordos… sobre todo soy cinéfilo como espectador, y como actor dónde disfruto mucho es en el teatro; disfruto mucho con la forma de hacerlo. Ahora bien, he hecho obras en las que me he aburrido muchísimo y películas en las que me lo he pasado muy bien. Y haciendo televisión también me lo he pasado muy bien. Creo que depende sobre todo del valor humano del proyecto.

Hablando de televisión… Empezaste en la serie “Compañeros”, y tus jóvenes compañeros de reparto también proceden de la televisión. ¿Crees que de un tiempo a esta parte la ficción televisiva nacional se ha convertido en un escaparate para nuevas promesas de la interpretación? ¿La televisión es una buena forma de poder llegar a hacer cine o a veces es la única?

Pues eso depende cómo te conteste a la pregunta. A nivel de popularidad, eso lo da la televisión, desde luego. Estás dos meses en la tele y ya te conoce mucha gente. Para la gente joven, sobre todo, es lo que tú dices, un escaparate. Pero bueno, hay diferentes formas de hacer una carrera y de conseguir hacer trabajos interesantes, ya sea en la tele o no.

Ganaste el Goya a Mejor interpretación masculina de reparto por “Gordos”. ¿Ha influido de algún modo en tu carrera, ya sea para bien o incluso para mal, el haber ganado ese Goya?

Yo personalmente eso no lo he notado, ni para bien ni para mal. No me ha afectado de ninguna manera.

Por lo general, la academia suele tener más en cuenta aquellos papeles que son serios y/o dramáticos. ¿Crees que no se valora tanto al actor, a su interpretación, cuando se trata de papeles cómicos o destinados a películas más comerciales?

Sí, sí, lo creo. Si tú le preguntes a la gente que se dedica a esto siempre te contestan que “hacer comedia es muy difícil”. Eso se dice y se dice de verdad, pero luego no se considera muy premiable la comedia. Y yo ahora estoy nominado al Goya por “Primos”, y lo que más ilusión me hace es estar nominado por una comedia. [...] Pero bueno, el premio de estas películas es el que la gente se lo pase bien, porque están hechas para que disfruten. Ese es el éxito. Hacer una comedia y que la gente no se ría es el gran bajón, y ya te pueden dar todos los premios que quieras…

Y de los papeles que has interpretado hasta ahora, ¿cuál te ha supuesto mayor dificultad?

Pues todos los personajes tienen sus contras. Para mí siempre es difícil encarar uno u otro, parezca o no más sencillo. Ahora me vienen a la memoria, aunque quizás no tenga mucho que ver, cosas de “Primos”, que fue todo un aprendizaje como actor. Lo pasé muy mal en algunas secuencias, sufriendo mucho. Y luego ves en el cine esa secuencia de comedia y recuerdas lo mal que lo pasaste, y te sorprendes al ver lo bien que funciona. Quiero decir, que veces que hay escenas que parecen muy fáciles y lo pasas fatal, y otras que a lo mejor parece que costaron mucho y te lo estabas pasando muy bien.

Promoción fantasma - Entrevista al director Javier Ruiz Caldera

2012-02-04T12:33:00.009Z

Promoción fantasma - Entrevista Javier Ruiz Caldera

Este viernes se ha estrenado en nuestras carteleras “Promoción fantasma”, segundo largometraje del director barcelonés Javier Ruiz Caldera tras su exitoso debut en 2009 con “Spanish Movie”. Con motivo de su estreno, parte del equipo está de gira promocional por España, y un servidor ni quiso desaprovechar la oportunidad de charlar con ellos durante su visita a Barcelona, así que me desplacé hacia el lugar de encuentro (el Hotel Room Mate Emma) para entrevistarme con el mencionado director, su actor protagonista, Raúl Arévalo, y otros componentes del reparto como Silvia Abril y los jóvenes Anna Castillo y Alex Maruny. Un total de cuatro entrevistas (una de ellas doble) que os iré ofreciendo a lo largo de estos días.

Primero de todo, qué mejor que empezar con uno de sus máximos responsables, Javier Ruiz Caldera, el hombre detrás de las cámaras que ha dado forma al guión escrito por Cristóbal Garrido y Adolfo Valor.

¿Cómo nace un proyecto como “Promoción fantasma” y cómo llegas tú a él?

Pues llego a él sobre todo por “Spanish Movie”. Una de las cosas buenas de haber hecho un éxito de taquilla es que pude hacer otra película inmediatamente después. Cuando me hicieron la propuesta vi el potencial (yo era muy fan de las spoof movies) y pensé que esa película tenía que hacerla yo. Y por ello me sentí muy afortunado. Luego fue un éxito, pero era una película muy arriesgada que no se había hecho antes. Y con ésta ocurre igual.

Una película de institutos cómica, gamberra y con fantasmas es algo que tampoco se había hecho. Quizás es que somos unos inconscientes, pero a los productores y a mí eso nos estimuló mucho. Precisamente porque quizás estamos un poco hartos de que el cine español esté siempre en lo mismo. Y está muy bien el cine de autor, y yo soy un gran consumidor de cine autor y cine experimental, pero tiene que haber una cartelera con un abanico de propuestas diferentes. Creo que eso es lo que le gusta al público, y que existan distintas propuestas es de lo más sano. A mí me flipa Rosales y Javier Rebollo, pero también quiero de vez en cuando ir al cine a pasarlo bien. Y si puede ser el cine español el que me dé eso, pues mejor.

¿Crees que la Academia de Cine valora o recompensa debidamente este tipo de cine español más comercial y de género, tipo “Promoción fantasma”, que menudo es el que hace que nuestra industria gane dinero y siga adelante?

Yo soy un gran fanático del género fantástico; era y sigo siendo uno de esos freaks del Festival de Sitges, y creo que es el género en el que mejor se ve a un director con talento porque es donde más se maneja el cine a nivel plástico. […] Es un buen género en el que empezar y formarse como director. En cambio, eso luego no tiene ningún reconocimiento.

Y con la comedia hay una contradicción muy habitual, y es que se suele decir que es el género más difícil de hacer. Sin embargo, luego nunca lo valoran. Pero bueno, esto ha sido siempre así, desde la época de Lubitsch y Billy Wilder hasta ahora. Y está bien que sea así porque los que hacemos comedia tenemos un premio que no tiene ningún otro género, y es escuchar en directo, en una sala de cine, la respuesta del público en forma de risas. Que una sala reviente a carcajadas (y eso es algo que yo he vivido y viví ayer en el pase de la película) es genial.

Y eso que no siempre sabes si esa película va a causar ese efecto o no, o si tal escena funcionará debidamente y provocará esa carcajada…

Por eso hacemos algún test screening con jóvenes y gente de la calle. Hay bromas que a ti ya no te hacen gracia de tanto verlas o bromas que dudas si funcionarán. Entonces, si ellos ríen, la broma se queda; y si no ríen, no se queda.

En este caso, no obstante, hay mucha referencia ochentera al cine juvenil americano (con el que muchos hemos crecido) y muy especialmente a “El club de los cinco” de John Hugues. ¿Crees que eso puede hacer que el espectador más adulto, aquél que ronda la treinta y cuarentena, conecte mejor con “Promoción fantasma” que el espectador adolescente actual?

Lo cierto es que la premisa ya es un poco como “qué hubiese pasado si los de “El club de los cinco” se hubiesen quemado en la biblioteca y se hubieran quedado como fantasmas”. Pero yo nunca me he planteado hacer ni un homenaje ni mucho menos una película nostálgica. Tengo esas películas en la cabeza, y hago algunas referencias directas, pero nunca pensé en hacer esta película para nosotros. Yo quería hacer una película gamberra de instituto para los chavales. La sorpresa que me estoy llevando es que a los de nuestra generación les está gustando y les está haciendo recordar esas pelis. Ahora bien, ¿cómo metes a los de nuestra generación a ver esta película? Yo no lo sé.

Cierto. Parece complicado porque la propia promoción no termina de mostrar esa película que, en el fondo, se aleja un poco del concepto habitual que tenemos del cine juvenil español. Vamos, que no es un “Fuga de cerebros con fantasmas”, precisamente.

Sabemos que la promoción está encarada hacia esa gente que realmente se junta en el cine con los amigos a echar unas risas, pero esperemos que luego el boca a boca genere un tipo de público más disperso. Aquí los productores son muy buenos en promoción, y a la vista está lo que hicieron con “Spanish Movie”. Saben marcar muy concretamente al público, porque si dispersas a ese público en dos, puede que no funcione.

En el trailer está todo aquello que puede gustar al adolescente. Aquello que no se ve es quizás lo que más nos puede gustar a nosotros. Luego hay clips de la película por Internet en donde puedes encontrar, por ejemplo, uno que se titula “Corazoncito”, y que lo podríamos considerar más ñoño, más estilo “Ghost”.

Pero en definitiva es una comedia, y mi misión ha sido no pasarme y saber cortar donde toca. Hay momentos más edulcorados y otros que van a más a saco, pero creo que hay un equilibro entre ambas partes.

Ahora que hablas de equilibrio y de control, ¿hasta qué punto es controlable ese grupito de fieras del humor como Carlos Areces o Silvia Abril

Carlos es controlable y es un gran actor. La primera película que hizo fue “Spanish Movie”, y a la vista está la evolución que está teniendo y cómo está siendo reconocido. Silvia Abril sí que es incontrolable [comenta entre risas]

Siendo ésta tu segunda película, ¿has contado con más libertad creativa durante el proceso de rodaje o todo ha estado muy atado desde el guión?

Bueno, la diferencia es que con “Spanish Movie” tienes un género muy concreto y yo, como director, debía desaparecer. Hubiese podido rodar planazos, pero sé que no puedo hacerlo en favor del género que estoy tratando. Aquí, aunque también es una comedia, es otra cosa distinta. Es lo que hablábamos de que el género siempre te permite lucirte más como director, y dado que aquí había esa mezcla, he podido disfrutar en otro sentido. Como director, mi trabajo es adecuarme al género, saber lo que estoy contando y ponerme al servicio de la película aunque sea en detrimento de mí como nombre o como director. En ese sentido, intento no estar por encima de la película.

Con películas en nuestra cartelera como “Promoción fantasma” o la inminente “Lobos de Arga”, ¿crees que la comedia fantástica en un filón a explotar dentro del panorama cinematográfico español?

Pues aún falta por demostrar cómo les va a ir a estas películas. Creo que la clave del éxito no existe, y ojalá la supiéramos. Y sí existiese, se harían películas como churros y el juego sería muy aburrido. A veces apetece hacer algo que te gustaría ver en pantalla, y luego te pones a ello y esperas que la gente reaccione bien ante la propuesta. A veces la gente va a verla y otras veces no, lo que también depende mucho de la promoción. Hay películas buenas y propuestas interesantísimas que pasan desapercibidas. Nunca se sabe…

Si van bien películas como ésta y “Lobos de Arga”, de repente saldrán diez películas así hasta que se agoten, hasta que la gente diga basta y aparezcan otro tipo de películas. Mira cuando salió “El orfanato”... Antes no se apostaba por películas así. El cine funciona así, aquí y en todo el mundo.

Precisamente con “Spanish Movie” tuvimos carta blanca para hacer “Spanish Movie 2”, pero no quisimos a pesar de lo mucho que disfrutamos haciendo la primera. Si la hacemos algún día, será cuando ya nadie la espere. Quizás de repente deseemos hacer otra cosa y ya ni siquiera se llame “Spanish Movie”. No queremos repetirnos e ir a lo fácil. Si hacemos otra película es porque realmente creemos en ella.

Por lo que se puede ver, a la hora de elegir tus proyectos te decantas hacia la comedia y hacia unas referencias muy concretas. ¿Te veremos en un futuro dirigiendo algo tan opuesto como un drama, por ejemplo?

Sí, sí. De hecho espero tener una evolución hacia un cine más nominable… [entre risas] Luego ya si eso vuelvo de nuevo a las chorradas sin prestigio [risas de nuevo].

Me guío mucho por los guiones que me llegan. Sí que me gusta mucho el género, y seguro que si hago cualquier cosa, algo de humor va a tener. “Los descendientes” por ejemplo, es un drama con algo de humor y me gusta. No son géneros incompatibles.

El reparto también es algo muy importante, y en esta ocasión vuelves a contar con buena parte del elenco de “Spanish Movie”. Pero a la hora de elegir al resto de intérpretes y sobre todo a los más jóvenes, ¿cómo fue el proceso?, ¿tenías ya a alguien en mente para los distintos roles?

Con Alexandra y los demás lo tenía claro: quería repetir con ellos. Y para el protagonista quería al mejor actor de esta generación. Y ya sé que suena a tópico, pero se lo está ganando a pulso. Siendo un papel complicadillo, me fui a por Raúl [Raúl Arévalo] que es una apuesta segura.

También quería a Aura Garrido, que es una pedazo de actriz. Desde que la vi en “Planes para mañana” me dije “Ésta va a ser Elsa”. Y los demás chavales hicieron castings. Anna Castillo, por ejemplo, aparecía en “Blog”, una película muy pequiñita, y también me parece una pedazo de actriz que creo que va a pegar fuerte.

La verdad es que estoy muy contento. Pero ese es mi trabajo: escoger a los actores que le darán el tono a la película. Cuando leo el guión pienso en los actores y el tono que tienen que transmitir […] Te suelen proponer ciertos nombres que igual no los ves para el papel. Pero los productores son personas con las que se puede dialogar. Yo he tenido mucha suerte con los míos; ha sido un lujo, y todo el mundo me lo dice. Parece que a veces tienes el enemigo en casa, pero en mi caso el apoyo ha sido brutal.

¿Y con el tema de la promoción/publicidad, que no siempre juega a favor de la propia película, te has podido implicar de algún modo?

No. Yo confío mucho en ellos. Ellos confían en mi trabajo y yo confío en el suyo. Mira “Spanish Movie” y cuánta gente la vio. Han invertido también un dinero y lo están haciendo muy bien.

Y con esta última pregunta concluyó la entrevista con Javier. Desde aquí le deseo mucha suerte con “Promoción fantasma” y con sus futuros proyectos.

En breve, seguiré con las entrevistas al resto del equipo de la película.

“Promoción fantasma” (2012) - Javier Ruiz Caldera

2012-02-01T19:28:00.007Z

Crítica Promoción fantasma 2012 Javier Ruiz Caldera

En 2009, y tras dirigir un par de cortos, Javier Ruiz Caldera debutó en el largometraje con “Spanish Movie”, un (fallido) intento de trasladar el subgénero “spoof movie” al mercado español mediante la parodia de algunas de las películas más exitosas del reciente cine patrio (El Orfanato, Mar adentro, Volver, Los otros, El laberinto de Fauno…). La promoción despertó bastante interés entre el respetado al juntar a Leslie Nielsen, todo un especialista de las parodias, con Chiquito De La Calzada, uno de los humoristas televisivos más populares (e imitados) de la España de los 90. Desgraciadamente, aquello que precisamente no pertenecía a la película (era un simple spot) acabó siendo lo más destacable de la misma, pues pese a empezar con buen pie, a los 20 minutos la frescura se desinflaba y se convertía en una sucesión de gags sin demasiada gracia y sin un hilo conductor decente. El resultado final quedaba bastante lejos de lo que antaño lograron tipos como Jim Abrahams o los hermanos Zucker (Hot Shots, Top Secret…), aunque por suerte tampoco llegaba al nauseabundo nivel de Jason Friedberg y Aaron Seltzer, responsables de “Casi 300”, “Epic Movie” y demás carroña paródica. De todos modos, “Spanish Movie” hizo buenos números en taquilla, doblando su coste en recaudación y convirtiéndose en una de las producciones españolas más vistas del año.

Ahora, cuatro años después, el director contraataca con otra propuesta cómica con, nuevamente, cierto regustillo yanqui.

Modesto (Raúl Arévalo) es un profesor que en ocasiones ve muertos. Esto no solo le ha costado una fortuna en psiquiatras sino que también ha hecho que le despidan de todos los colegios donde ha trabajado. Su suerte cambia cuando consigue plaza en el Monforte, un colegio de prestigio aterrorizado por cinco alumnos. ¿Y qué tienen de especial estos alumnos? Pues que están muertos, y Modesto es el único que puede verles y ayudarles a saldar su cuenta pendiente en la tierra para que dejen de vivir como fantasmas y reciban el descanso que se merecen.

Caldera vuelve a reunirse con gran parte del elenco con el que trabajó en su opera prima; esto es, la estupenda Alexandra Jiménez, que aquí encarna a la directora del colegio Monforte; Silvia Abril, que da vida a la singular secretaria; y dos de los componentes/artífices del programa de humor Muchachada Nui, Carlos Areces y Joaquín Reyes, que interpretan respectivamente a un padre metomentodo miembro de la Asociación de Madres y Padres del colegio (AMPA) y a un pésimo psiquiatra que aconseja inútilmente al protagonista.

A este grupete lo encabeza un traumatizado Modesto en la piel de Raúl Arévalo, al que ya vimos el año pasado en la muy recomendable “Primos”. Y como plus, tenemos también al veterano Luís Varela (Camera café), otro espectro que pulula por la pantalla no sin cierto desconsuelo.

No hay duda que semejante reparto ya es un punto a favor, pero tal como se pudo comprobar con Spanish Movie, eso no es suficiente para llevar a flote una película. En este caso, más que tirar de constantes gags, lo que se ha intentado es hacer una comedia entrañable y nostálgica para tratar de encandilar a un espectador que probablemente se escape del target habitual de este tipo de propuestas. Y eso, en parte, podría costarle una buena taquilla.

Los que esperen encontrarse con un “Fuga de cerebros” en versión fantasmal probablemente se lleven un chasco, puesto que se trata de una comedia mucho más ligera y menos gamberra de lo que parece a simple vista. Los gags escatológicos y de mal gusto aparecen de forma puntual, cosa que al menos un servidor agradece enormemente. Ese tipo de humor es el que, en mi humilde –y poco compartida- opinión, suele estropear cualquier comedia, sea española o de donde sea. Sin embargo, es evidente que este humor vulgar y soez tiene su público y es el que a menudo suele llenar las salas.

“Promoción fantasma” apuesta más por el diálogo jocoso, lo que permite que tipos como Joaquín Reyes nos arranquen alguna que otra buena carcajada. Lástima que su presencia en la trama sea escasa, porque cada vez que aparece lo borda. Claro que, a veces, a este tipo de cómicos es mejor disfrutarlos a bocados pequeños para no empacharse luego.

Si algo resulta un tanto chocante y chirriante es esa mezcolanza de cine juvenil de instituto a medio camino entre lo yanqui y lo español. Y es que no resulta muy habitual que en nuestros colegios se celebren “bailes de fin de curso”, que a los alumnos se les cite por megafonía o que el rompecorazones de turno (uno de los fantasmas, en este caso) parezca el quaterback del equipo de fútbol.

Esto responde, en buena medida, al cine al que sus responsables han querido rendir tributo, homenajeando claramente a uno de los clásicos por excelencia del género adolescente: “El club de los cinco”, del especialista John Hugues (una de mis películas de cabecera, dicho sea de paso). Homenaje perceptible desde el afiche promocional con los cinco alumnos fantasmales emulando el cartel de la citada película hasta la repetición de los bailecitos que se marcaban Emilio Estévez y cía en un momento dado de la misma. Además, estos cinco jóvenes representan varios de los estereotipos estándar de aquella y de cualquier otra comedia juvenil que se precie: desde el joven rebelde al deportista pasando por el/la empollón/a o la “facilona” del colegio (que aquí, para más señas, es una preñada prematura). A estos se le añade un estereotipo muy patrio, el “fiestero de Pachá” de allá por los 90, que recae en el personaje de “Pinfloy”, quién como fantasma “vive” condenado a una eterna borrachera dado que en el momento de su muerte se encontraba completamente ebrio.

Además, los cinco vagan por la escuela porque SPOILER-- murieron juntos cuando un incendio se propagó en la biblioteca, lugar en el que se encontraban castigados -- FIN SPOILER, por si la referencia aún no había quedado clara.

A otra película que recuerda “Promoción fantasma” es a aquella desconocida pero muy estimable comedia fantástica de principios de los noventa titulada “Corazones y almas”, en la que un jovencísimo Robert Downey Jr. tenía que lidiar con cuatro fantasmas adultos a los que debía que ayudar a resolver sus cuentas pendientes para así poder ir, por fin, al cielo. Eso es exactamente lo mismo que le ocurre a nuestro Modesto con sus cinco alumnos. Claro que el procedimiento aquí es algo distinto y mucho más cómico, amén de que las “posesiones” (cuando el fantasma se introduce dentro del cuerpo de un vivo) no afectan al protagonista sino a las personas de su entorno.

Por ello, por esa cinefilia nostálgica y por esa música tan ochentera (escuchar el “Total Eclipse Of The Heart” de Bonnie Tyler en una sala de cine te eriza la piel), es posible que “Promoción fantasma” conecte mucho mejor con el espectador que ronda la treintena y cuarentena, que con el quinceañero de ahora.

Para las nuevas generaciones, eso sí, existe el atractivo (a modo de reclamo) de encontrarse a esa cantera de jóvenes actores y actrices que pueblan o han poblado la ficción televisiva de nuestro país. Entre los cinco espectros nos encontramos a Andrea Duro (Cuestión de sexo, Física o química), Jaime Olías (Ángel o Demonio), Anna Castillo (Doctor Mateo), Alex Maruny (Ángel o Demonio) y Javier Bódalo (El comisario, Los Serrano); además de a Aura Garrido, que encarna a una marginada antisocial (gótica, para más inri) y que protagoniza la subtrama amorosa más ñoña de la película junto al personaje de Olías, Jorge (el deportista de la cazadora “USA style”).

Como podéis comprobar, algunos provienen incluso de la misma serie, y es que la televisión les ha abierto a todos (a algunos antes que a otros) las puertas del cine. Ignoro cuántos de ellos caerán en el olvido en cuestión de años, cuántos superarán su etapa de “forracarpetas” para madurar como intérpretes o cuántos subsistirán gracias a su cara bonita (estilo Amaia Salamanca o Mario Casas), pero lo que es seguro es que todos pasan el examen con un aprobado. Quizás a Maruny se le vea, en alguna ocasión, algo menos cómodo con su actitud de “rebelde sin causa”, pero en líneas generales los cinco ofrecen una buena contrapartida al elenco de adultos de les acompañan. Y teniendo en cuenta quiénes son esos adultos, el mérito es doble.

Como comedia que es, “Promoción fantasma” se ve con agrado, sacándote algunas risas y numerosas sonrisas. Cuenta con la baza referencial y generacional a su favor, logrando captar la esencia de aquellas propuestas ochenteras que nos solían llegar del otro lado del charco, y añadiéndole el toque sobrenatural.

Tampoco es descartable que la chavalería actual le encuentre su punto, siempre y cuando no anden buscando la comedia chorras de turno. Pero como ya he comentado, la comicidad será mucho mayor con los que ya dejamos atrás la edad del pavo.

Quizás con algo más de gamberrismo y cero escatología (porque gamberro no equivale a escatológico), hubiera quedando más redonda, pero a falta de pan, buenas son galletas, y poco hay que reprocharle a lo que han logrado Caldera y cía: hacer una comedia juvenil simpática y muy amena.

Valoración personal:

“Silencio en la nieve” (2011) – Gerardo Herrero

2012-01-21T11:20:00.007Z

Crítica Silencio en la nieve 2011 Gerardo Herrero

Uno de los conflictos bélicos que más veces se ha abordado en el cine es, sin lugar a dudas, la Segunda Guerra Mundial. Y probablemente los americanos sean los más prolíficos en este campo dada la potente industria cinematográfica que poseen (y lo mucho que les gusta vanagloriarse de su incursión). Sin embargo, no son los únicos, y otros países, tanto del bando de Los Aliados como del bando del Eje, también han realizado, con mayor o menor fortuna, producciones que han reflejado -desde su propio punto de vista- distintos episodios de tan terrible y devastadora guerra.

Durante la II G. M., España mantuvo una (discutible) posición neutral respecto a ambos bandos, con lo cual es lógico que nuestro cine se haya interesado más bien poco en este tema y se haya centrado más en conflictos bélicos que nos atañen directamente, como la Guerra Civil, el más importante de nuestra historia reciente.

No obstante, y como ya insinúo en el párrafo anterior, esa neutralidad de nuestro país frente a la guerra no era tal, por lo que sí hubo participación de soldados españoles. Por aquél entonces, Franco pactó un acuerdo con Hitler por el que le prestaba su ayuda en el momento en el que se iniciara la invasión de Rusia. Cuando esto ocurrió, entró en acción la División Azul, un cuerpo de voluntarios españoles que lucharon codo con codo (aunque no sin discordia) con el bando alemán.
En ese contexto es en el que se sitúa “Silencio en la nieve”, la última película del director y productor Gerardo Herrero.

Frente de Rusia, invierno de 1943. Un batallón de la División Azul se topa con una serie de caballos sumergidos bajo el hielo de un lago congelado. Junto a uno de los caballos, aparece el cadáver de un soldado español. Un corte le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el pecho tiene una inscripción grabada a cuchillo: "Mira que te mira Dios". Los mandos encargan la investigación al soldado Arturo Andrade (Juan Diego Botto), un exinspector de la policía que asume la tarea con rigor y profesionalidad, y al que le asignan como ayudante al sargento Espinosa (Carmelo Gómez).

La película, basada en la novela “El tiempo de los emperadores extraños” del escritor madrileño Ignacio del Valle, se ubica en un contexto bélico sin posicionarse políticamente hacia ninguno de los bandos enfrentados. Esto es así porque el pilar de la historia es una trama criminal sin las pretensiones añadidas de ser un relato histórico de dicho acontecimiento ni de la participación de la División Azul en el mismo, un tema por otra parte poco tratado en el cine.

El descubrimiento de un soldado asesinado es el punto de partida de una trama detectivesca que involucra a dos miembros de la División Azul encargados de la investigación. Uno de ellos es Arturo Andrade, un hombre reservado que fue inspector de la policía durante la II República y los primeros meses del franquismo. El otro es el Sargento Espinosa, un tipo pesimista convencido de que la derrota ante el enemigo es inminente. Ninguno de los dos parece demasiado convencido de la lucha contra el Ejército Rojo, pero en estos momento algo más importante ocupa sus quehaceres diarios. Ambos se entregan concienzudamente al caso de asesinato que les han asignado, tratando de recabar información acerca de la víctima y de todos aquellos con quienes mantuvo algún contacto. Sus sospechas iniciales atribuyen el móvil del asesinato a motivos políticos, probablemente un ajuste de cuentas por parte de algún quintacolumnista. Sin embargo, la inscripción que el asesino dejó marcada en el cuerpo, "Mira que te mira Dios”, resulta desconcertante. No será hasta que la citada frase cobra significado cuando se den cuenta que detrás de todo se oculta una perversa venganza y que el cadáver del soldado puede ser el primero de otros tantos si no logran atrapar al asesino a tiempo.

Herrero maneja con bastante solvencia esta historia criminal que, si por algo destaca, es por ubicarse en medio de una guerra sin tregua, mostrándonos de forma colateral la locura de la contienda y los rifirrafes entre soldados españoles y soldados alemanes. También se hace hincapié en las desconfianzas interna entre los propios miembros de la División Azul, formada tanto por falangistas voluntarios y fascistas radicales que no pertenecían a Falange como por republicanos. Todo ellos enrolados “voluntariamente” a luchar contra el comunismo. Además, en el guión también se refleja la caza de brujas entre los masones (tanto de derechas como de izquierdas) que hubo tras la Guerra Civil Española y que, tal como comprobaremos, SPOILER -- resulta ser el desencadenante de los asesinatos -- FIN SPOILER.

La caza al asesino nos mantiene intrigados durante buen parte del metraje gracias a que el desarrollo de la investigación avanza sin prisas pero también sin pausas, facilitando poco a poco esa información que nos irá descubriendo quién se esconde detrás de tan brutal asesinato y el por qué de sus actos.

Puede que alguna situación resulte algo forzada, y no cabe duda que el affaire del protagonista con la muchacha rusa y la relación que éste entabla con un niño huérfano poco aportan a la historia (aunque quizás sí ayudan a definir un poco su personaje), pero en líneas generales es una película que funciona gracias a su intriga y a la sólida construcción de sus personajes. Así como al correcto trabajo de todo su reparto, sin excepciones; desde la pareja protagonista formada por Juan Diego Botto (que, reconozco, nunca ha sido santo de mi devoción) y Carmelo Gómez, hasta el variado elenco de secundarios (el casi siempre poco aprovechado Víctor Clavijo, un desafiante –aunque un pelín estridente- Sergi Calleja, un simpático e inocente “chófer” de correos a cargo de Jordi Aguilar, etc.).

Merece también la pena resaltar el cuidadísimo diseño de producción y el trabajo de fotografía que, en conjunto, logran ambientar creíblemente esta historia ubicada en plena Segunda Guerra Mundial.

“Silencio en la nieve” es un interesante thriller ubicado en un entorno cruel donde la muerte y la miseria son el pan de cada día, y en donde la pareja protagonista intenta poner algo de orden y justicia. No es una película perfecta, pero el resultado es estimable, amén de que resulta una propuesta bastante instructiva –sin caer en el tono documentalista- en lo que al tema de la División Azul se refiere.

Valoración personal:

Millennium en Doctortrade

2012-01-19T17:40:00.006Z

Millennium en Doctortrade

La semana pasada se estrenó la adaptación americana del primer libro de la Saga Millenium a cargo de David Fincher, versión que ha cosechado muy buenas críticas y de la cual ya dejé mi opinión personal en el blog. Precisamente, y como ya comenté en la correspondiente crítica, la obra de Larsson tuvo sus primeras adaptaciones en su Suecia natal, así que si sois fans de las mismas u os interesa descubrirlas por primera vez, ahora tenéis la oportunidad de adquirirlas a buen precio en Doctortrade. Encontraréis Los Hombres que no Amaban a las Mujeres, La Chica que Soñaba con una Cerilla y un Bidón de Gasolina y La Reina en el Palacio de las Corrientes de Aire a partir de 5 euros.

Si preferís un pack de DVDs con toda la trilogía, lo tienen a partir de 8 Euros (y también lo podéis encontrar en BluRay). Y en el caso de que lo querráis todo sobre la saga, tienen la serie inédita (tanto en DVD como en BluRay), en la que podréis ver todo aquello que las películas no cuentan y con tres temporadas relacionadas con las tres respectivas películas.

Además, en Doctortrade ahora están de rebajas, por lo que disponéis de las películas un 60% más baratas, nuevas o de segunda mano. Tan sólo tenéis que ingresar el código DT5REBAJAS al hacer vuestra compra y así beneficiarios de 5 Euros de descuento.

Saludos ;)

“Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres” (2011) – David Fincher

2012-01-13T11:52:00.006Z

Crítica Millennium 2011 David Fincher

Quizás lo peor que le pueda ocurrir a un escritor es no poder saborear el éxito de su obra. Ese sería precisamente el caso del sueco Stieg Larsson, que falleció antes de ver cómo su trabajo póstumo, la Trilogía Millennium, se convertía en un éxito de ventas (65.000.000 de ejemplares en 46 países).

Larsson escribió tres novelas de carácter policiaco/criminal tituladas “Los hombres que no amaban a las mujeres”, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”, y que cronológicamente conforman la susodicha saga.

Cada cierto tiempo se repite este “fenómeno best-seller” (a menudo, literatura “fast-food” para todos los públicos, incluso para aquellos que lo único que han leído en su vida es el libro de la autoescuela), y del mismo modo que le ocurrió a Dan Brown y su Da Vinci, pronto se quiso sacar provecho del éxito de las novelas trasladándolas a la gran pantalla. Los propios suecos fueron los primeros interesados en rodar una película por novela y tratando de ajustarse fielmente a lo escrito por Larsson. Posteriormente, a estas tres películas le siguió una miniserie de televisión. Todo ello sirvió para aumentar aún más la popularidad del desaparecido escritor y catapultar al estrellato a su actriz protagonista, Noomi Rapace, a la que recientemente hemos podido ver en “Sherlock Holmes: Juego de sombras” (su modesto aterrizaje en Hollywood).

Pasada la euforia inicial, en Columbia decidieron que ellos también querían ser participes del éxito de Larsson y sus novelas de largos y abstractos títulos. Por ello decidieron tirar de la opción más manida: el remake. Versionar la primera película sueca o, si se prefiere, volver a adaptar la novela (según el resultado, parece una cosa u otra), era lo más preferible dado que a los americanos (en su mayoría), al igual que a los españoles (en su mayoría), no les gusta leer subtítulos, por lo que distribuir la cinta original equivaldría muy seguramente a estrellarse en taquilla. Claro que esto último también le podría pasar al remake, tal como le ocurrió –injustamente, todo sea dicho- a “Déjame entrar” de Matt Reeves. Pero estos productores fueron un poco más precavidos y le encargaron la tarea a un director de peso y elevado reconocimiento: David Fincher.

En medio de un escándalo por difamación, el periodista financiero Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es contactado por uno de los empresarios más ricos de Suecia, Henrik Vanger (Christopher Plummer), para que investigue en profundidad la desaparición, muchos años atrás, de su querida sobrina Harriet. Vanger está convencido de que Harriet fue asesinada por uno de los miembros de su numerosa familia, por lo que Blomkvist tendrá que dar con el asesino estudiando minuciosamente el día de la desaparición de la joven. Para ello, el periodista contará con la ayuda de Lisbeth Salander (Rooney Mara), una inusual pero ingeniosa investigadora (y habilidosa hacker) que trabaja para Milton Security.

Para los que hayan leído las novelas y/o visto las adaptaciones suecas, probablemente el interés de esta versión americana radique exclusivamente en comprobar lo que ha hecho Fincher con semejante material. Esto les permitirá juzgar su trabajo como adaptación fiel o no a la novela y/o como mejor o peor versión respecto a la original sueca. Para los que jamás nos hemos acercado a la obra de Larsson en ninguno de sus formatos, es la oportunidad de volver a ver al director enfrascado en un thriller policiaco tras “Seven” y “Zodiac”.

La historia de “Millennium” se enmarca en Suecia (en una Suecia donde absolutamente nadie habla sueco…) en la ficticia ciudad de Hedestad, y más concretamente en la isla de Hedeby, lugar de residencia de Henrik Vanger y buen parte de su familia, con la que no mantiene ningún contacto a excepción de su sobrino Martin. Hasta allí se desplaza Mikael Blomkvist con la intención de llevar a cabo la investigación de la desaparecida Harriet bajo el falso pretexto de escribir una biografía sobre Henrik.

A medida que Blomkvist va conociendo a varios miembros del clan Vanger y va avanzando en sus pesquisas, se da cuenta que hay una verdad aún mayor y más oscura oculta detrás de la desaparición de Harriet y que podría tener relación con una serie de terribles asesinatos ocurridos en el país. Es en ese instante cuando se da cuenta que necesita ayuda para resolver el caso, y nadie mejor que Lisbeth Salander, la persona que el mismo Henrik Vanger contrató para que le investigara a él antes de solicitar sus servicios.

La trama de la película podría pasar tranquilamente por una más de “asesinos en serie” si no fuera por dos elementos cruciales de la misma: por un lado está el hecho de enmarcar la investigación dentro de un núcleo tan cerrado como es el de una adinerada familia sueca de la que poco a poco iremos conociendo más detalles (desde el pasado nazi de varios de sus miembros hasta las profundas desavenencias existentes entre ellos tras el misterio en torno a Harriet Vanger). Esto permite centrar las indagaciones del protagonista y, por ende, del espectador, en un único foco de sospechosos a lo “Diez negritos” de Agatha Christie, descartando uno a uno a los susodichos familiares hasta dar con el culpable.

Por otro lado está el peculiar personaje de Lisbeth Salander (vulnerable a la par que resistente/superviviente), una rara avis dentro del género de la novela negra que nos proporciona algunos momentos verdaderamente sórdidos (SPOILER-- la venganza ojo por ojo contra su violador, por ejemplo --FIN SPOILER) y que ofrece un marcado contraste al lado de Mikael Blomkvist, un personaje mucho más convencional.

Por tanto, tenemos una extraña pareja (un periodista acostumbrado a destapar la corrupción de ricos empresarios y una experta informática de conducta inestable) que unen fuerzas en busca de la verdad, aunque los motivos que les hagan embarcarse en la investigación sean bien distintos.

Estos serían los atributos más destacables de una historia de desarrollo ciertamente rutinario pero que en su traslación a la gran pantalla se muestra eficazmente ensamblada y narrada gracias tanto a la labor del guionista (no olvidemos que la escritura corresponde a Steven Zaillian, que pese a algunos tropiezos ha parido guiones como el de “La lista de Schindler”, “American Gangster” o “Gangs of New York”) como a la de su director, un David Fincher en su salsa.

Ya de los espectaculares créditos iniciales, que bien podrían pertenecer a una entrega del emblemático James Bond (por cierto, ¿para cuándo una película del agente 007 dirigida por este señor?) y que evidencian el pasado videoclipero de Fincher, marcan la diferencia (aunque sean una sobrada, molona, pero sobrada al fin y al cabo) y nos avisan de que no vamos asistir a un thriller del montón. Mención especial al tema musical que acompaña a dichos créditos, un “Immigration Song” de Led Zeppelin versionado para la ocasión por Trent Reznor y Atticus Ross, autores de la martilleante (y mayormente insufrible) banda sonora de la película (que pasa de tener temas bastante potables a otros que son un auténtico suplicio para cualquier oído con un mínimo de sentido del ritmo… y del buen gusto, si se me permite añadir).

Fincher maneja con mano férrea las dosis de intriga de una historia que en algunos aspectos resulta algo previsible (SPOILER-- Stellan Skarsgård tiene la palabra “culpable” tatuada en la frente desde su primera aparición -- FIN SPOILER).

El seguimiento de la investigación criminal es muy minucioso a la par que sobrio, sin alardes pirotécnicos ni golpes de efecto metidos con calzador (que suele ser lo típico en este género). La estructuración del guión es sólida, tanto en su inicio, cuando la historia se bifurca en dos vías narrativas que, por separado, nos impregnan de la esencia de los dos personajes protagonistas (Mikael por un lado y Lisbeth por el otro) como cuando los caminos de ambos se encuentran para dar comienzo al nudo de la trama. El problema, no obstante, lo encontraríamos en el tramo final, donde la historia se alarga más de la cuenta con “dos desenlaces” claramente diferenciados: uno de ellos es el que atañe al caso Harriet, que debería haber sido el punto final de la película, sea esto más o menos fiel a la novela (cosa que ignoro); y el otro el que cierra el asunto legal de Mikael con la acusación por difamación, y que en caso de no suprimirse, sí debió sintetizarse mejor para no alargar un metraje que ya de por sí resulta bastante excesivo. Y es que por mucho Fincher que esté detrás de la cámara, casi 160 minutos son demasiados minutos para una película de estas características (aunque en conjunto, es una cinta mucho más llevadera que “Zodiac”, y el ritmo prácticamente no sufre de altibajos).

De todos modos, estamos ante un thriller bien armado que tiene lo fundamental para contentar al espectador: drama, intriga, asesinatos, sexo, corrupción, secretos familiares, una heroína de armas tomar, buenas interpretaciones (2011 ha sido el año de Christopher Plummer e imagino que Rooney Mara convencerá hasta los más escépticos), diálogos certeros, momentos perturbadores, etc. Un Fincher que demuestra que un trabajo por encargo, y más aún un remake, puede ser de calidad.

P.D.: Esta adaptación americana supone el inicio de una nueva trilogía que bien podría seguir a los mandos de Fincher, siempre y cuando el público responda en taquilla y asegure el futuro de las secuelas, cosa que aún está por ver.

Valoración personal:

“Sherlock Holmes: Juego de sombras” (2011) - Guy Ritchie

2012-01-06T12:26:00.008Z

“Sherlock Holmes: Juego de Sombras” (2011) - Guy Ritchie

Justo cuando su carrera parecía estar en dique seco, Guy Ritchie resucitó de sus cenizas cual Ave Fénix primero con “Rocknrolla”, una película de mafiosos en la línea de sus primeros y más famosos trabajos, y luego con “Sherlock Holmes”, reinvención del magistral personaje literario creado Arthur Conan Doyle. Fue esta última precisamente la que le puso en el redil de Hollywood, consiguiendo que su nombre se vinculara a jugosos proyectos como “Sgt. Rock” o una nueva versión de Excalibur, ambas bajo el amparo de Warner Bros.

Pero la taquilla es la que manda, y la primera entrega de este “reinventado” Sherlock Holmes fue todo un éxito (en parte por el trabajo de los guionistas al adaptar el cómic de Lionel Wigram y en parte por la perfectamente identificable labor de Ritchie tras las cámaras), por lo que había que aprovechar la idea y la disponibilidad del solicitado Robert Downey Jr. (otra pieza clave) para lanzarse a la piscina con una inmediata secuela.

Así es como dos años después llega a nuestras carteleras “Sherlock Holmes: Juego de Sombras”, entrega en la que nuestro famoso detective tendrá que enfrentarse a un enemigo a la altura de su brillante intelecto, el profesor Moriarty.

Una serie de crímenes y atentados bomba están golpeando al mundo, y el astuto Sherlock Holmes tiene la certeza de que detrás de todo se encuentra el profesor Moriarty, una gran mente criminal.

Holmes volverá a contar con la inestimable ayuda de su buen amigo el Dr. James Watson para tratar de descubrir el plan que está orquestando su enemigo y tratar de detenerlo antes de que sea demasiado tarde.

No hay duda que pese a las permisibles licencias (la base literaria y los atributos del personaje siguen ahí, aunque algunos se obcequen en negarlo), este remozado Sherlock Holmes caló hondo entre los espectadores. Parte del mérito fue también gracias al buen hacer del carismático Robert Downey Jr. en la piel del famoso detective.

Por ello, y porque la película sigue llevando su nombre por título, Sherlock Holmes vuelve a ser la gran estrella de la función. Y si ya en la anterior entrega nos encontramos con un Holmes más desenfadado y peleón de lo habitual, aquí su personaje alcanza altas cotas de virtuosismo y excentricismo, amén de acentuarse aún más –y con un tono marcadamente paródico- su afán por los disfraces durante el transcurso de sus investigaciones.

El humor sigue siendo uno de los puntos fuertes, y una muestra de ello se aplica de maravilla a la ya de por sí estupenda comicidad entre Downey Jr. y Jude Law, la pareja protagonista.

Ahora tenemos a un Watson a punto de pasar por la vicaría y completamente desligado de los casos que ocupan el tiempo de Holmes. Aún así, y por mucho que discutan mientras están juntos y por mucho que el buen doctor se queje del incorregible comportamiento de su amigo, ambos forman un gran equipo y se necesitan mutuamente en lo bueno y en lo malo. Juntos se complementan y juntos es la única manera en la que pueden vencer a su despiadado enemigo.

Moriarty ha sido siempre el archienemigo de Holmes en los relatos de Doyle, por lo que su aparición resultaba indispensable, más cuando en la primera entrega su personaje se encontraba urdiendo maldades en la sombra. En aquella nos sugirieron su presencia y aquí directamente nos lo presentan como el gran villano capaz de ir un paso por delante del gran detective londinense.

El profesor Moriarty es un hombre culto y muy astuto, pero además posee una capacidad innata para el mal y una absoluta falta de escrúpulos que lo convierten en un rival de mucho cuidado.

La investigación en torno a sus maquiavélicos planes se torna aún más peligrosa cuando la vida de Watson y su inminente esposa corre peligro, y cuando entra en juego el personaje de Madam Simza, la pitonisa gitana encarnada por Noomi Rapace.

Para la actriz sueca, conocida por su papel de Lisbeth Salander en la saga Millemiun, éste supone su trampolín hacia la meca de Hollywood, y si bien su actuación es correcta, lo cierto es que su personaje queda bastante desaprovechado, tal como ocurre con todas las féminas de la saga. Madam Simza tiene agallas y se defiende bastante bien en el arte de la lucha, pero luce poco como secundaria. Lo mismo le ocurre a la esposa de Watson, que aunque en el desenlace juegue un papel importante, su presencia sigue limitándose a cuatro escenas contadas (y todos los que hemos visto a Kelly Reilly en “Eden Lake” sabemos que puede dar mucho más de sí). Y luego tenemos a una efímera Rachel McAdams nuevamente en el papel de Irina Adler, esa pícara ladronzuela capaz de traer de cabeza a Holmes y con la que se podría haber explotado un romance con buena química. Desgraciadamente, lo suyo es un visto y no visto que de algún modo sirve para mostrar el lado más humano SPOILER-- y trágico -- FIN SPOILER de Holmes. A título personal SPOILER-- me dolió sobremanera que su muerte sirviera para mostrar otras capas interiores del personaje protagonista. Aunque ya se sabe que en una saga ningún personaje muere definitivamente… -- FIN SPOILER.

Es de suponer que los guionistas no han querido que nadie se interponga en el protagonismo de Holmes y Watson, y menos entre el duelo del primero contra Moriarty (atención al gran guiño literario en el desenlace de su enfrentamiento final). Son estos tres personajes los que llevan el peso de la historia. Una historia que quizás esté por debajo de sus posibilidades teniendo en cuenta el villano que tenían entre manos y la inclusión del hermano de Holmes, Mycroft, en manos de un simpático Stephen Fry haciendo de Stephen Fry y que en personalidad poco se parece al Mycroft descrito por Doyle.

La primera “Sherlock Holmes” nos la vendieron como una película de acción de época, y resultó contener más misterio y suspense del que uno pudiera esperar. Y ese fue, precisamente, uno de sus logros. En esta ocasión, sin embargo, la intriga es más bien simplona (y fácilmente deducible), y aunque Holmes siga haciendo gala de mucho ingenio y astucia, sus hallazgos no sorprenden tanto y nos cuesta ver en él al brillante detective al que tantas veces Scotland Yard ha requerido para resolver misteriosos asesinatos. Es como si por protagonista tuviéramos a un brillante matemático, y las matemáticas que nos mostrase el guión fueran de primero de secundaria.

Una trama más trabajada en ese aspecto hubiera dado mucho más juego entre el duelo Holmes vs Moriarty. De todos modos, y teniendo en cuenta lo que nos proponen (cierto acercamiento al por qué de las guerras y, por ende, a la Gran Guerra que tiene lugar un par de décadas después de los hechos que aquí transcurren) y que ambos actores están perfectos en su rol (después de ver a Jared Harris no creo que nadie eche de menos al rumoreado Brad Pitt), las posibles carencias del guión apenas hacen mella y quedan compensadas por las dosis de buen entretenimiento que nos ofrece la película dirigida por Ritchie.

El director británico despliega nuevamente su arsenal de artificios visuales y recursos videocliperos para lograr secuencias de acción mucho más espectaculares y grandilocuentes, convirtiendo esta segunda parte en una superficial pero francamente efectiva película de acción. A menos intriga, más pirotecnia, pero en conjunto, la fórmula se repite y, qué demonios, vuelve a funcionar.

Excelente pareja protagonista con un Downey Jr. en su salsa, buen villano, historia entretenida, generosas dosis de acción y humor, gran ambientación y redonda banda sonora a cargo de Hans Zimmer, que tras la experimentación que nos brindó en su predecesora aprovecha ahora la espectacularidad de la función para ofrecer una partitura más poderosa y épica, y con unos toques zíngaros que casan de lujo con algunos segmentos de la película. Claro que lo más sorprenderte es encontrarse en la banda sonora la inclusión (a modo de impagable guiño) de un tema ajeno (de los varios que hay) como el de Ennio Morricone correspondiente a “Dos mulas y una mujer”.

En conclusión, una de esas pocas afortunadas que puedan presumir de ser la excepción al popular dicho de “segundas partes nunca fueron buenas”. Ojalá pudiéramos decir esto más a menudo.

Valoración personal:

Amazing Movies Awards 2011

2011-12-30T18:22:00.036Z

Amazing Movies Awards 2011

A falta de muy pocas horas para que termine el 2011 y empiece el 2012, es el momento en el que muchas webs y blogs de cine hacen balance publicando sus listas de lo mejor y peor del año. Hay listas de todo tipo, desde las que escogen las mejores y peores películas del año hasta las que seleccionan lo mejor y peor en materia de promoción, es decir, en tráilers y pósters.

Sobra decir que todas estas listas están sujetas a valoraciones absolutamente subjetivas, por lo que no necesariamente hay que tomárselas como una referencia fidedigna de lo que han dado de sí estos (casi) 365 días. Obviamente, cada uno tiene su propia opinión, y esa es la que verdaderamente cuenta, por lo que habrá listas con las que se difiera más y otras con las que se difiera menos. No obstante, a veces resultan bastante útiles para profundizar un poco más en los gustos de quienes las elaboran.

Un servidor acostumbra a realizar este tipo de lista en su otro blog, pero este año he decidido importar la idea también a Amazing Movies, si bien he intentado confeccionar una lista que difiera un poco de las que se suelen encontrar en la red (aunque tampoco sea el colmo de la originalidad). De entrada, la especialización del blog en cine de género (fantástico, ciencia-ficción, terror, acción y aventura) me obliga a centrar mi selección en ese tipo de películas, por lo que se van a echar en falta otras propuestas que pertenecen a géneros como la comedia o el drama (véase “The Artist” o “Un dios salvaje”, que me parecen dos de las mejores películas del año).

Dicho esto, aquí es dejo mi particular selección de lo mejor de 2011 en distintas y variadas categorías. Podéis coincidir y discrepar todo lo que queráis, y si se os ocurre alguna categoría que pudiera ser oportuno incluirla, no dudéis en decírmelo para que la tenga en cuenta para el próximo año.

Mejor Héroe y/o Heroina

Ex aequo: Capitán América / Steve Rogers & Conductor

Uno, de buen corazón y nobles valores; el otro, un antihéroe con mucho estilo.

Babydoll

Una Emily Browning vestida de colegiala y en plan lolita, armada con una katana y matando dragones difícilmente encuentre rival en esta categoría. Si encima nos deleita con unos sensuales bailecitos, mejor que mejor.

Mejor Villano y/o Villana

César - Si el demente pervertido interpretado por Luís Tosar no es el mayor hijo de Satanás que ha dado el cine de este año, no sé cuál lo es. Un ser despreciable que no me gustaría tener ni como portero ni como vecino.

Madre Gothel - Malvada y egoísta como ella sola. Se aprovecha de la cándida inocencia de Rapunzel para mantenerse joven eternamente.

Mejor Personaje Animado

Ex aequo: El gato con botas / Rango

Personaje carismático que ha sabido desligarse de la maltrecha saga Shrek para triunfar en solitario.

Peculiar antihéroe que necesita fingir quién no es para terminar encontrándose a sí mismo.

Mejor Monstruo

De luminosas fauces, pelaje negro como el tizón y con muy malas pulgas, estos bichejos venidos del espacio exterior siembran el caos en un barrio londinense. Suerte que una banda de jóvenes pandilleros les planta cara en "Attack The Block".

Mejor Secuencia de Acción

Ex aequo: Asalto al tren en “A todo gas 5”, por su descarga de adrenalina; derribo del edificio en “Transformers 3: el lado oscuro de la luna”, por su espectacularidad; y escalada al rascacielos Burj Khalifa de “Misión Imposible: Protocolo fantasma”, por su ausencia de dobles y su reducido empleo de CGI.

Mejor Secuencia de Terror o Gore

La cosa atacando a su siguiente víctima en “The Thing” (2011). Repitiendo/copiando la fórmula que su predecesora, pero con respeto y dignidad.

Mejor Pelea

Ex aequo: “Drive” por la sacudida en el ascensor; “A todos gas 5” por el cara a cara Diesel vs Johnson e “Immortals” por ver a los Dioses hacer pedazos a los Titanes.

Mejor Debut como Director

Joe Cornish por “Attack The Block”, por recordarnos a la mejor serie B gamberra de los 80 sin necesidad de homenajear ni beber de nadie (aprende, J.J. Abrams)

Mejor Secuela, Precuela o Remake

Sin lugar a dudas, la sorpresa del año en lo que a cine comercial se refiere, aunando pirotecnia con una buena historia.

Mejor Película Basada en un Cómic

Ex aequo: “X-Men: Primera generación”, una sólida película de superhéroes con dos buenos personajes/actores al frente. Si todas las películas de este subgénero fueran así, otro gallo cantaría.

“Capitán América” un muy entretenido pulp de aventuras y, probablemente, la mejor película de superhéroes de Marvel.

Mejores Títulos de Crédito

“Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” por sus créditos iniciales y “Capitán América” por sus créditos finales. Una gozada visual que podéis ver aquí y aquí.

Mejores Efectos Especiales

“El origen del planeta de los simios”

Sin ser perfectos, son capaces de transmitirnos los sentimientos de un simio al que da vida magistralmente Andy Serkis.

Mejor B.S.O.

Aunque probablemente sea una de las peores comedias/parodias de la historia (y, de lejos, la peor comedia del año), su épica banda sonora a cargo de Steve Jablonsky (uno de los alumnos aventajados de Hans Zimmer) merece ser recordada aparte.

Mejor Canción No Original

Ex aequo: Kavinsky & Lovefoxxx – Nightcall / College - A Real Hero (feat. Electric Youth) / The Heavy - Short Change Hero

Las dos primeras pertenecientes al soundtrack de “Drive” y la última al de “Sed de venganza (Faster)” (curiosamente ambas películas con un protagonista conductor de coches). Imposible decidirse por una de ellas. Para escuchar una y otra vez en el reproductor que tengas más a mano.

Mejor Póster

Ex aequo: Las tres primeras se han estrenado ya y las otras dos restantes lo harán en 2012.

Mejor Trailer

Ex Aequo: No hay duda que los trailers de las dos primeras eran mucho mejores que las propias películas. De las otras tres restantes que se estrenarán en 2012, se espera mucho de Prometheus y El Hobbit.

Mejor Película de Animación

Ex aequo:

Con “Enredados”, Disney le dio una vuelta de tuerca a los cuentos de princesas y recuperó la magia de antaño.

Con "Arthur Christmas", Aardman y Sony consiguieron un clásico navideño instantáneo.

Mención Especial

The Raid - Si no la mejor, una de las mejores películas exhibidas este año en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Brutal película de acción y artes marciales que por el momento no ha llegado a nuestras carteleras (y no sabemos si lo hará).

Felices Fiestas a todos!!

2011-12-24T18:58:00.013Z

Amazing Movies Felices Fiestas
Éste año me acompaña el bueno de Gizmo (que, como podéis ver, se ha vestido para la ocasión) para ayudarme a felicitaros estas fechas, así que sin más dilación:

Que tengáis una buena Navidad!!

“Immortals” (2011) - Tarsem Singh

2011-12-22T20:00:00.011Z

Crítica Immortals 2011 Tarsem Singh

Cuando en Hollywood les da por una temática, no hay quién les ponga freno. Y desde hace algunos años, parece que la Antigua Grecia y sus mitos se han puesto de moda para ser llevados a la gran pantalla con toda la espectacularidad que requieren sus historias y la que permiten las nuevas tecnologías.

Una de las primeras apuestas que llegaron a nuestras pantallas fue “Troya”, basada en la Ilíada de Homero y que contaba con 175 millones de presupuesto y un reparto repleto de caras conocidas. Tres años más tarde se estrenaría la visualmente rompedora “300” de Zack Snyder, que adaptaba un cómic de Frank Miller inspirado en la famosa batalla de las Termópilas (480 a. C.). Y finalmente el año pasado tuvimos dos películas que centraron sus esfuerzos en el mito de Perseo: “Percy Jackson y el ladrón del rayo”, basada en una serie de novelas juveniles, y “Furia de Titanes”, remake del filme homónimo de los ochenta.

Precisamente mientras teníamos a ésta última en cartelera, se estaba gestando ya la película que nos ocupa, “Immortals” (antes conocida como Dawn of War y posteriormente War of the gods).

Eones después de que los Dioses vencieran a los Titanes, un nuevo y maléfico peligro se cierne sobre la Tierra. Enloquecido por el poder y la sed de venganza, el rey Hiperión (Mickey Rourke) declara la guerra a los hombres. Después de reunir a un ejército sediento de sangre, Hiperión quema Grecia a su paso mientras busca un arma de poder inimaginable, el legendario arco Epiro, hecho por Ares en el Olimpo. Con dicho arco, Hiperión pretende liberar a los titanes, que llevan encerrados detrás de los muros del monte Tártaro desde el principio de los tiempos y claman por vengarse.

Si el rey lograra su propósito, significaría el fin de la raza humana y la aniquilación de los dioses. Pero la ley prohíbe a estos últimos entrometerse en los conflictos de los hombres, por lo que no pueden interferir para detener a Hiperión. Su única esperanza reside en un campesino llamado Teseo (Henry Cavill), un hombre fuerte y valiente capaz de liderar a los griegos en su lucha contra las hordas del malvado rey.

Lo último del director de espantosa “La Celda” y la aborrecible (aunque visualmente cautivadora) “The Fall” se adentra en la mitología griega a partir de la Titanomaquia o Guerra de los Titanes, un seguido de batallas que, durante diez años, enfrentaron a los doce Dioses del Olimpo contra sus predecesores los Titanes. En esta guerra anterior a la existencia de la humanidad, los dioses vencieron y encarcelaron a los enemigos supervivientes en el monte Tártaro.

Este es el punto de partida que sirve a los guionistas para desarrollar una historia que en poco o nada se parece a las hazañas del Teseo de los poemas de la Grecia clásica.
Asumido esto, y que la esquemática trama es una mera excusa para desplegar una orgía de sanguinaria violencia, no queda más remedio que dejarse llevar por este espectáculo tan claramente deudor de los espartanos de Zack Snyder (del mismo modo que lo es la serie de televisión “Spartacus: sangre y arena”).

Y es que es evidente que “Immortals” bebe claramente de “300” en muchos aspectos; entre ellos está el de la escenografía, pues se emplea con generosidad el uso de la pantalla verde para ahorrar en decorados y poder recrearse en la concepción de los vistosos y a veces imposibles escenarios. De ahí que al igual que aquella, todo resulte tan descaradamente artificial pese al elevado grado de perfeccionismo de Singh y de su equipo de efectos digitales. Es un precio (no muy alto) que hay que pagar si se opta por rodar de este modo, algo que sin duda es preferible hacer cuando se cuenta con un presupuesto medianamente holgado, pues de lo contrario puede salir algo tan cochambroso como “Crónicas mutantes”, aquél aborto directo a Dvd que protagonizó Thomas Jane.

Otros aspectos que nos recuerdan a la cinta de Snyder son sus musculados/fibrosos protagonistas masculinos que exhiben sus endurecidas abdominales con orgullo (bien porque con el torso desnudo se lucha mejor, bien porque sus ropajes ya de por sí carecen de tela y/o cuero suficiente para cubrirles como es debido), y el uso de la cámara lenta (y sus consiguientes ralentíes) especialmente para las encarnizadas batallas. Esto último, la cámara lenta, ya era propio de Singh, así que no se puede decir que haya copiado nada, sino más bien que el estudio acertó de pleno encargándole a él la dirección de algo que tenían muy claro cómo debía ser.

Pero dejando de lado las inevitables -y casi siempre odiosas- comparaciones, y reconociéndole a “Immortals” algo más de guión del que disponía “300” (la trama de una podría resumirse en cuatro líneas, dos más que la de la otra), es innegable que como producto de entretenimiento es de muy fácil digestión dada la simpleza de una historia que ofrece el ya clásico enfrentamiento entre el bueno muy bueno y el malo muy malo. Son prácticamente dos horas que se pasan en suspiro, que ya es algo.

Evidentemente, su mayor baza (o la única) son sus espectaculares escenas de lucha, en donde hombres y dioses blanden y cruzan sus espadas contra el enemigo, asestando duros golpes, hundiendo su acero en el estómago de quiénes quieren verles muertos, cercenando alguna extremidad al alcance de sus afiladas armas o esparciendo sesos por el suelo. Una marea de brutalidad que a su paso no deja más que cadáveres y charcos de sangre, y con la que el espectador ávido de “pornográfica” violencia disfrutará de lo lindo. Y todo ello aderezado con una estruendosa y épica banda sonora a cargo de Trevor Morris (Los pilares de la Tierra, Los Tudor).

Lo historia aquí no es más que una mera comparsa del despliegue visual preciosista, presuntuoso y en ocasiones hortera (esos cascos imposibles dignos de un desfile de moda kitsch y/o fetichista que lucen los Dioses o el propio Hiperión) de un Tarsem Singh más desatado que nunca. Y aunque sus libertades frente al Teseo clásico sean incontables, lo cierto es que aprovecha de la fuente original algún que otro segmento para reconstruirlo y reinterpretarlo a su manera, como bien puede observarse en el enfrentamiento que protagonizan Teseo y la “Bestia” (uno de los mastodónticos caudillos de Hiperión) en un laberíntico camposanto, y que claramente emula al mito de “Teseo y el Minotauro”.

Lo de endosarnos un impostado romance (con escena de sexo incluida) entre Freda, la visionaria sacerdotisa interpretada por la guapísima Freida Pinto, y Teseo, ya no queda tan bien insertado, pero se lo perdonamos porque en lo que resta de metraje la presencia de la muchacha es meramente anecdótica, y su escarceo amoroso/sexual (SPOILER-- o el resultado del mismo --FIN SPOILER) únicamente adquiere significado en el desenlace.

De lo esperpéntico de algunas caracterizaciones mejor no hacer más sangre, pero lo cierto es que estos dioses no tienen la presencia que se les presume a unas deidades, ni Zeus (un Luke Evans que sube de categoría tras interpretar –muy fugazmente- a Apolo en “Furia de Titanes”) goza de la impronta de alguien que gobierna el Olimpo. La trupe del Dios del Trueno, que reúne a dioses y semidioses -y hermanos e hijos- por igual (Atenea, Poseidón, Heracles…) se me antoja muy juvenil, y el conjunto de Titanes resulta demasiado homogéneo e impersonal (un grupito –al parecer interminable- de tipos sucios y medio desnudos)

Por ello, quién acaba infundiendo mayor respeto y temor es Hiperión, un simple mortal y un villano estremecedor en la piel de Rourke.

Por su parte, el héroe protagonista lo interpreta un convincente Henry Cavill, lo que nos permite hacernos una idea de lo que nos deparará su encarnación del superhéroe por antonomasia en la futura “Man of the Steel”, el Superman de Zack Snyder (bajo la batuta de Christopher Nolan) que promete hacernos olvidar (si no lo hemos hecho ya) el fallido intento de Bryan Singer.

Con todo, el ampuloso y beligerante festín que ofrece “Immortals” sólo complacerá (en mayor o menor medida) si se rebajan las exigencias y se entra desde un principio en el juego que nos propone.

Volviendo a las comparaciones, resulta menos divertida y emocionante que “300” (Leónidas era mucho Leónidas), pero igual de entretenida y hueca. Visto lo visto en los tráilers y dirigiendo quién dirige, podría haber salido algo peor (y difícilmente algo mejor).

P.D.: ¿Nadie más se acuerda del arquero de “Dragones y Mazmorras” (la serie de dibujos ochentera) al ver en acción el legendario arco Epiro?

Valoración personal:

Mi Wishlist 2012 de Fnac

2011-12-22T18:24:00.005Z

Wishlist 2012 Fnac

Los grandes almacenes Fnac repiten este año la acción “We wishlist a Merry X-Mas” exclusiva para blogs, y un servidor no ha querido desaprovechar la oportunidad para volver a probar suerte.

Y en qué consiste esta iniciativa para bloggers, se preguntarán algunos. Pues se trata simplemente de elaborar una lista de regalos que te gustaría recibir y/o que recomendarías a tus lectores para regalar a la familia y a los amigos. ¿Y qué es lo que se gana? Pues un vale por valor de 2.012€ para gastar en fnac.es.

Si sois bloggers, los pasos a seguir son muy sencillos:

1.- Publicar un post en vuestro blog con vuestra lista de deseos de productos de fnac.es. Los productos deben ir enlazados a la ficha correspondiente en fnac.es y mostrar su precio en el momento que hagáis el post.

2.- La suma de esta wishlist no debe superar los 2.012€.

3.- Enviar el link del post publicado a wishlist@fnac.es junto a vuestro nombre, apellidos, mail de contacto y teléfono.

4.- Tener suerte y llevarse el vale de 2.012€ que sortean xD

En caso de que no dispongáis de blog o queráis recomendar la Wishlist a alguien que no lo tiene, existe la posibilidad de participar a través de la red social Facebook. A continuación os dejo un par de enlaces para informaros mejor: Wishlist Facebook y Bases

El plazo termina el 31 de diciembre.

Dicho esto, ahí va mi Wishlist de este año:

Informática

Wacom Bamboo Fun Pen & Touch M - 199,90 €

Iomega ScreenPlay MX HD Media Player 1 TB Disco duro sobremesa multimedia PC + Cable HDMI - 176,89 €

Sony Reader Wi-Fi Negro – 199 €

HP Pavilion p6-2002es PC Sobremesa - 449 €

Imagen y sonido

Sony BDPS185B BluRay Internet - 99,95 €

Logitech Pure-Fi Express Plus para iPod - 62,90 €

MP3, Telefonía y GPS

Apple iPod Classic 160 GB Black Reproductor de MP3 - 229 €

TomTom XL Classic Europa 23 países + Adaptador mechero 131,68 €

Videojuegos y consolas

X360 250Gb + Battlefield 3 + Forza 3 + Crysis 2 - 199,95 €

Gears of War 3 Xbox 360 - 64,95 €

Cine

Pack Regreso al futuro: Trilogía (Formato Blu-Ray) - 39,99 €

Libros y cómics

Pack coleccionista Malefic Time - 45 €

¡Este rodaje es la guerra! - 33 €

Servitud 2 Drekkars – 14€

Merchandising

Robocop - Figura - Robocop 18cm - 20,99 €

Predator: Classic Predator - 21,99 €

Terminator - Figura – Endoskleton - 20,99 €

Total: 2009, 18 €

Como podéis ver, hay un poquito de todo, y muchas de mis elecciones ya estaban en el listado del año pasado. Si mis cálculos son correctos, incluso me han sobrado 2,82 €, cifra que curiosamente suma 12 (de 2012, se entiende).

¿A qué esperáis para hacer vuestra Wishlist?

Gana una cesta navideña con Doctortrade

2011-12-22T10:36:00.007Z

Gana una cesta navideña con Doctortrade

Estas son fechas para estar en familia, hacerse regalos, decorar la casa con adornos, devorar turrones y, por qué no, de ganar una cesta navideña en algún sorteo.

Pues bien, de esto último se encarga Doctortrade, que desde su web ofrece la posibilidad de participar en un concurso en el que se sortearán tres cestas navideñas compuestas por un vale para gastar en su web y diversos productos culturales (libros, películas, videojuegos y CD’s de música) que se venden en la misma.

Para entrar en el sorteo de este lote no tienes más que comentar en la web siguiendo estas sencillas instrucciones:

-Debes ser un usuario registrado en doctortrade.com. Si ya estás registrado, puedes comenzar a participar añadiendo un comentario sobre tu película favorita o el último libro que te has leído. Si eres nuevo, sólo tienes que registrarte para empezar a participar.

-Los comentarios tienen que ser de un mínimo de 40 palabras, siendo cada comentario realizado una oportunidad para optar a las cestas. Es decir, si se realizan 5 comentarios, se tendrán 5 participaciones para ganar las cestas.

-No existe límite máximo de comentarios (deberá ser en diferentes productos).

-El periodo de participación será hasta el 4 de enero de 2012, pudiendo participar sólo los usuarios residentes en España.

-Sólo será válida la participación con una cuenta de usuario por persona, si se detecta que alguna persona real participa con varios, no tendrán opción a ganar ninguna de las 3 cestas.

-Cada usuario podrá ganar como máximo 1 cesta.

-Para que tu participación sea válida, deberás compartir alguno de tus comentarios en tu perfil de Facebook o en Twitter según se detalla en la web (aquí os dejo el link).

Durante la promoción se irán aceptando los comentarios y registrando la participación de cada usuario, procediendo al sorteo de las cestas una vez cerrado el plazo del concurso. Mediante AlAzar, se seleccionará a los 3 posibles ganadores. Se comprobará que cumplen con los requisitos y se les nombrarán ganadores.

Si alguno no cumple los requisitos, se elegirá otro número aleatorio y se comprobará hasta conseguir los 3 afortunados ganadores.

El nombre de los ganadores saldrá publicado en el blog de doctortrade.com, en la página de Facebook de doctortrade.com y el perfil de Twitter de doctortrade y a los ganadores por una de estas redes sociales.

Así que ya sabéis, si queréis llevaros una cestita por la cara, no tenéis más que participar en este sencillo concurso y cruzar los dedos para ser uno de los tres ganadores.

Saludos y mucha suerte ;)

“Misión Imposible: Protocolo fantasma” (2011) – Brad Bird

2011-12-17T19:16:00.010Z

Crítica Misión Imposible: Protocolo fantasma 2011 Brad Bird

A mediados de los 90, y tras varios dimes y diretes con el guión, vio por fin la luz “Misión Imposible”, adaptación cinematográfica de la popular serie de televisión de los años 60. El proyecto fue impulsado por su estrella protagonista, Tom Cruise, a través de su recién estrenada productora, Cruise/Wagner Productions, y Paramount Pictures, poseedora de los derechos del serial.

La apuesta del actor, fan confeso de la serie, resultó ganadora, y pese a recibir un (absurdo) Razzie, la película fue un éxito rotundo, convirtiéndose en una de las más taquilleras en la carrera de Cruise y también en la de su director, el irregular Brian De Palma.

A todo éxito le llega su secuela, y con Misión Imposible tardó más de lo acostumbrado. Cuatro años después de la primera entrega llegaría una continuación de la mano de John Woo, todo un especialista en el cine de acción. Woo hizo suya la película a base de espectaculares secuencias de acción, piruetas imposibles, mucha cámara lenta y palomas blancas al vuelo marca de la casa. Un cóctel explosivo tan macarra y delirante que a la mayoría se le indigestó, y aunque para un servidor supusiera un placer culpable (nadie es perfecto), no cabe duda que desentonaba demasiado con lo visto en su predecesora.

Seis años más tarde el agente Ethan Hunt se cortaría el pelo de nuevo para dejarse ver en una tercera entrega que serviría de debut para el escritor y productor J.J. Abrams (creador de series como Alias y Perdidos), quién además de sentarse en la silla de director también co-escribiría el guión junto a sus habituales colabores (el tándem Alex Kurtzman y Roberto Orci). El resultado fue una satisfactoria entrega con mucha acción y una escueta trama sustentada en base a un simple macguffin y a un romance muy ñoño (con boda in extremis incluida).

Y ésta hubiese sido la última aventura de Hunt en pantalla si no fuese porque Paramount y Abrams decidieron darle continuidad al FMI con esta “Misión Imposible: Protocolo fantasma”, uno de los últimos grandes estrenos de 2011.

Acusado de atentado terrorista con bombas contra el Kremlin, el agente del FMI Ethan Hunt se ve desautorizado junto con el resto de la organización al iniciarse el “Protocolo Fantasma” dictado por el Presidente. Sin poder contar con recursos ni apoyo, Ethan se verá obligado a formar equipo con otros compañeros del FMI fugitivos con tal de restaurar el honor de su organización e impedir un nuevo ataque.

Lo que nació como un reinicio de la franquicia en busca de caras nuevas ha pasado a ser otra entrega más para lucimiento casi exclusivo de Tom Cruise. Y es que al fin y al cabo, Misión Imposible es Ethan Hunt, y guste más o guste menos, Ethan Hunt es Tom Cruise. No hay más vuelta de hoja.

Por tanto, Hunt/Cruise es quién vuelve a llevar la voz cantante en esta nueva misión en la que los agentes del FMI deben llevar a cabo su empresa a espaldas del gobierno y sin ayuda de la agencia. El objetivo: detener a Kurt Hendricks, un sociópata obsesionado con destruir el mundo con misiles nucleares.

Aunque Ethan Hunt siga siendo el líder del equipo, hay que indicar que en esta ocasión la implicación y actuación del resto de miembros que lo componen es mucho más activa y significativa que en anteriores entregas. Hunt es quién manda, pero la ayuda de sus nuevos compañeros resulta indispensable para el éxito de la misión. Digamos que el protagonismo está más repartido y los personajes secundarios mejor definidos.

Ahí está por ejemplo Jane Carter (Paula Patton), una agente con mucha experiencia y una mujer de armas tomar en busca de venganza, o Benji Dunn (Simon Pegg), el experto informático que ya hizo su breve aparición en MI3 y que aquí se encuentra ascendido a agente de campo. Su intervención resulta de vital importancia para llevar a cabo los planes trazados, y siendo Pegg el actor que encarna al mago técnico del equipo, no es de extrañar que el peso del humor recaiga sobre él.

Y es que esta entrega es, sin lugar a dudas, la más desenfadada y divertida de todas, pues acumula, a lo largo del metraje, frecuentes golpes cómicos que por momentos bordean lo autoparódico (esos gadgets que se estropean en el momento más inoportuno, ese mensaje que no se autodestruye correctamente…).

De las cuatro, ésta sería también la más “bondniana”, con un generoso aumento de gadgets a cuál más impensable y con un villano megalómano con delirios de grandeza cuyo pérfido plan de reiniciar el mundo a base de destruirlo con bombas nucleares le haría merecedor de enfrentarse al mismísimo agente 007 (aunque como malo maloso que es, carezca de base secreta y ejército de mercenarios).

Probablemente su tono más ligero y jocoso (diría que en línea de “Noche y día”, también de Cruise) sea el que nos permita ser más permisivos de la cuenta, pues si alguien creía que la entrega dirigida por Woo era fantasiosa, debo advertirle que ésta tampoco se queda corta.

Muchas de las escenas de acción rayan o sobrepasan lo imposible, haciendo así honor al título de la franquicia. Secuencias de escasa credibilidad que damos por válidas porque ya conocemos a Hunt y sabemos de sobra que no hay dificultad que se le resista ni accidente que acabe con él. Hunt tiene siete vidas como un gato, si no más; se puede lanzar de una cornisa o tirar de un coche en marcha sin apenas sufrir más que unos “indoloros” rasguños. Esto ha sido así desde la primera entrega y no vamos a cambiarlo ahora. Se puede hacer más o menos creíble dentro de la ficción de la propia saga, pero “lo imposible” debe estar siempre presente, sino no sería “Misión Imposible” (valga la redundancia).

Y ahí es donde Cruise demuestra que a sus casi cincuenta tacos aún es capaz de correr y saltar como uno de treinta (recordemos que empezó la franquicia hace quince años). Quizás no luzca las abdominales de antaño, pero su buena condición física aún le permite rodar las escenas de acción con soltura y asumir algunas de ellas sin necesidad de recurrir a un especialista. Y ya sabemos que ese tipo de escenas suelen ser las que tienen a Hunt colgando de un cable; una especie de hazaña recurrente en cada capítulo de la saga y que obviamente aquí no podía faltar.

Así pues, vemos al actor escalando el Burj Khalifa, el rascacielos más alto del mundo que se encuentra en Dubai, ciudad en la que transcurre parte de la trama. Precisamente este tramo es uno de los más potentes de la película, si bien se alarga en exceso y eso perjudica un poco el ritmo de la película. Y no es que uno se aburra, cosa que no ocurre en ningún momento, pero sí se tiene la sensación de que se hace un tanto larga (y de hecho, lo es).

De todos modos, su arranque es de nivel (con unos créditos iniciales cuidados) y ofrece el espectáculo palomitero que se le pide sin que uno se pare a pensar mucho en sí la historia que nos está contando es buena o no (es más, si lo piensas, puede que no disfrutes tanto). El guión es bastante básico, y viene a ejercer de soporte para las distintas secuencias “imposibles” que nos irán llevando de un escenario a otro y que nos irán embaucando para que disfrutemos de un par de horas sentaditos en la butaca de una sala de cine.

A fin de cuentas, esto es lo que ha venido siendo la saga a partir de su segunda entrega, desde que la intriga y el suspense que imprimió De Palma quedaran relegados a un segundo plano en beneficio de la acción. Y esto se puede hacer mejor o peor, y no hay duda que Brad Bird (El gigante de hierro, Los increíbles, Ratatouille) lo ha hecho bien. El director se ha estrenado en la acción real ofreciendo un entretenimiento ligero pero atractivo, y que desde el guión mantiene la continuidad con su predecesora, pues por algo Abrams es quién produce. Eso sí, Bird sabe rodar sin marear la cámara, algo que la vista del espectador agradecerá (basta ya de tener que llevarse la cajita de Biodramina para ir a ver cine de acción)

En mi opinión, no es la mejor entrega de todas, pues ese puesto lo sigue ocupando la primera “Misión Imposible”, un thriller de espías ejemplar (dentro de su vertiente más comercial), pero puede que sí sea la mejor secuela hasta el momento.

La película también deja la puerta abierta a más entregas con Cruise a la cabeza. Pero en caso de que el actor no se preste a ello (cosa que dudo), siempre puede sustituirle Jeremy Renner, quién inicialmente se consideró como su relevo y que ha terminado ejerciendo un rol secundario. ¿Podría ser ésta su carta de presentación? Quizás. Lo cierto es que, con tal de no eclipsar a la estrella protagonista, aquí es uno más del equipo. Un buen equipo, todo sea dicho, y que puede funcionar muy bien de cara a más continuaciones. Además, Renner ya sustituye a Matt Damon en Bourne, por lo que ya cuenta con otro espía con el que agenciarse una franquicia taquillera para él solito.

Valoración personal:

4º Aniversario de Amazing Movies!

2011-12-09T18:31:00.010Z

Cuarto Aniversario Amazing Movies

Hoy 9 de Diciembre hace cuatro años que inauguré “Amazing Movies”. Y como cada aniversario, me encuentro en la compleja tesitura de no saber muy bien qué decir. Si hacer recopilación numérica de las críticas publicadas, si hablar de las visitas recibidas...

Pero la verdad es que como nunca he sido de cifras, sino más bien de letras, prefiero dedicar este post a lo más obvio y necesario para mí: a daros las gracias a todos aquellos que seguís este humilde rinconcito cinéfilo. Gracias a los que estáis ahí desde los primeros días; gracias a los que habéis ido llegando y os habéis quedado; y sobre todo gracias a aquellos que, con frecuencia, compartís vuestras opiniones conmigo.

Podría hablar también de lo más interesante que se ha publicado en el blog durante este último año, pero la verdad es que yo no soy quién para decidir eso. Simplemente espero que os haya gustado, en mayor o menor medida, todo lo que ha ido teniendo cabida en estas páginas durante todos estos años. Espero poder seguir muchos más escribiendo en este rincón de la blogosfera que desde hace tiempo se ha convertido una parte muy importante de mi vida.

Saludos y gracias ;)

P.D.: Sin duda, lo mejor de este último año ha sido crearme una cuenta en Twitter y poder así tener un contacto más directo con los lectores y con otros muchos cinéfilos más.

“Arthur Christmas: Operación regalo” (2011) - Sarah Smith

2011-12-06T10:27:00.007Z

Crítica Arthur Christmas: Operación regalo 2011 Sarah Smith

Los estudios Aardman son bien conocidos por sus trabajos en claymotion (stop-motion con plastilina y/o arcilla), y muy especialmente por sus cortometrajes de la pareja formada por Wallace y Gromit, los personajes de plastilina más emblemáticos que ha creado la compañía inglesa.

Además de estos cortos y diversas series infantiles para televisión, en el año 2000 debutaron con su primer largometraje, la estupenda “Chicken Run: Evasión en la granja”, cuyo éxito y calidad demostraron que su genialidad podía extenderse a más de treinta minutos de metraje. Unos años más tarde repitieron la jugada dándole a Wallace y Gromit su propia película, “Wallace y Gromit: La maldición de las verduras”.

Si bien en el campo del stop-motion no tenían rival (al menos como estudio), Aardman decidió arriesgar y meterse de lleno en el competitivo terreno de la animación por ordenador. La película resultante, “Ratónpolis”, quizás no estuvo a la altura de sus obras anteriores, pero al menos resultaba una propuesta simpática.

Para el próximo año está previsto el estreno de su último filme en plastilina y arcilla, “¡Piratas!”, pero antes tenemos la oportunidad de disfrutar de su segunda intentona en animación CGI, “Arthur Christmas: Operación regalo”.

Como cada Navidad, a Santa Claus le toca hacer su reparto de regalos a todos los niños del mundo… ¡y en una sola noche! Para llevar a cabo semejante hazaña, cuenta con la más moderna tecnología a su alcance y miles de eficientes elfos que hacen prácticamente todo el trabajo por él.

Y una vez más, todo parece haber salido a pedir de boca… hasta que se dan de bruces con un problema: se han dejado de entregar un paquete, y uno de los 600 millones de niños a los que había que visitar se va a quedar sin su regalo de Navidad…

Todos, cuando éramos pequeños (y los que ahora mismo lo son), nos hemos preguntado alguna vez cómo es posible que Santa Claus reparta en una sola noche los regalos de Navidad a todos los niños del mundo. Pues aquí está la respuesta de Aardman.

Lo del trineo mágico tirado por sus ocho renos voladores ya es cosa del pasado. El mundo ha ido cambiando y modernizándose, y los instrumentos de antaño ya no sirven para cumplir con tan titánica misión. El actual Santa Claus (heredero que ya lleva 70 años en el cargo) cuenta con un gran trineo (una nave en forma de trineo, más bien) de casi dos kilómetros y medio de ancho y que incorpora la más moderna tecnología para no hacer ruido y pasar desapercibido en el transcurso de la entrega de regalos. Además, en su interior no sólo viaja Santa Claus sino también un millón de elfos comandados a distancia por Steve, el hijo mayor de Santa, y que trabajan en grupos de tres con un tiempo estimado de 18,14 segundos para entrar en cada casa, dejar los regalos y pasar a la siguiente. Un trabajo planificado al milímetro y 100% eficiente… hasta ahora.

Un regalo se ha quedado sin entregar, y parece que al único que le preocupa de verdad el asunto es a Arthur, el más joven de los Claus y el encargado de la correspondencia de su padre.

Arthur es un apasionado del espíritu navideño, pero lo suyo es el “trabajo de oficina”, y cualquier irrupción suya en la sala de control suele ser catastrófica. Y sin embargo, él parece ser la última esperanza de Gwen, la niña que, si alguien no le pone remedio, se levantará a la salida del sol para encontrarse con un árbol de Navidad sin su regalo de Santa Claus.

Y de eso es de lo que trata la película. De mostrarnos la frenética escapada nocturna que Arthur realizará para llevar el paquete pendiente a su destinario. Por suerte, no estará sólo, y en su pequeña aventura a contrarreloj le acompañarán su abuelo, antiguo Santa Claus con ansias de demostrar que aún puede lucir con dignidad el uniforme rojo; y Bryony, una entusiasta elfa envuelve-regalos dispuesta a todo con tal de ser útil.

En el fondo, la historia de un personaje protagonista menospreciado que se sobrepone a la adversidad y afronta sus miedos convirtiéndose en el héroe de la función (ganándose así el estima de aquéllos que antes lo ignoraban o rechazaban), no es algo que resulte demasiado novedoso. Incluso hemos visto ya otras películas que han tratado de explicarnos cómo funciona la “cadena de montaje” de Santa Claus en el Polo Norte y cómo éste reparte los regalos a los niños en una sola noche. Sin embargo, y aún reincidiendo en estos temas, la película de Aardman se muestra fresca, ingeniosa (todo el proceso de la entrega de regalos está muy cuidado) y conservadora del humor marca de la casa. Además, resulta especialmente emotiva en su tramo final como hacía tiempo no se veía en una película navideña. De hecho, se podría decir que llevamos demasiado tiempo huérfanos de un producto con un espíritu navideño de este calibre, lo que convertiría a “Arthur Christmas” en un nuevo clásico instantáneo para revisitar año tras año por estas mismas fechas (precisamente lo que no lograron “Polar Express” ni la enésima revisitación de “Cuento de Navidad”, ambas a cargo de Robert Zemeckis).

Y es que resulta imposible no disfrutar de las peripecias de tan entrañable trío protagonista. Tres personajes (el buenazo de Arthur, el cascarrabias de su abuelo y la divertidamente eficiente Bryony) que enseguida se ganan nuestra simpatía y con los que hacemos un pequeño viaje repleto de emociones, buenas (y también egoístas) intenciones y mucha diversión en forma de gags para todas las edades (y es que hay referencias –como la de los misiles de Cuba- con las que sólo sonreiremos los mayores)

Toda la vertiente tecnológica mostrada en respuesta a la eterna pregunta planteada anteriormente goza de gran inventiva, y el perfil de cada uno de los personajes permite dar mucho juego para que cada uno contribuya, a su manera, con su parte de la trama.

Entre tanto, nos deja también mensajes sobre la importancia de la familia, de la superación personal, de lo viejo frente lo nuevo (el tan temido, para algunos, progreso tecnológico), etc. Y es que una película navideña sin moraleja/s, no sería una película navideña. Y aquí hay tres generaciones de Santa Claus que rivalizan para ser el mejor y olvidan lo que es más importante: el verdadero sentido de la Navidad.

“Arthur Christmas: operación regalo” es, sin ningún género de dudas, la película (de animación) de estas Navidades. Divertida, tierna, mágica y rebosante de espíritu navideño. El regalo perfecto para toda la familia.

P.D.: Lo peor de la película es el videoclip de Justin Bieber que la precede. Avisados estáis.

Valoración personal:

“In Time” (2011) – Andrew Niccol

2011-12-01T22:27:00.007Z

Crítica In Time 2011 Andrew Niccol

Casi una década ha tardado Andrew Niccol en regresar a la ciencia-ficción, género con el que, allá por finales de los noventa, se dio a conocer como director y guionista con la sobresaliente “Gattaca”. Tan sólo un año después, en forma de guión, nos obsequió con otra joyita, “El show de Truman”, dirigida en 1998 por Peter Weir.

Su siguiente acercamiento como cineasta a la ci-fi fue la fallida “Simone”, película que sirvió a los críticos para bajarle del pedestal al que ellos mismos le habían subido unos años antes. Luego recuperó algo del crédito perdido con “El señor de la guerra”, una notable sátira sobre la guerra que será recordada, entre otras cosas, por ser uno de los trabajos más dignos que hizo Nicolas Cage durante la pasada década.

Ahora, antes de meterse en el berenjenal de adaptar “The Host”, otra novela fantástico-romántica de la escritora Stephanie Meyer (autora de la saga Crepúsculo…), Niccol nos trae una propuesta que sale de su propia pluma y cuyo punto de partida no podría ser más sugerente.

En el futuro en el que el tiempo es considerado, literalmente, dinero y es posible detener el proceso de envejecimiento a los 25 años, la única manera de seguir vivo es ganar, robar o heredar más tiempo. Will Salas (Justin Timberlake), un humilde trabajador, vive su vida minuto a minuto, hasta que una inesperada ganancia de tiempo le permite acceder al mundo de los ricos. Allí conoce a una hermosa joven heredera (Amanda Seyfried) junto a la que tratará de destruir el corrupto sistema en el que unos pocos viven a cuerpo de rey mientras el resto malvive con el temor de quedarse sin tiempo…

La inmortalidad y la juventud eterna, vivir para siempre y no envejecer ante al paso de los años… Dos de los caprichos más ansiados de la humanidad y que han dado origen a múltiples mitos y leyendas acerca de pócimas, ríos o frutas que podrían conferir tales poderes.

Si bien luchar contra la muerte es una batalla que damos por perdida, retrasar el envejecimiento es algo que, de algún modo, sí hemos conseguido alcanzar, aunque sea a base de ungüentos dignos de un curandero del todo a cien (todas esas cremas y lociones de conocidas marcas que usan muchas mujeres y cada vez más hombres) o sometiéndose a las “mágicas” operaciones de un cirujano plástico (aunque a veces sea para salir hecho/a un adefesio)

¿Pero qué ocurriría si, en un futuro, la ciencia hubiera avanzado hasta el punto de poder quedarnos con 25 años para toda la vida? Pues no hace falta imaginárselo, ya que esto es lo que nos plantea “In Time”.

En un mundo en el que la juventud eterna está garantizada al cumplir los 25 años, el tiempo ha pasado a ser el valor más preciado para asegurarse también una vida eterna. Ya lo decía Benjamin Franklin, “El tiempo es dinero”, y en “In Time”, los segundos, los minutos, las horas, los días... incluso los años, se han convertido en la moneda de cambio. Ya nadie paga con dinero sino con tiempo. Todo tiene un “precio”, y el coste para una vida sin preocupaciones es muy alto.

Muchos, como Will Salas, viven al día, trabajando para ganar el tiempo posible que les permita seguir en pie a la mañana siguiente. Al otro lado de la frontera, otros viven con la tranquilidad de saber que disponen de cientos e incluso miles de años para su disfrute. En el mundo de Will, la gente vive frenéticamente, mientras que en el de los ricos no existe mayor preocupación que la de decidir en qué gastarse todos esos años que tienen acumulados.

Pero un buen día, a Will se le presenta la oportunidad de acceder a esa vida de lujos cuando un extraño al que ayuda le regala todo un siglo. Con tanto tiempo por delante, Will trata de disfrutar de los placeres que se encuentran al otro lado de su ciudad. Sin embargo, este sistema de vida tiene un control muy riguroso en el que nadie puede pasar de la miseria a la riqueza de la noche a la mañana. Aquellos que controlan que todo siga su curso, los llamados Guardianes del Tiempo (capitaneados por un implacable Cillian Murphy), andan tras la pista de Will, el “nuevo rico” venido de la región, o zona horaria, más pobre. Acorralado entre la espada y la pared, el joven trata de evadir a sus perseguidores al mismo tiempo que lucha por desmoronar todo el sistema. Por el camino, Will arrastra a Sylvia Weis, la hija de un multimillonario a la que secuestra con tal de dar esquinazo a los Guardianes.

A medida que Will (niño pobre) y Sylvia (niña rica) pasan más tiempo juntos, la relación secuestrador-rehén desaparece, y unen sus fuerzas (y sus cuerpos, ejem) para luchar contra el sistema. Un sistema en el que unos cuantos millonarios dictan a su antojo quién vive y quién muere.

Y partir de ahí es cuando la estupenda y prometedora premisa de Niccol comienza a perder fuelle. Lo que empieza como una especie de “La fuga de Logan” acaba convirtiéndose en una mezcla entre “Bonnie & Clyde” y “Robin Hood” con mucha persecución y mucho (demasiado) intercambio/robo/regalo de minutos por medio, perdiendo un poco el rumbo y sin terminar de pulir muchas de las buenas ideas que plantea ni profundizar en el pilar de la trama. En su defecto, nos termina endosando la enésima historia de niño pobre y niña rica (cuando no es al revés) que se enamoran cuando el destino les junta y les hace darse cuenta que ninguno era feliz con la vida que llevaba (porque si bien los pobres mueren, parece que los ricos realmente tampoco viven). Para hacerlo todo más bonito y llevadero (no hay que olvidar que el público al que se dirige esta película no es el mismo que el de Gattaca) nos mete algo de acción, la cual no resulta tampoco demasiado llamativa (incluso puede resultar chapucera, como la escenita del accidente), alguna vacilada por parte del héroe (Will vs los ladrones en su último enfrentamiento) y una sucesión de acontecimientos que cada vez nos despiertan menos interés.

Los buenos detalles iniciales (la forma de pago, el hecho de que todos tengan la misma joven apariencia sin importar la edad que realmente tengan…) se debilitan cuando empieza a notarse cierta falta de consistencia o coherencia. Y es que si el tiempo en el futuro equivale al dinero en nuestro presente, resulta chocante que éste sea tan fácil de robar. Si actualmente, a nivel tecnológico, estamos capacitados para tener a buen recaudo nuestro dinero, resulta curioso que aquí aquello que más valor tiene sea tan fácil de arrebatar (esto queda ejemplificado con el grupito de gangsters que roban a quién se le ponga por delante con sólo un movimiento de brazo o la facilidad con la que transferirse minutos desde un coche policial sin ningún tipo de sistema de verificación de identidad o algo por el estilo). Que de un sistema de vida tan avanzado depende algo tan rudimentario como la fuerza o la voluntad de cada uno (de ahí lo de los pulsos), es algo que chirría bastante.

De todos modos, eso es lo de menos, pues como ya digo, el rumbo que toma la cinta a partir del secuestro de Sylvia (encarnada por una morbosa Amanda Seyfried) va menguando minuto a minuto (y nunca mejor dicho) las posibilidades que tenía la película de convertirse en algo grande o, simplemente, en algo mejor de lo que es, un pasatiempo para ver y olvidar.

Niccol no termina de decantarse por una vertiente (el thriller futurista) u otra (el drama romántico y de acción), y pierde credibilidad conforme avanza el metraje.

Si bien la idea no se echa del todo por tierra, sí se siente que ha quedado desaprovechada y que no se ha sabido llevar por el buen camino. “In Time” es de esas películas que parecen inteligentes, pero que en el fondo -detrás de toda esa parafernalia medio futurista medio retro tan molona- no lo son. Tiene un buen planteamiento pero no una buena historia que contarnos; hay unos conceptos (crítica al culto a la belleza/juventud, al sistema capitalista, a la división de clases sociales, etc.) realmente interesantes con los que poder jugar sabiamente, pero no hay unos personajes que sirvan para ello.

Nacer con un reloj en la muñeca daba para mucho más que para una película con guapa pareja de fugitivos roba-bancos.

Valoración personal:

Las ofertas de Doctortrade para este puente

2011-11-29T19:28:00.002Z

Las ofertas de Doctortrade para este puente

Se va acercando el puente de la Constituación, y en Doctortrade quieren celebrarlo proponiéndoos jugosas ofertas, como ya es costumbre.

Si eres de los que aprovecha esos días festivos para hacer una escapada, llévate contigo una PSP o un Dvd portátil para ver tus películas favoritas mientras esperas el tren o el avión (o si vas en coche, para tener entretenidos y calladitos a los peques de la casa). Dos de los mejores accesorios para tus viajes (son cómodos, ligeros y ocupan poco espacio) a buen precio.

Si por el contrario, eres de lo que optan por quedarse en casa, como buen cinéfilo puedes pasar estos días descansando en el sofá con tu mantita para resguardarte del frío y viendo películas con un buen bol de palomitas.

Si vas a pasar estos días en familia, ahora que se acerca el estreno de “Happy Feet 2”, es un buen momento para revisar o descubrir su primera entrega.

Si lo que te van son los clásicos, y sobre todo el cine de aventuras, lo tuyo es Indiana Jones, no hay duda.

Y si buscas otras películas, no tienes más que bucear por la web para encontrar la/s que te guste/n.

Saludos ;)

Groupon, las mejores ofertas del día

2011-11-28T11:35:00.005Z

Groupon, las mejores ofertas del día

Dado que somos muchos los que estamos atravesando una mala época económica, el ahorrar se ha convertido en una obligación de primer orden. Es por ello que se agradece, y mucho, la aparición de webs como la que hoy os vengo a dar a conocer.

Groupon es un espacio web de ofertas del día que ofrece cupones de descuento que se pueden emplear en todo tipo de productos y servicios que están destinados a todo tipo de públicos. Entre esas ofertas, están las promociones de cine, que pueden hacer que uno disfrute de una película en una sala de cine por un precio módico o incluso casi por la cara, como la promoción de entradas de cine a 1,00€ que hizo la compañía nada más irrumpir en el mercado español.

Diariamente se van publicando las ofertas en su portal, así que es cuestión de ir consultándola con frecuencia para estar al tanto de las gangas que nos ofrecen. Por la temática del blog, servidor ha preferido centrarse en lo referente al séptimo arte, pero que sepáis que podéis encontrar de todo y para todos los gustos. Y ahora que se acercan las fechas navideñas, viene de perlas ahorrarse un dinerillo en regalos. De hecho, Groupon ha creado una sección especial para regalos de navidad en el que seguro que podéis encontrar más de un regalo ideal para vuestros seres queridos. Además, y siendo sinceros, ¿para qué hacer las interminables colas del Corte Inglés si podemos hacer las compras desde casa y por incluso menos dinero?

Saludos ;)

“El gato con botas” (2011) - Chris Miller

2011-11-25T10:28:00.006Z

Crítica El gato con botas 2011 Chris Miller

Casi 3000 millones de dólares recaudados con cuatro películas hacen de Shrek una de las sagas de animación más taquilleras de la historia. Las aventuras del ogro verde han llenado las arcas de Dreamworks durante varios años, y sería de locos no seguir exprimiendo –aún más- la gallina de los huevos de oro (y precisamente de huevos de oro trata el asunto).

Habida cuenta del desgaste de la franquicia, la opción de seguir estirándola con más continuaciones resultaba inviable, por lo que sólo quedaban dos opciones: hacer una precuela (solución “mágica” para sacar del atolladero a una saga que está más que agotada) o sacarse de la chistera un spin-off de alguno de sus personajes. Y finalmente la decisión que tomaron fue la de combinar ambas opciones.

Así es como nace “El gato con botas”, película en cartelera para lucimiento exclusivo del personaje que da título a la misma y que formó parte de la pandilla de “Shrek” a partir de su segunda entrega.

Mucho antes de conocer a Shrek, el notorio espadachín, amante y forajido Gato con Botas está decidido a recuperar el honor mancillado emprendiendo una aventura junto a la dura y curtida Kitty Zarpas Suaves y el astuto Humpty Dumpty. Su objetivo: unas judías mágicas: Su principal obstáculo: los infames forajidos Jack y Jill.
Esta es la verdadera historia de una leyenda, de un mito, de… ¡el Gato con Botas!

Dado que la acción de este spin-off transcurre en una época en la que el Gato con Botas aún no conocía a Shrek, Fiona, Asno y cía, no hay cameo alguno de éstos personajes (ni ningún otro) de la “saga madre”. Por tanto, la cinta se centra exclusivamente en Gato, y podría decirse que esto es un “orígenes” en toda regla, pues entre otras cosas, se nos cuenta (en boca del propio protagonista) la infancia del felino antes de calzarse las famosas botas y empuñar la espada cuál Zorro.

Tiempo atrás, un acto de valentía hizo que Gato se ganara la admiración de su pueblo. Sin embargo, de la noche a la mañana, una inesperada y vil traición convirtió al héroe local en un vulgar ladrón, perdiendo así el cariño y respeto de sus habitantes, y ganándose su (inmerecido) desprecio. A Gato no le quedó otra que huir del único lugar al que podía llamar hogar y empezar a vivir una nueva vida como forajido.

Tras años siendo buscando por la ley, llega un buen día en que se le presenta la oportunidad de enmendar los errores del pasado y recuperar su honor. Para ello debe hacerse con las famosas judías mágicas que están en posesión de la infame pareja formada por Jack y Jill. Pero alguien más está interesado en esas judías y se interpondrá en su camino con la intención de formar una alianza. A regañadientes, Gato unirá fuerzas con la silenciosa y atractiva Kitty Zarpas Suaves y un viejo conocido de poco fiar, Humpty Dumpty, con quién tiene viejas rencillas que solucionar. Tan pronto inicien el viaje en busca de las mágicas habichuelas, empezarán las aventuras para el trío protagonista…

Del mismo modo en que Shrek tomaba como punto de partida los cuentos populares para darles una vuelta de tuerca, en “El gato con botas” se utiliza el relato de “Jack y las habichuelas mágicas” del escritor Hans Christian Andersen (autor también de “La princesa y el guisante” o “El patito feo”) para convertirlo en una aventura a medida del pícaro protagonista, quién ya de por sí es otro personaje de cuento.
Los guionistas añaden de su propia cosecha para que el hilo conductor de la trama sea la relación de amistad/enemistad entre Gato y Humpty Dumpty, siendo las habichuelas el macguffin que les lleva a realizar tan peligroso viaje y añadiendo además una pizca de romanticismo con un tenso affaire entre la pareja gatuna, es decir, entre Gato y Kitty.

No por introducir estos cambios y guardarse algún que otro as en la manga la historia resulta menos previsible, pero aún así la película sortea con habilidad el tan temido aburrimiento a base de acción trepidante (la persecución por los tejados, el “duelo” de carretas…), humor (mucho humor), un personaje carismático y un metraje adecuadamente ajustado (hora y media, no más).

La película contiene gags simpáticos y sin caer en la vulgaridad, aunque es de lamentar que muchos de ellos (algunos de los mejores) ya fueran desvelados en el tráiler. No obstante, hay momentos impagables (el duelo de baile) que aportan frescura a la propuesta y afianzan la dicharachera y a ratos ingenua personalidad del minino, aún tratándose de un furtivo que presume de sagacidad. No vamos a negar, eso sí, que resulta imposible resistirse cuando pone esa miradita de ojitos tristones.

Chris Miller, co-director de “Shrek 3” y “Lluvia de albóndigas”, afronta la dirección en solitario de “El gato con botas” con bastante oficio tanto a nivel visual como narrativo, y su trabajo, así como el guión, desprende mucha influencia del western y del cine de capa y espada (siendo El Zorro el referente más evidente). Y todo amenizado con un aroma muy latino (más mexicano que español, diría yo) acentuado especialmente en la guitarrera banda sonora a cargo de otro de los discípulos de Zimmer, Henry Jackman (quién ya puso música a la regulera “Monstruos contra alienígenas”)

Quizás sea difícil para Dreamworks repetir con asiduidad la excelencia que una vez alcanzó con “Cómo entrenar a tu dragón”, pero al menos consigue ofrecer un producto de animación digno para pasar un buen rato. Y es que a veces no hace falta pedirle mucho más. Y para tratarse de un spin-off que olía a mero “sacacuartos”, hay que reconocer que se han esmerado más de lo que uno pudiera llegar a pensar (pensando, quién sabe, en otra potencial saga con el felino a la cabeza).

Valoración personal:

BLUE LIPS busca a su sexto director, faltan 8 días

2011-11-22T17:21:00.004Z

BLUE LIPS busca a su sexto director, faltan 8 días

Quizás recordéis que en el mes de septiembre me hice eco en el blog de una iniciativa cinematográfica muy interesante para aquellos llevan el tema de la dirección en la sangre. Se trataba del rodaje de una película (Blue Lips) con 6 jóvenes cineastas de distintas partes del mundo; y la productora del proyecto, Cronopia Films, andaba buscando el sexto director en España.

Pues bien, la convocatoria sigue activa desde su página web www.bluelipsthemovie.com (ahí encontraréis las bases para participar), y los que estéis interesados aún tenéis tiempo de presentar vuestros trabajos hasta el 30 de noviembre. Finalizado el plazo, el 15 de diciembre se hará público el nombre del director seleccionado.

La película, que se rodará el próximo año, cuenta la historia de seis personajes situados en diferentes partes del mundo: Buenos Aires, Honolulu, Roma, Río de Janeiro, Los Ángeles y Pamplona. Cada historia será dirigida por un director que se encuentra residiendo en cada ciudad. Será la historia que tiene lugar en Pamplona la que busca a un director. Los personajes, por diversos motivos, viajarán a Pamplona, a San Fermín 2012, lugar donde convergen las historias. Es allí donde todos los directores tendrán que codirigir las escenas en las que los personajes interactúen.

Así que ya sabéis, si queréis formar parte de este proyecto y demostrar vuestras dotes como cineasta, no tenéis más que uniros a la convocatoria.

Desde aquí les deseo mucha suerte a todos los participantes.

Saludos ;)

“Asesinos de élite” (2011) - Gary McKendry

2011-11-18T19:15:00.007Z

Crítica Asesinos de élite 2011 Gary McKendry

Mafioso, chófer de riesgo, agente de la ley, ladrón de bancos, secuestrador, mercenario y, sobre todo, asesino. Estos son algunos de los papeles - y prácticamente siempre con el mismo look- que ha interpretado Jason Statham desde que dejara su carrera de modelo para convertirse en actor de cine. Su físico de tipo duro y su habilidad para las artes marciales le han hecho llevar una carrera centrada en el cine de acción o de entretenimiento, género en el que el británico parece moverse como pez en el agua.

Por ello, Statham se ha convertido en uno de los héroes de acción del momento y también en el más incombustible. No hay más que ver su ficha para darse cuenta que estrena de dos a tres películas por año. Y está claro que este 2011 no iba a ser la excepción…

A principios de año le tuvimos interpretando a un asesino a sueldo en “The Mechanic”, luego a un duro policía de métodos expeditivos en “Blitz”, y ahora regresa para encarnar a un ex SEAL en “Asesinos de élite”.

Danny (Jason Statham), un antiguo miembro del SEAL, el grupo de operaciones especiales de la armada de los Estados Unidos, se ve obligado a abandonar su autoimpuesto exilio cuando Hunter (Robert De Niro), un ex compañero SEAL, es secuestrado por un jeque árabe. A cambio de su liberación, el jeque le exige que acabe con la vida de los tres miembros del SAS (Servicio Especial Aéreo británico) responsables de la muerte de tres de sus hijos durante unos disturbios en Omán diez años atrás. A Danny no le queda otra que aceptar el encargo, por lo que reunirá a su antiguo equipo de operaciones para encontrar y ejecutar a sus tres objetivos.

El bueno de Statham vuelve a nuestras pantallas para soltar unos cuantos mamporros, y esta vez lo hace bien acompañado del ilustre Robert De Niro (que lleva ya un tiempo bastante perdido) y de Clive Owen, al que recientemente pudimos ver en “Intruders”.

Poca duda cabe de que semejante reparto ya es un buen reclamo de por sí, pero si encima el tráiler viene cargadito de tiros y explosiones, está claro que la cosa promete; como poco, están aseguradas unas buenas dosis de adrenalina.

Danny y Hunter forman, junto a Davies (Dominic Purcell) y Meier (Aden Young), un buen equipo. Durante una misión en México, no obstante, las cosas se complican y Danny toma la firme decisión de abandonar los SEAL para vivir una vida tranquila. Y durante un tiempo lo consigue, e incluso conoce a una chica, Anne, con la que compartir ese apacible retiro.

Pero con Hunter en peligro, Danny decide arriesgar su propio pellejo para llevar a cabo una complicada misión: eliminar a tres miembros del SAS, una de las unidades más temidas que existen. Ésta, además, está protegida por una organización, The Feather Men, formada por algunos de sus antiguos miembros, con lo que la misión se complica. El mayor obstáculo con el que se topará el equipo de Danny es Spike (Clive Owen), un ex SAS que no está dispuesto a ver como ejecutan a sus antiguos compañeros.

La película se basa o inspira en la polémica novela de no-ficción “The Feather Men”, escrita por Sir Ranulph Fiennes, y en la que se deja constancia del asesinato de varios miembros del SAS a cargo de un escuadrón de la muerte. Ese escuadrón de ejecutores sería el que vemos en la película formado por Danny y dos ex SEAL más, quienes aceptan la misión no por la desinteresada libertad de su antiguo compañero sino por la recompensa de seis millones de dólares que ofrece el jeque árabe.

Iremos viendo, pues, como van a por cada uno de los SAS, recabando información de su paradero y planificando su asesinato con la intención de que éste parezca un accidente. Pero claro, la aparición de Spike y su organización complican aún más las cosas. Esto da lugar a enfrentamientos y persecuciones varias.

Danny y Spike, dos armas de matar con piernas, se enfrentan cara a cara en más de un ocasión, así que tenemos ración de hostias asegurada. Unas peleas muy del estilo Jason Bourne o el nuevo Bond a manos de Craig, en donde las hostias se sienten más reales que nunca.

Las escenas de acción, aunque disfrutables y frecuentes a lo largo del metraje, no son especialmente espectaculares, quizás porque se mueven en unos términos menos fantasiosos de lo habitual en el género. Eso no quita que incluya alguna que otra fantasmadilla más o menos admisible o perdonable (ya se sabe que hay una ley no escrita en el cine de acción que dice que si atraviesas una ventana siempre habrá algo debajo que amortigüe la caída; si eres de los buenos, claro está).

Gary McKendrye, el director debutante, demuestra bastante soltura rodando dichas secuencias, buscando siempre el juego de ángulos para ofrecer mayor dinamismo y una mayor cobertura del espacio en que se mueven los protagonistas. Quizás lo único que podamos achacarle es que mueva demasiado la cámara, pero eso es algo que ya parece ir ligado irremediablemente a toda película de acción actual que se precie. Se puede marear mejor o peor, pero el uso del trípode parece ser cosa del siglo pasado (por mucho que a algunos nos duela)

El reparto funciona sin problemas. Statham está en su salsa y se nota, y Clive Owen le da una buena replica aunque éste no sea el género en el que más se prodigue. Eso sí, por muy en los ochenta que transcurra la película, el bigotito le sobra.

De Niro, por su parte, sigue en esta etapa en la que ya no tiene que demostrar nada a nadie y en la que se divierte aceptando papeles con poca enjundia o meramente testimoniales. Aquí demuestra que sigue en forma y partiendo la pana a sus casi setenta tacos, aunque hay que advertir que su participación se concentra al inicio y al final de la película. En medio está bastante desaparecido dado que se encuentro captivo, de modo que el protagonismo recae principalmente en sus compañeros de reparto.

El que parece que ha perdido algo de forma es Dominic Purcell, que está menos cachas que de costumbre. Eso sí, las pintas de macarra que luce no tienen desperdicio, y su personaje nos saca alguna que otra sonrisa.
Luego tenemos a Yvonne Strahovski, conocida por la serie “Chuck”, y que tiene un papel bastante limitado. De hecho, la pequeña subtrama amorosa que atañe a Danny podría eliminarse perfectamente y eso no afectaría demasiado al devenir de la historia. Aún así, no molesta e incluso se agradece ver a una chica mona entre tanto hombretón.

En definitiva, “Asesinos de élite” es un efectivo thriller de acción perfecto para pasar el rato. Se le podría haber exigido que fuera un poco más allá del simple entretenimiento, habida cuenta de su reparto y de la más o menos trabajada trama, pero aún así el resultado es favorable.

Valoración personal:

“11-11-11” (2011) - Darren Lynn Bousman

2011-11-11T15:34:00.008Z

Crítica 11-11-11 2011 Darren Lynn Bousman

Quizás no hayáis oído hablar nunca de la tendencia o fenómeno del número 11:11, pero algunas personas creen verdaderamente en ello. Existen webs y artículos en Internet, e incluso libros, que hablan sobre este tema.

Según se cuenta, el citado número se le aparece a algunas personas (muchas; miles, millones, al parecer) con una frecuencia inusitada. Por la mañana al mirar el despertador, en la matrícula de un coche mientras van por calle… Este hecho insólito está relacionado, según quienes teorizan al respecto, con un grupo de 1.111 Espíritus Guardianes o Ángeles que utilizan este conjunto de cifras (entre otras como 12:12, 10:10, 12:34, 5:55… hay para todos los gustos) para, de algún modo, hacer notar su presencia. Estos Espíritus Guardianes, invisibles a nuestros ojos (faltaría más), utilizan estas señales o marcas para llamar nuestra atención y comunicarse con nosotros, dejándonos, en ocasiones, mensajes relacionados con una nueva era de “Elevación Espiritual” o, según los profetas más catastrofistas, la llegada del fin del mundo (otra vez).

¿Y cuando ocurriría tal desastre? Pues exactamente el 11 de Noviembre de 2011 (11-11-11, es decir, hoy, a fecha de publicación de esta crítica). Y bien podría ser el culpable de ello una “puerta” que permita que algo procedente de otro mundo entre en el nuestro, o bien un meteorito de esos que pululan por el espacio y que de vez en cuando pasan por nuestro lado. Pero tranquilos, que ya podemos descartar al cometa Elenin y al asteroide 2005 YU55, pues al parecer éstos no estaban destinados a mandar al garete nuestro querido planeta (por mucho que algunos insistiesen en ello).

En base a este revoltijo de numerología y creencias religiosas, Darren Lynn Bousman se ha montado su propia película –y nunca mejor dicho- y le ha calzado por título la tan temida fecha: 11-11-11.

Después de la trágica muerte de su esposa y su hijo, el famoso escritor estadounidense Joseph Crone (Timothy Gibbs) viaja desde los Estados Unidos a Barcelona, España, para reunirse con su hermano Samuel (Michael Landes) y su enfermo padre (ambos, hombres de fe), que se encuentra en estado crítico. Pero el destino tiene un plan muy concreto para Joseph, y el modo de advertirle es sucediéndose avistamientos constantes del número 11.

Pronto, la curiosidad se convierte en obsesión, y Joseph indagará hasta descubrir que este número podría tener un significado terrible…

Esta es la primera vez que Bousman lleva a cabo una película de terror de carácter sobrenatural tras ser responsable de los macabros y enfermizos juegos de Jigsaw en tres entregas de la longeva saga Saw, dirigir el curioso –aunque irregular- musical gótico “Repo! The Genetic Opera” (inédito aún en nuestro país) o la muy estimable –y también inédita- “Mother's Day” (remake de un filme de la infame factoría Troma).

Aquí nos presenta a un personaje, Joseph Crone, que tras la dolorosa pérdida de sus esposa e hijo pierde toda la fe en Dios. Este trágico suceso no sólo afecta a su vida personal sino también a la profesional, medio abandonando su carrera de afamado escritor para centrarse en escribir un diario personal en el que plasma pensamientos y sentimientos.

Su afligida existencia y su tediosa rutina se ven interrumpidas por la llamada de su hermano, quién le comunica el estado grave de su padre. Joseph lleva años alejado y desconectado de su familia, y viejos rencores se siguen palpando en el ambiente a su regreso a Barcelona (ciudad a la que se mudaron sus padres cuando él era pequeño)

Sin embargo, eso no es lo que hará incómoda la estancia de Joseph sino una serie de extraños fenómenos que tienen lugar en la casa y que están misteriosamente relacionados con el número 11/11. Es cuestión de días que Joseph averigüe lo que está ocurriendo y se dé cuenta de que 11/11/11 es algo más que una fecha, es una advertencia.

El director -y además guionista- apuesta por el socorrido enfrentamiento entre el Bien y el Mal en su forma más pura y personificada (Dios y Satán) y el habitual debate entre ateos versus creyentes. Todo esto, por supuesto, adornado con apariciones de aterradores espectros que están al acecho de los protagonistas y con individuos que se comportan de forma misteriosa y que parecen saber más de lo que cuentan.

No se puede negar que Bousman consigue crear una atmósfera ciertamente inquietante alrededor de sus personajes. En parte gracias a la presencia constante de la dichosa cifra, que nos mantiene intrigados durante buena parte del metraje (aunque las dudas sean mucho sugerentes que la propia respuesta al enigma), y en parte a los típicos clichés de siempre.
Las citadas apariciones espectrales resultan efectivas (al estilo “Insidious”) y pueden causar algún que otro buen susto en el espectador, si bien Bousman termina pecando de reiterativo, abusando del recurso en repetidas ocasiones y consiguiendo que al final nos deje un poco indiferentes tanto efectismo barato (¿los espíritus vienen acompañados siempre de tanta niebla?). Y es que un sustito a golpe de Dolby Surround puede colar una vez e incluso dos, pero más no, y es entonces cuando se corre el riesgo de agotar la paciencia del espectador mucho antes de que lleguen los créditos finales. Por no hablar de las súbitas apariciones del –supuestamente convaleciente- padre de Joseph, que uno no sabe si tomárselas en serio o en broma (se ve que al señor le gusta deambular por la casa y pegarle unos buenos sustos a su hijo mientras le suelta alguna “revelación encriptada”)

De todos modos, la mayor parte del tiempo la cinta se aguanta bastante bien, o al menos no aburre en demasía pese a que tampoco tenga mucho que contar y le sobren personajes que poco o nada tienen que aportar a la trama. Desgraciadamente, todo el interés que uno pueda ir acumulando con el paso de los minutos no termina de verse compensado luego en el desenlace, bien porque el clímax final no tiene la intensidad que se le requería, bien porque se huele el “giro” con demasiada antelación o simplemente porque la resolución del misterio en sí resulta bastante ramplona (por no decir cutre).

Así que más allá de algún que otro sobresalto y alguna escena escalofriante, la película resulta más bien olvidable. Para los que conocemos la ciudad condal supone un plus el que se haya rodado en Barcelona, pero esa ligera sensación de cercanía dura, más o menos, lo que tarda el protagonista en ir del aeropuerto a la casa familiar.

P.D.: El filme de Bousman debería haber sido uno de los estrenos de la cartelera de esta semana (¿qué mejor fecha que ésta, no?), pero al parecer aquí en España sigue pendiente de distribución, como ocurre con otras tantas películas. Cuando decidan estrenarla, si es que lo hacen, presumo que ya estará un poco “anticuada”.

Valoración personal:

“Detrás de las paredes” (2011) - Jim Sheridan

2011-11-04T12:02:00.009Z

Crítica Detrás de las paredes Dream House 2011 Jim Sheridan

Con nominaciones a los Oscar con prácticamente toda película que rodó en su Irlanda natal, y considerado todo un experto en dramas, Jim Sheridan ha contado siempre con el respaldo de la crítica y también del público. Sin embargo, desde que puso un pie (¿el izquierdo?) en Hollywood, las cosas no le están yendo tan bien. Le dio una oportunidad al rapero Curtis "50 Cent" Jackson para que debutara como actor en una película casi autobiográfica (Get Rich Or Die Tryin'), y la acogida que tuvo ésta no fue muy entusiasta. Dos años más tarde, en 2009, rodó su primer remake, Brothers, y el resultado fue un notable drama que, pese a estrenarse en Diciembre en EE.UU., acabó siendo completamente ignorado por la Academia y obteniendo tan sólo dos “tristes” nominaciones (mejor actor y mejor canción) a los Globos de Oro.

Ahora regresa a nuestras pantallas con una película, a priori, bastante alejada de lo que hemos visto hasta ahora en su filmografía.

Con la idea de poder pasar más tiempo con su familia, Will Atenton (Daniel Craig) decide dejar su exitosa carrera de editor en Nueva York para trasladarse con su mujer Libby (Rachel Weisz) y sus dos hijas a un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra. Una vez allí, descubrirá que la casa que habitan fue el escenario de un terrible asesinato. Investigando las causas de la tragedia, Will conoce a Ann Paterson (Naomi Watts), una vecina que había conocido a la familia que murió en la casa...

Una familia que se muda a un nuevo hogar; una casa en la que años atrás hubo un asesinato; sucesos extraños a medida que pasan los días… Con semejante panorama cualquiera pensaría que nos encontramos ante la típica película de fantasmas con casa encantada de por medio. Y es que así nos han vendido la película, y así nos lo transmite la misma durante buena parte de su comienzo. Sin embargo, aquí el guionista juega al despiste con el espectador durante un buen rato para, posteriormente, darle la vuelta a la tortilla con un sorpresivo -siempre que no hayas visto el destripante tráiler- golpe de efecto.

En ese preciso instante es cuando la trama empieza a cobrar verdadero significado, y el misterio gana algún que otro punto extra. Sin embargo, la falta de cohesión en algunos detalles y la indecisión o el intento por abarcar demasiados géneros termina por estropear lo que, de partida, era una buena idea (o cuanto menos, interesante).

Mientras se trata de darle una vuelta de tuerca a una historia que en principio parece trillada, se acaba sucumbiendo a otro tipo de clichés, convirtiéndose finalmente en una “película modelo” del subgénero psicológico. Y sólo con citar a otras producciones similares como SPOILER—Identidad, El corazón del ángel, o las más recientes Shutter Island y The Ward –FIN SPOILER, uno sabe de sobras por dónde van los tiros, e incluso se podría atrever a deducir el final de la historia.

Por tanto, la cosa empieza a resultarnos un tanto previsible, pero ese no es su (mayor) problema. Su principal error es no haber sabido finiquitar la incógnita que nos plantea. El desenlace, forzado y precipitado, desluce los logros en suspense e incertidumbre conseguidos anteriormente. Los personajes están bien establecidos, pero se dejan algunos detalles en el aire (SPOILER-- se intuye por ahí una infidelidad que atañe a los personajes de Craig y Watts, pero luego no llega a concretarse –FIN SPOILER) y otros directamente se meten con calzador.

Y ya la puntilla de todo es un breve desliz hacia un género del que parecía en un principio querer huir y que termina dejando la película en tierra de nadie (SPOILER— que el espíritu de la mujer le eche una mano al marido cuando el malo malísimo le está disparando rompe con las bases psicológicas anteriormente establecidas –FIN SPOILER)

“Detrás de las paredes” (absurda retitulación made in Spain, dicho sea de paso) funciona medianamente bien en su faceta intriga, y logra apañárselas para embaucar al espectador sin que éste se sienta demasiado estafado aún con las trampas características de este tipo de propuestas, pero en su último tramo pierde un poco los papeles, flirteando torpemente con la mezcla de géneros o la ambigüedad misma de la propuesta, y resolviendo la trama de manera atropellada y facilona.

Es evidente que estamos ante un producto absolutamente alimenticio por parte de Sheridan, quién, por otro lado, quiso desentenderse del resultado final tras las continuas desavenencias con los productores durante la escritura y producción de la película. Y es una lástima que en medio de todo esto haya un señor reparto que, desde luego, merecía algo mejor con lo que dejarse ver en pantalla.

Valoración personal:

“Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” (2011) - Steven Spielberg

2011-10-27T14:46:00.007+01:00

Critica Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio 2011 Steven Spielberg

Traducidas a más de 70 idiomas, Las aventuras de Tintín escritas e ilustradas por el belga Georges Remi (bajo el seudónimo de Hergé) son todo un referente de la historieta del siglo XX. Su protagonista, un intrépido reportero de curioso tupé llamado Tintín, ha vivido emocionantes aventuras por todo el mundo a lo largo de 24 álbumes, de los cuales se han vendido más de 250 millones de copias. No es extraño, pues, que dada su popularidad, el personaje hiciera el salto de las viñetas al celuloide; primero con una poco conocida cinta animada en stop-motion, luego en una producción franco-belga (que llegó a tener secuela) con actores de carne y hueso encarnando a los famosos personajes de Hergé, y finalmente con películas y series animadas para el mercado doméstico. Probablemente estas últimas adaptaciones sean las que más aceptación han tenido entre los tintinófilos, si bien parecía que a Tintín le hacía falta aún una gran superproducción en cartelera que lograra llegar no sólo al adepto sino también al espectador ajeno a la obra del artista belga. Y ese momento por fin ha llegado con “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio“.

El curioso e insaciable joven periodista Tintín (Jamie Bell) y su leal perro Milú descubren, por casualidad, un centenario misterio escondido en la maqueta de un barco bautizado como “El Unicornio”. Intrigado por semejante hallazgo, Tintín se embarca en una minuciosa investigación que le sitúa en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine (Daniel Craig), un hombre avaricioso y sin escrúpulos que anda tras un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo.
Con la ayuda de su perro Milú, el mordaz y cascarrabias capitán Haddock (Andy Serkis) y los torpes detectives Hernández y Fernández (Simon Pegg y Nick Frost), Tintín viajará por medio mundo procurando ir un paso por delante de sus enemigos en una incesante persecución para hallar el lugar donde finalmente descansa “El Unicornio”, un navío hundido que puede contener la clave de una cuantiosa fortuna...

Treinta años han pasado desde que Steven Spielberg descubriera por primera vez la obra de Hergé y se convirtiera, desde ese instante, en un apasionado de las aventuras del joven Tintín. En este tiempo, el director ha adquirido, perdido y vuelto a adquirir los derechos sobre el personaje, y tras alguna que otra intentona frustrada, por fin ha conseguido llevarlo a la gran pantalla.

Esta película, primera de una ambiciosa trilogía a dos manos entre Spielberg y Peter Jackson, reúne y unifica las historias de “El Cangrejo de las Pinzas de Oro”, “El Secreto del Unicornio” y “El tesoro de Rackham el Rojo” escritas por Hergé.

Todo empieza con la compra de una maqueta de un barco que, al parecer, oculta un misterioso secreto en su interior. La maqueta, en posesión de Tintín, es pretendida por Sakharine, buen conocedor de que en ella se encuentra una de las tres claves que necesita para localizar un valioso tesoro que se halla bajo el mar. El encuentro entre ambos propiciará que el joven periodista conozca al capitán Haddock, capturado por Sakharine para sus pérfidos fines. Con tal de hallar las claves para averiguar la localización del tesoro y con ello desbaratar los planes de su temible adversario, nuestros tres protagonistas -Tintín, Haddock y el inteligente Milú- se verán inmersos en un viaje repleto de obstáculos que superar y enemigos que batir.

Desde sus espléndidos créditos iniciales (todo un historial tintinesco) hasta su último plano, la película hace alarde de una imaginación y una inventiva visual increíbles. La presentación de nuestro protagonista brilla por su concisa y explicativa sencillez, mostrándonos recortes de periódico con los que se nos da a entender que se trata de un reportero experimentado en situaciones de todo tipo; un joven que no tiene miedo a asumir riesgos con el fin de resolver misterios y lograr un buen artículo. Y si se tercia, impartir también algo de justicia.

Las transiciones de unas escenas a otras destacan por su original tratamiento y las secuencias de acción cuentan con una elaboradísima planificación endiabladamente frenética y alocada. Y es que Spielberg ha sabido aprovechar las herramientas que le permite el campo de la animación para manejar con inmaculada precisión toda la puesta en escena. La concepción de los planos y la escenografía, las virtuosas coreografías en la acción, el manejo de un ritmo agitado pero sin apabullar… Todo meticulosamente estudiado y al servicio de una historia repleta de misterio y humor, mucho humor.

Y es que la animación parece ser el formato más adecuado para el concepto de disparatada aventura que el director maneja en esta película. Lo que vemos en pantalla (personajes, gags, acción…) se mueve dentro de los parámetros del slapstick, siendo todo muy caricaturesco (precisamente lo que requería dicho personaje). Quizás eso no exigiera que se empleara la motion capture, pues bien podría haber servido la animación CGI habitual, pero hay que reconocer que la calidad visual que ostenta es uno de sus mayores atractivos.

La técnica, ya empleada con tibios resultados por Robert Zemeckis en sus últimos largometrajes, sigue mostrándose un tanto defectuosa -o mejorable, si se prefiere- en lo que a expresividad de los personajes se refiere. Aún observándose una mejoría respecto a sus predecesores, los rostros siguen sin resultar del todo convincentes. Las texturas tienen un acabado impecable, pero el movimiento sigue antojándoseme ortopédico. Incluso la gestualidad y movimientos del cuerpo tiene sus más y sus menos (a ratos son más naturales y a ratos no tanto). De todas formas, juega a su favor que el diseño de personajes mantenga, precisamente, la caricaturización de las viñetas, funcionando mejor la expresividad cuanto más exagerados son los rasgos faciales. Es por ese motivo que, a nivel expresivo, Haddock convence mucho más que Tintín, éste último de facciones más suaves y realistas.

Hablando precisamente de estos dos personajes, sobra decir que forman una pareja aventurera perfecta a pesar de sus dispares caracteres. La torpeza de uno (el lobo de mar de Haddock) es compensada por la astucia del otro (el habilidoso y locuaz Tintín). Juntos protagonizan uno de los tramos más trepidantes e hiperbólicos de la película a bordo de un sidecar, lo cual nos lleva irremediablemente a acordarnos de Henry Jones Jr. y padre en “Indiana Jones y la última cruzada” (sabréis de sobra a qué secuencia me refiero). Por otro lado, Haddock nos obsequia con su momento de gloria al rememorar -flashback mediante- una antigua hazaña de un antepasado en un vibrante abordaje pirata.

Por obra y gracia de la motion capture y del trabajo de todo un especialista en este campo, Andy Serkis, el bueno –y borrachín- del capitán (que a servidor le recuerda más a Harrison Ford, sobre todo al de “Seis días y siete noches”) termina robándole cierto protagonismo al reportero gracias a sus graciosas y a veces disparatadas intervenciones. Claro que para robaescenas ahí está también el pequeño Milú, un can tan espabilado que deviene en un inestimable compañero de fatigas.

Según pensaba el propio Hergé, Spielberg era el único director capacitado para hacer una película basada en su trabajo. Y tenía razón.

Un neófito tal como un servidor es incapaz de percibir la multitud de referencias al universo Hergé que de buen seguro el aficionado captará al instante, y quizás por ello el director nos deja algún que otro (auto)guiño cinéfilo (véase “Tiburón”) para nuestro regocijo.

De cualquier modo, “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” es una disfrutable cinta de animación que hará las delicias de los fans de Tintín y contentará también al que busque buen cine de aventuras. Sus casi dos horas se hacen cortísimas, lo cual es un buen síntoma para acoger con los brazos abiertos sus futuras secuelas, siempre y cuando la taquilla responda. Y si lo hace, sé de uno (un tal Zemeckis…) que se va a dar de cabezazos contra la pared.

P.D.1: La loable banda sonora del gran John Willams se contagia de ese tono humorístico de la película, componiendo una partitura muy risueña y jazzística (amén de afrancesada, si se me permite la obviedad, dada la naturaleza franco-belga del personaje). Además ofrece las consabidas aportaciones orquestales enérgicas que acompañan los momentos más trepidantes. Se echa en falta, no obstante, un leitmotiv que quede grabado en la memoria.

P.D.2: Como sé que me lo vais a preguntar… Decir que el 3D se emplea para otorgar profundidad y poco más. Por tanto, no molesta (que ya es mucho) pero tampoco aporta un plus indispensable al visionado de la película. Los que gusten de ponerse las dichosas gafitas no se sentirán estafados (a menos que esperen un efecto estereoscópico espectacular), y el resto podrá disfrutarla de igual manera en 2D.

Valoración personal:

“La cosa (The Thing)” (2011) - Matthijs van Heijningen Jr.

2011-10-20T18:35:00.008+01:00

critica La cosa The Thing 2011 Matthijs van Heijningen Jr.

En 1982, el maestro de la serie B John Carpenter rodó la que sería su obra magna, “La cosa” (The Thing), remake del clásico de la ciencia-ficción de los años 50 “El enigma de otro mundo” (The Thing from Another World), dirigido por Christian Nyby (bajo la atenta supervisión de Howard Hawks) y basado en un relato corto del escritor estadounidense John W. Campbell.

Aunque en su momento no fue un éxito comercial (más bien todo lo contrario), el paso del tiempo hizo justicia y colocó a “La Cosa” en un puesto de honor, convirtiéndose así en toda una pieza de culto para el aficionado al horror.

Otorgándole nuevamente el protagonismo a Kurt Russell (desde ese instante, su actor fetiche) y contando con unos medios más holgados que de costumbre (podría considerarse ésta su primera incursión en la “serie A”), Carpenter abordó el proyecto tanto como una versión moderna del filme original como una aproximación más fiel y perturbadora de la novela de Campbell. Y el resultado fue, sin lugar a dudas, una de las mejores monster-movies de la historia del cine.

Ahora, casi treinta años después, nos encontramos con que uno de los estrenos de la cartelera actual es una nueva película en forma de precuela.

La paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) viaja a una remota zona de la Antártida para colaborar con un equipo científico noruego que ha encontrado accidentalmente una nave extraterrestre enterrada en el hielo, y en cuyo interior viajaba un organismo que parece haber muerto en la colisión hace miles de años.

Lo que en un principio supone un descubrimiento de gran relevancia científica no tarda en convertirse en un problema de supervivencia cuando el alienígena despierta de su letargo…

Con el anuncio del proyecto, ostentando sin reparos el mismo título que su predecesora, y posteriormente con las imágenes y los distintos trailers, se intuía que a pese a ser concebida como una precuela, la película sería más bien un remake encubierto del filme de Carpenter. Y una vez vista, esa sensación queda más o menos plasmada, aún con ciertas reservas.

Esta “The Thing” nos cuenta los acontecimientos anteriores a lo que vimos en la cinta de 1982, situándose así en el campamento noruego en el que despierta y ataca el monstruo por primera vez antes de vérselas con el grupo americano constituido por MacReady (Russell) y cía. Por tanto, y siendo los noruegos los descubridores de tal hallazgo, tenemos la oportunidad de ver por primera vez el aspecto inicial (quién sabe si el suyo propio o una imitación de un ser de otro planeta) del alienígena y contemplar con mayor detalle -incluso el interior- de la nave espacial con la que llegó a la Tierra. Y eso vendría a ser básicamente la única aportación de esta precuela, pues al fin y al cabo, de la criatura sabemos tanto como con la anterior versión.

No estamos ante una precuela que ofrezca algún tipo de información o dato novedoso respecto a lo ya visto en el remake, y ni tan siquiera se intuye intención alguna de querer ser una propuesta fresca abordada desde una perspectiva diferente a la de Carpenter. Por tanto, lo que hace el guionista es limitarse a repetir una misma fórmula que, a día de hoy, ya ha sido vista numerosas veces en otras películas con monstruos depredadores. La trama sigue un patrón ya definido, con un poco de misterio y suspense al inicio, y que solamente intrigará al espectador que desconozca por completo las anteriores películas; y luego un ataque tras otro, con la criatura acechando y/o aniquilando una a una a sus víctimas hasta la llegada del enfrentamiento final con el personaje erigido héroe de la función. A esto último, decir que esta vez quién asume ese rol – el que interpretó Russell- es un personaje femenino, la paleontóloga Kate Lloyd. Bien acompañada, eso sí, por un buen mozo (americano también) como el que interpreta Joel Edgerton.

Esto y algún que otro agradecido cambio en algunos detalles concretos (la medida para descubrir al alienígena ya no consiste en analizar una muestra de sangre) es de lo poco “original” que nos encontraremos aquí. Quizás por ese motivo la existencia de esta precuela se sienta tan innecesaria, pues realmente no aporta nada a “La Cosa” original que la justifique. Sus responsables han optado simplemente por contar el cómo del resultado de lo que vimos 29 años atrás, y en ese sentido, podemos decir al menos que la coherencia entre ambas películas está muy cuidada.

No estamos hablando de guiños o referencias puntuales como en el caso de otra precuela reciente, “El origen del planeta de los simios”, sino que desde el guión y la puesta en escena existe una atención especial por conectar sin fisuras una película con la otra. Ejemplos de ello serían el propio campamento noruego, que se asemeja bastante a los restos calcinados que vimos en la ochentera, sobre todo en lo que respecta a la sala en la que reposa el alienígena. Luego hay detalles muy concretos como SPOILER-- el suicidio de uno de los noruegos y cuyo cadáver encontrarán luego MacReady y el Dr. Copper en su visita al campamento --FIN SPOILER; el hacha clavada en la pared, los restos de uno de los infectados que luego serán analizados en el campamento americano (aquí se nos muestra cómo llega a producirse tal monstruosidad) o los intentos por contactar con la Estación McMurdo. Y por supuesto, está el desenlace de la película, que no es más que el punto de partida para el comienzo de la otra.

Aunque lo que veamos sea un más de lo mismo sin sorpresas, hay que reconocer que funciona dentro de los parámetros del subgénero monster-movie en el que se inscribe.

La dirección del debutante Matthijs van Heijningen Jr. carece de personalidad pero es, cuanto menos, funcional. Desde la perspectiva del mero entretenimiento, su labor no puede ser criticable, si bien es innegable que el resultado final, a nivel terrorífico, palidece frente a lo hecho por Carpenter. Aunque no queramos, las comparaciones son, además de odiosas, inevitables (sus propios responsables nos obligan a ello), y la inquietud y la aguda paranoia que respiraba la ochentera aquí no emerge con la misma intensidad ni la misma capacidad de sugestión en el espectador. A nivel de acción, en cambio, resulta muy competente, ofreciendo llamativas secuencias que tienen en los notables efectos digitales (en sustitución del magistral trabajo artesanal de Rob Bottin) su mayor aliado. La criatura adopta formas imposibles y verdaderamente escalofriantes, como ya vimos en manos de Bottin, si bien aquí el uso del ordenador permite ampliar sus posibilidades tanto en transformaciones como en movilidad (especialmente en los ataques). Se puede preferir unos efectos u otros, pero cada técnica es hija de su tiempo, y aquí el resultado cumple con las exigencias del espectador actual.

La gélida y siniestra banda sonora de Marco Beltrami es también un buen complemento. Contiene algún que otro eco al trabajo de Morricone, pero sin aplicar la repetición de un leitmotiv en concreto.

Las interpretaciones son correctas dentro de lo que se les exige, y tampoco pueden ir a más allá si tenemos en cuenta que aquí los personajes, salvo los interpretados por Ulrich Thomsen y Mary Elizabeth Winstead, no están tan definidos como pudieran estarlo MacReady, Blair, Childs o Garry (un grupito, el americano, algo más heterogéneo en cuanto a personalidad)

Como entretenimiento y película de monstruos que es, “La cosa” es de lo más efectiva. Entretiene y ofrece las suficientes dosis de terror, acción y violencia para contentar al aficionado (bendita sea la clasifición R que luce con orgullo pero sin abusar). Como precuela, podemos darnos con un canto en los dientes porque nos encontramos con un producto digno y respetuoso con el clásico de Carpenter. Y eso, amigos, ya es mucho decir.

Valoración personal:

Ofertas terroríficas para Halloween en doctortrade.com

2011-10-19T14:56:00.005+01:00

Dentro de unas semanas se celebra Halloween. Se dice que la noche de Halloween es la puerta que separa el mundo de los vivos y la de los muertos… y ¿qué mejor manera de celebrarlo que hacerte con una de esas películas de terror o fantasía que estabas buscando y que no habías podido comprar por falta de fondos? ¿Qué tal pasar un día de los muertos viendo las mejores películas de Zombies o de Vampiros?

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“Intruders” (2011) - Juan Carlos Fresnadillo

2011-10-05T14:00:00.006+01:00

critica Intruders 2011 Juan Carlos Fresnadillo

Desde que en 2007 nos sorprendiera con la estupenda “28 semanas después” (película con la que muchos le descubrimos, y una de esas pocas secuelas que pueden medirse de igual a igual con su predecesora original), hemos estado esperando el siguiente proyecto del tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo. Sin embargo, su regreso a la gran pantalla se ha hecho de rogar más de lo esperado. De hecho, después de rodar la citada secuela del filme de Boyle, la mayoría pensamos que las puertas de Hollywood se le abrirían de par en par, y aunque en cierto modo así ocurrió, el director tuvo la desdicha de que esas puertas se le abrieron con la misma rapidez con la que se le cerraron. Durante estos últimos años, su nombre se ido vinculando a diversos proyectos que finalmente no han terminado de salir adelante; de entre ellos, el más deseado ha sido la adaptación del videojuego “Bioshock”, ambicioso proyecto palomitero que sigue a la deriva y sin visos a hacerse realidad en un futuro cercano.

Como ocurre con el salto de muchos europeos a Hollywood, a Fresnadillo también le han requerido para hacerse cargo de remakes de películas como “El hombre con rayos X en los ojos” de Roger Corman, “El Cuervo” de Alex Proyas (que no tiene ni veinte años de “antigüedad”) o “Los Inmortales” de Russell Mulcahy. Precisamente ésta última parece postularse firmemente como su primera película enteramente yanqui. De todas formas, Fresnadillo no ha perdido el tiempo y entre tanto ha rodado la presente “Intruders”, una co-producción España-EEUU-Reino Unido.

Juan (Izán Corchero) y Mia (Ella Purnell), dos niños que viven en países diferentes (España e Inglaterra), reciben cada noche la visita de un intruso sin rostro, un ser aterrador que quiere apoderarse de ellos.

Las presencias se van haciendo más poderosas y comienzan a dominar sus vidas y las de sus familias. La inquietud y la tensión crecen cuando sus padres también son testigos de estas apariciones.

La historia comienza de forma prometedora, con una presentación en la que ya resulta palpable el ambiente desasosegante e intrigante que va a caracterizar algunas de las secuencias más destacables de la película (no así toda la película). En esos primeros minutos somos testigos de lo reales que puedan llegar a ser las pesadillas de un niño, por lo que no tardamos mucho en presenciar la extraña y tenebrosa figura que aterroriza a Juan y a Mia; ese intruso apodado “Carahueca” que nos irá acompañando a lo largo del metraje.

Estos dos niños viven atemorizados sin que ellos ni sus progenitores sepan exactamente qué les está sucediendo (si sus pesadillas son meras alucinaciones o si se trata de un horror real y palpable) y por qué. Y precisamente en el “por qué” está la razón de ser de la película. Claro que antes de llegar a conocer esa respuesta los guionistas nos tienen preparado un camino lleno de incógnitas que deberemos ir resolviendo con las pocas y muy sutiles pistas que nos irán dejando.

El desarrollo de la trama se resiente, en parte, al quedar dividida en dos mitades, es decir, en tener que seguir a Mia y a Juan de forma paralela sin aparente conexión entre ellos. Cuando uno empieza a atar cabos y ve la relación que existe entre las dos historias, esa división se nos antoja totalmente lícita, pero eso no nos quita la sensación de que nos están contando lo mismo por duplicado y de que por ello la película no termine de arrancar nunca, pareciendo así que se está dejando todo el peso de la misma para la resolución final del misterio (el ya típico giro final sorpresa que, se supone, nos tiene que dejar con la boca abierta y la sensación a haber presenciado un peliculón). Además, los recursos de los que dispone Fresnadillo parecen limitarse a las apariciones grotescas del “fantasmal” intruso, y lo que en un principio resulta de lo más sugerente, al final acaba cansando un poco por su reiterado abuso.

El desarrollo y el ritmo se tornan monocordes y fatigosos, lo que termina provocando un inevitable sopor en el espectador.

Peor es que una vez descubierto el origen del misterio, éste resulte un tanto ramplón, y deje en el aire algunos aspectos que carecen de justificación. Es por ello que uno se pregunta si tanta parafernalia era necesaria teniendo una explicación tan simplona que la sustentara. Y es que la mezcla de terror psicológico y terror sobrenatural no termina de cuajar ni enganchar, y nos damos cuenta que prácticamente todo lo que hemos visto no ha sido más que efectismos mayormente gratuitos. Aunque por gratuitos, personajes como el sacerdote interpretado por Daniel Brühl, que poco o nada aporta a la trama (aunque su razón de ser respondería a la mentalidad tradicional de la época). Por contra, el talento de Carice van Houten queda desaprovechado al quedar su personaje bastante desligado del avance de la trama (aunque eso no quita que el director nos brinde una escena en la que holandesa aparece tal como su madre la trajo al mundo)

A nivel técnico y visual, eso sí, no se le puede reprochar nada. Los efectos digitales tienden a aparecer siempre en escenas oscuras o con poca luz, con lo que a primera vista no se advierten grandes defectos y cumplen sobradamente con su cometido, especialmente el de dar vida a “Carahueca” (que recuerda un poco al brutal asesino de “Agárrame esos fantasmas/The Frighteners” de Peter Jackson). Precisamente, al transcurrir buena parte de la historia en escenas nocturnas, resulta imposible no destacar la excelente labor de fotografía de Enrique Chediak, que ya trabajó con Fresnadillo en “28 semanas después”.

Curiosos, más que funcionales, resultan algunos planos (especialmente aéreos) en los que se utiliza un filtro especial (tilt and shift) para mostrar la escena desde el punto de vista de “Carahueca”, lo que otorga a la secuencia el llamado “efecto maqueta” (de hecho, servidor llegó a pensar que se trataba de maquetas y no de localizaciones reales).

En “Intruders”, Fresnadillo ha apostado por rodar una película a lo “Shyamalan” (el hindú es el referente más evidente y cercano en el tiempo), y el resultado ni convence ni entretiene, por muy buena factura que tenga o por logradas que sean algunas de las escenas de tensión y suspense. Pero no desesperemos porque el canario ya ha demostrado ser un buen director cuando se apoya en un buen guión, así que esperemos que tarde o temprano nos compense por este pequeño tropiezo.

Valoración personal:

Pliskeen en Sitges 2011

2011-10-03T19:39:00.005+01:00

Pliskeen en Sitges 2011

Tal como anuncia el título del post, servidor volverá (tras estrenarme el año pasado) a la ciudad barcelonesa de Sitges para acudir al 44 Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges que empieza este jueves 6 de octubre y finaliza el día 16. En total serán diez días plagados de proyecciones, ruedas de prensa y diversas actividades relacionadas con el séptimo arte más fantástico (léase esto en ambos sentidos de la palabra). Diez días en los que no pararé de ver películas… y escribir sobre ellas, claro está.

Este año, sin embargo, no cubriré el festival para mis compañeros de TBDC – Tu Blog De Cine (ojalá pudiera clonarme para la ocasión, como Michael Keaton en “Mis dobles, mi mujer y yo”), sino que mis servicios han sido requeridos por Scifiworld, magazine con el que colaboro desde hace un tiempo. Así pues, en esta edición formaré parte de su equipo, siendo mi función principal encargarme de ver películas y de reseñarlas para la web.

Además de ser una gran oportunidad el poder trabajar con y para ellos, tendré ocasión de alojarme en la ciudad para poder realizar una cobertura mucho más amplia y cómoda del festival. Debido a esto, sin embargo, me va a ser imposible actualizar Amazing Movies con nuevos contenidos festivaleros, por lo que trataré, en la medida de lo posible (no dispongo de internet en el móvil), ir comentando mi estancia y mis impresiones a través de Twitter. Para ello utilizaré el hastag #PliskeenSitges2011.

Los compañeros de Scifiworld harán lo mismo, así que podréis seguirnos también por el hastag #SFWenSITGES, además de tener toda la información en la página web oficial, dónde irán colgándose todas nuestras críticas.

Para que Amazing Movies no se quede “abandonada” durante tantos días, voy a intentar dejar preparada la crítica de “Intruders”, una de las películas presentes en el festival y que ya he tenido oportunidad de ver en pase de prensa. Y dado que se estrena este viernes en nuestras salas, procuraré colgarla este mismo fin de semana para que tengáis mi opinión y podáis comentarla.

Y esto es todo, estimados lectores. A algunos seguramente os veré en el festival; al resto espero que me/nos sigáis en Scifiworld y en Twitter durante estos diez días.

Saludos!

“Johnny English Returns” (2011) - Oliver Parker

2011-09-29T20:13:00.011+01:00

critica Johnny English Returns 2011 Oliver Parker

Probablemente Rowan Atkinson haya sido uno de los cómicos más populares del Reino Unido gracias a sus trabajos para la pequeña pantalla. Su primer gran éxito fue la serie de televisión “La Víbora Negra”, si bien el personaje por el que muchos le conocieron por primera vez y que le otorgó fama mundial fue “Mr. Bean”, un cuarentón solitario, patoso, algo infantil y con muy pocas luces que encandiló a los espectadores de los 90 con sus absurdas, torpes y a veces surrealistas desventuras.

En lo que a cine se refiere, Atkinson ha hecho pequeñas apariciones en películas como “Cuatro bodas y un funeral”, “Hot Shots 2” o más recientemente, “Love Actually”. Además de éstas y de pequeños papeles en otras cintas, ha participado en producciones destinadas a su exclusivo lucimiento. Desgraciadamente, no se puede decir que éstas hayan estado a la altura de su talento. Sin ir más lejos, la adaptación cinematográfica de “Mr. Bean”, así como su posterior secuela, no fueron capaces de hacernos reír como lo hacía la serie, ya sea porque el formato de sketches de 10 minutos no funcionaba a modo de largometraje o bien porque los gags carecían del ingenio de su homónima televisiva. Entre una entrega y otra, el cómico inglés apostó por un nuevo y prometedor personaje llamado “Johnny English”, una clara parodia al espía más famoso del cine, James Bond. La película, sin ser gran cosa, se hacía más o menos amena, y aunque no arrasara en taquilla, lo cierto es que su escaso presupuesto benefició a que esos ingresos la convirtieran en un éxito. Ahora bien, nada hacía sospechar que de hacerse una secuela, ésta tardaría nada menos que ocho años en aparecer.

Tras el fracaso de una importante misión años atrás, el agente Johnny English (Rowan Atkinson) ha estado puliendo sus increíbles habilidades en una lejana región de Oriente. Ahora, sin embargo, sus servicios vuelven a ser requeridos por el MI7 cuando la agencia descubre que alguien planea atentar contra la vida del primer ministro chino.

Decidido a aprovechar esta oportunidad para redimirse, y sabiendo que el mundo le necesita, English se reincorpora al servicio activo para llevar a cabo esta nueva misión. Eso sí, esta vez le asignarán un compañero, el joven agente Tucker (Daniel Kaluuya), por si las moscas…

Johnny English regresa a la acción tras ocho años de inactividad. Durante este tiempo de ausencia, el mejor agente del MI7 ha vivido retirado en un monasterio tibetano, pero ya es hora de que ponga en práctica todo lo aprendido allí.

Su nueva misión es muy importante, así que contará de nuevo con todo tipo de artilugios de última generación para abrirse camino en una conspiración que ha tejido sus redes en el KGB, la CIA e incluso el propio MI7. Apenas quedan unos días para la celebración de una conferencia mundial de jefes de Estado, así que English tendrá que hacer uso de todas sus habilidades y conocimientos para dar con los conspiradores en una carrera contrarreloj llena de obstáculos.

Por supuesto, y al igual que su predecesora, la película parte del mismo esquema que seguiría una entrega del agente 007, sólo que con más humor y menos acción. Y a estas alturas, parodiar al espía británico más famoso del mundo no es algo que resulte novedoso.

Por tanto, la historia a contar debe resultar fresca y tratar de buscar una conexión con el espectador más allá de lo meramente referencial. Y eso es algo que no se consigue.

La trama es muy ramplona, y va avanzando a costa de encadenar un gag tras otro con la intención de hacer reír al respetado. Y aquí nos encontramos con otro problema: la película no hace gracia.
El sentido del humor que ostenta “Johnny English Returns” es muy pobre, de parvulario. Los gags son tontorrones y poco originales, siendo harto difícil que uno se ría con algo tan caduco como caídas inesperadas, golpes en los testículos, confusiones disparatadas y demás payasadas de índole similar. De vez en cuando esbozas alguna sonrisa gracias al buen hacer de Atkinson y a algún que otro apunte cómico más o menos ingenioso (que el MI7, afectado también por la crisis económica mundial, esté patrocinado por Toshiba y deba publicitarse al público como si de una empresa de servicios cualquiera se tratara), pero ya está. No hay más de donde sacar.

Se podría decir que los mejores gags ya están en el tráiler, pero esto tampoco es así, ya que no existe una clara diferencia entre gags mejores y gags peores. Prácticamente todos están al mismo bajo nivel, salvo, como ya he comentado, alguna que otra perla aislada.

Pero ahí tenemos a Rowan Atkinson, que se entrega en cuerpo y alma a la función aunque el guión no acompañe. El actor inglés es todo un profesional y hace lo que mejor se le da: componer su oda a la torpeza con naturalidad y con sus resabidas gesticulaciones. Por el contrario, su acompañante no nos entra ni a la tres, y casi preferiríamos que English siguiera con la misión en solitario o en compañía de la guapa psicóloga Kate Sumner (Rosamund Pike), probablemente la única capaz de tolerar sus pifias e incluso encontrarlas encantadoras.

El resto del personal actúa con el piloto automático, conscientes seguramente de lo alimenticio que resulta su trabajo en esta película. Ni Gillian Anderson, que interpreta a Pamela Thornton alias Pegasus, la nueva director del MI7, ni Dominic West, el Agente Uno e ídolo de English, van más allá de lo que les han escrito (que no es mucho ni suficientemente bueno) para componer sus personajes. Además, se echa en falta, como en toda película de espías (sea parodia o no), la presencia de un gran villano; un enemigo carismático en el que nuestro héroe protagonista encuentre su némesis. En ese sentido, John Malkovich le daba mejor la contra a Atkinson en la primera entrega.

Vale la pena destacar, no obstante, a Pik Sen Lim, que puede que asuma el personaje secundario más rescatable de toda la película: la vieja asesina asiática que intenta acabar con English en repetidas ocasiones. Y bueno, la ocasión nos permite descubrir a la francesa Joséphine de La Baume, una exuberante pelirroja por la que no nos importaría dejarnos engañar y atrapar si nos encontráramos en la piel del agente protagonista.

Por lo demás, la dirección de Oliver Parker, quién antaño nos brindó comedias de mayor nivel como “La importancia de llamarse Ernesto” o “Un marido ideal”, es meramente funcional, y en donde podría destacar o aportar un valor añadido, que es en las secuencias de acción (como ocurría en “Superagente 86”, por ejemplo), se muestra poco inspirado.

Por tanto, “Johnny English Returns” resulta tan inofensiva como poco complaciente. Una comedia demasiado bobalicona y arcaica para estos tiempos que corren. Se puede ver para matar el tiempo, pero que nadie espere echarse unas buenas risas con ella.

Rowan Atkinson se merece algo mejor.

P.D.: Hay escena post-créditos, por si a alguno le apetece quedarse hasta al final.

Valoración personal:

Primer concurso DoctorTrade

2011-09-26T18:57:00.008+01:00

Primer concurso Doctortrade

Tal como os anunciaba la semana pasada, Amazing Movies colabora desde ahora con Doctortrade para ofreceros jugosas ofertas y atractivos regalos que sirvan para satisfacer esos caprichos consumistas que de vez en cuando a todos nos asaltan. Y ello sin que vuestros bolsillos se resientan en exceso.

Por ello, qué mejor que empezar dicha colaboración con un concurso:

Desde la web de Doctortrade, todos los días se sortea un producto de segunda mano (un libro, un DVD, un BluRay, un videojuego...). Cualquier persona puede participar, elegir el producto que quiera... y sólo con twittear o compartir en su muro de Facebook el producto que desea llevarse a casa entrará directamente en el sorteo. ¿Fácil, no?

Si tenéis alguna duda, podéis encontrar más información aquí: http://www.doctortrade.com/lp-dt-regala.html

De los artículos que entran en la promoción, podríamos destacar el Dvd de “La caja 507”. Es un buen momento para recuperar esta película de Enrique Urbizu ahora que se proyecta en nuestras salas su último trabajo, “No habrá paz para los malvados”.

Para los amantes del cine de Kurosawa, hay un pack de tres películas que quizás les resulte sugerente. O para los que aún no se hayan iniciado en esa magnífica serie que es “Dexter”, ahora pueden hacerlo empezando por la primera temporada.

En fin… tenéis mucho dónde escoger. Pero eso sí, daros prisa porque la promoción termina el 31 de este mes de septiembre.

Saludos y suerte!

“No habrá paz para los malvados” (2011) - Enrique Urbizu

2011-09-22T18:36:00.007+01:00

critica No habrá paz para los malvados 2011 Enrique Urbizu

Prácticamente cada año estamos teniendo unas cuantas películas patrias que destacan por encima del resto de producción nacional. Películas arropadas por la crítica que aterrizan en nuestras carteleras con buena publicidad, buenas críticas y, de vez en cuando y si las fechas lo permiten, también con unos cuantos halagos y aplausos recibidos en festivales de cine (lo que siempre ayuda a captar la atención de los medios y a atraer al espectador de a pie a las salas)

Hace un par de años una de esas películas fue “Celda 211” de Daniel Monzón, cinta que luego fue generosamente premiada en los Goya (ocho estatuillas, nada menos, y algunas de ellas –no todas- más que merecidas). Este año la destacada, por unanimidad, está siendo “No habrá paz para los malvados”, dirigida por el bilbaíno Enrique Urbizu y protagonizada por José Coronado en su tercera colaboración juntos tras “La caja 507” y “La vida mancha”.

La historia transcurre en Madrid, en una fecha indeterminada a principios del s.XXI. Borracho y de camino a casa, el inspector de policía Santos Trinidad (José Coronado) decide hacer una parada en un club de alterne para tomarse la última copa. Debido a su embriaguez y a su mal carácter, Santos termina viéndose involucrado en un triple asesinato. Para mayor desgracia, un testigo de lo ocurrido logra escapar con vida del lugar. Temiendo que pueda incriminarlo, el inspector decide emprender una investigación destinada a localizar y a eliminar al testigo. A medida que va estrechando el cerco sobre su presa, Santos va descubriendo una trama conspiratoria de mayores magnitudes…

Mientras tanto, la juez Chacón (Helena Miquel), encargada de la investigación del triple crimen, avanza meticulosamente en la búsqueda del asesino con la ayuda del agente Leiva (Juanjo Artero), viejo conocido de Santos.

Tras ocho años de silencio (si no contamos el episodio para Películas para no dormir), Enrique Urbizu estrena en nuestra cartelera su último trabajo como director y co-guionista, después de recibir una entusiasta acogida en el presente Festival de Cine de San Sebastián, donde compite en Sección Oficial por la Concha de Oro.

Aunque se trate de un tipo de película no muy frecuente en nuestra industria, tampoco nos resulta del todo desconocida. Y es que “No habrá paz para los malvados” es un thriller policiaco que bebe mucho del cine negro en la composición de sus personajes y ambientes, y en la estructura y desarrollo de la trama.

Nuestro principal protagonista es Santos Trinidad, un policía fracasado en lo profesional y en lo personal, entregado a la bebida y de vuelta de todo, que una mala noche (de tantas) comete el error de asesinar a sangre fría a tres personas. El segundo error que comete aquella noche, y que desencadenará los hechos posteriores, es que se le escape con vida un testigo ocular del crimen. En ese preciso instante, cuando toda moralidad y ética posibles ya han sido violadas, a Santos no le queda más remedio que mantenerse al margen de la ley para dar caza a su posible delator. En el transcurso de su particular investigación, se da cuenta que el individuo al que persigue no es un simple delincuente como los tipos a los que dejado tiesos horas antes. Avanzando en sus pesquisas, descubre que hay algo mucho más gordo detrás, y probablemente él sea el único que pueda evitar un mal mayor…

La trama se bifurca, pues, en dos flancos: por un lado, seguimos a Santos en el transcurso de esa investigación, descubriendo así, a medida que ésta progresa, la identidad e intenciones del testigo al que el inspector persigue tan concienzudamente; por otro lado, tenemos a la juez Chacón y a su ayudante yendo tras la pista del responsable de los tres asesinados en el prostíbulo, algo a lo que en un principio parece ser achacable a una ajuste de cuentas entre bandas (dos de las víctimas no es que fueran hermanitas de la caridad, precisamente) Y a medida que estos últimos le van pisando los talones a Santos, éste se va acercando cada vez más a su presa, desvelándose -y desvelándonos- el complot que se tiene entre manos.

De este modo, Urbizu consigue mantener en vilo al espectador por partida doble y durante prácticamente todo el metraje. Y es que estamos ante una de esas cintas en las que se nos exige estar bien atentos a todo lo ocurre en pantalla, sin perder detalle de las pistas que nos van soltando y de los nombres de personajes que se van citando continuamente.

Pese a poseer ritmo un tanto lento (y que no necesariamente debe traducirse como aburrido), el desarrollo de la historia logra mantener el tipo tirando de intriga y de protagonista. Y quizás la dirección peque de falta de intensidad (Urbizu sigue arrastrando esa frialdad que ya le caracterizó en “La caja 507”, y se echa de menos algo más de garra más allá de la presente en las –pocas pero suficientes- escenas de acción), pero queda compensada por una trama muy bien hilvanada y por un personaje, Santo Trinidad (el nombre ya es pegadizo), con muchos más matices de lo aparente.

José Coronado, actor que, reconozco, nunca ha sido santo de mi devoción (y que según parece, lleva unos años reinventándose y resurgiendo de sus propias cenizas cuál Ave Fénix), asume el rol del inspector con suma convicción y contención, sin estridencias de ningún tipo ni excesiva chulería, algo que resulta característico en este tipo de personajes y que en este caso podría haber sido contraproducente. Y es que Santos Trinidad no es exactamente un antihéroe, aunque siga un camino cercano al de la redención. No es tampoco una persona agradable, pero eso él ya lo sabe. Es más, Santos es muy consciente del tipo de policía en el que se ha convertido, y de hecho se avergüenza de ello (cierta conversación en un bar nos lo revela), aún sin interés por ponerle remedio. Es de esos tipos que en pantalla nos atraen, aunque en la vida real quizás no quisiéramos tener nada que ver con ellos.

Santos camina entre el bien y el mal, poniendo a prueba sus límites y tanteando constantemente a la suerte, y aún así –o precisamente por ello- empatizamos con él y nos hacemos cargo de su tristeza, de su desgana, de su rabia contenida… De él quisiéramos saber más y pronto, pero Urbizu se resiste a soltarnos datos suficientes si no es a cuentagotas y dejando muchas dudas por medio, quizás para que no empaticemos demasiado pronto…

Ni esta película ni este tipo de personajes abundan en nuestro cine, pero no es menos cierto que todos ellos responden a estereotipos sobradamente conocidos dentro de este y de todos los géneros que abarca Urbizu en “No habrá paz para los malvados” (título, por cierto, sacado de un versículo de la Biblia: No habrá paz, dijo mi Dios, para los malvados). Desde Santos hasta su joven y fiel compañero (ese que siempre te cubre las espaldas hagas lo que hagas) encarnado por el televisivo Rodolfo Sancho, pasando por la implacable juez Chacón (una forzada y muy poco creíble Helena Miquel, una cantante –de agradable voz- que pretende ser actriz) o el conjunto de chusma que se dan cita aquí (proxenetas, traficantes, borrachos, drogadictos, terroristas…), cumplen con unos roles estándar. De ahí que incluso el propio Santos se permita alguna que otra licencia “películera” (el chascarrillo “Rock’n’Roll” sobraba un poco…)

Pero estos estereotipos, convenientemente ubicados dentro de un contexto patrio, es decir, con su pertinente transmutación cañí (por llamarla de alguna forma), son probablemente lo peor que podamos decir de esta película, ya que por lo demás, está muy bien armada; un thriller seco, turbio y, en última instancia, amargo. Quizás demasiado inflado, como ya suele ocurrir en estas ocasiones, por la crítica y la prensa, pero que no por ello deja de ser una propuesta recomendable para ese público ávido por ver buenos thrillers.

Además subyace, bajo ese manto de crimen y miseria urbana, una palpable crítica hacia aspectos socio-políticos que nos tocan de cerca, aunque no estemos hablando de una película marcadamente política (todo lo contrario). Digamos que pone la puntilla en la dejadez o simple ineficacia (amén de la corrupción) de nuestros departamentos de justicia, convirtiendo un hecho real (el 11M) en mera –pero plausible, por razones obvias- ficción. Y eso, seguramente, incomode a más de uno.

Valoración personal:

BLUE LIPS, un nuevo proyecto de cine español busca director

2011-09-22T16:51:00.005+01:00

BLUE LIPS, un nuevo proyecto de cine español busca director

BLUE LIPS es nuevo proyecto cinematográfico de la productora navarra Cronopia Films, y está formado por un grupo de jóvenes cineastas. La película, que se rodará el próximo año, contará 6 historias que transcurren en 6 ciudades y que serán filmadas por 6 directores distintos.

El largometraje cuenta actualmente con cinco directores: el español Álvaro Ron, que se encargará del rodaje en Roma, los directores argentinos Daniela De Carlo, Julieta Lima y Martín Mouriño, y el peruano Nobuo Shima. Y aquí viene lo que, creo, puede ser de vuestro interés: se busca a un sexto director residente en España.

Con la página web que nace hoy, www.bluelipsthemovie.com, se abre al público la convocatoria con la que se pretende encontrar a ese sexto director del filme. Los participantes de este concurso cuentan con dos meses de plazo, hasta el próximo 30 de noviembre, para hacer llegar, mediante la página web, su propio vídeo‐ currículum en donde se detallarán sus experiencias tras la cámara. Las bases del concurso se encuentran en la misma página web.

Blue Lips es un proyecto vivo, participativo y en constante movimiento, ya que se pretende que la elaboración de la película vaya de la mano de los usuarios de la web y de las redes sociales como el Facebook y Twitter. Se trata de una página web muy intuitiva donde se va a colgar la información más relevante de la evolución de la película. La búsqueda de los actores que van a encarnar a los protagonistas del film, las notas de los directores y la convocatoria de los castings constituyen, junto con la búsqueda del director, unas de las bazas principales de esta página accesible a todo el mundo.

En la búsqueda de productores, la película ya ha sido seleccionada para participar en diversos foros de coproducción, siendo presentada esta mañana, 22 de septiembre, en el II Foro de Coproducción Tareula, que se enmarca dentro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España. Del mismo modo, participará en el Morelia Lab dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia, México, a lo largo de la semana del 15 al 23 de octubre.

Así que ya sabéis. Si sois amantes del cine y se os da bien esto de agarrar una cámara y dirigir, esta pueda ser una buena oportunidad para mostrar al público vuestro talento. ¡No la desaprovechéis!

Saludos ;)

“La cara oculta” (2011) - Andi Baiz

2011-09-16T16:36:00.006+01:00

crítica La cara oculta 2011 Andi Baiz

Realizar co-producciones junto a otros países es una buena forma de llevar a cabo algunos proyectos que quizás, de otro forma, sería imposible que vieran la luz. Si además esto ayuda a tener mayor proyección internacional y/o a que se le dé trabajo a gente de nuestra industria (léase directores, actores, guionistas, compositores, etc.), bienvenidas sean pues.

Este sería el caso de la cinta que nos ocupa, una co-producción entre Colombia-España-USA cuyo reparto está formado mayormente, y como no podría ser de otra forma, por intérpretes españoles y colombianos.

Adrián (Quim Gutiérrez), un músico de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, y su novia Belén (Clara Lago) parecen estar muy enamorados. Pero todo cambia cuando Belén empieza a dudar de su fidelidad. Justo en ese momento, la joven desaparece sin dejar rastro. Afligido, Adrián termina encontrando consuelo en los brazos de Fabiana (Martina García), una bella camarera a la que conoce precisamente el día de la fatídica ruptura. Sin embargo, a medida que crece la pasión entre ambos, empiezan a hacerse preguntas sobre la misteriosa desaparición de Belén.

Antes de empezar con la crítica propiamente dicha, creo que conviene hacer una recomendación previa cara a su visionado: NI SE OS OCURRA VER EL TRAILER. Así de claro, en negrita y en mayúsculas, para que nadie acuda a la sala del cine descubriendo, transcurridos unos cuantos minutos, que el citado tráiler le ha estropeado buena parte de la película.

La función de un tráiler consiste en dar a conocer una película al público y en captar su atención. En ese sentido, es importante que éste avance atraiga y/o resulte mínimamente interesante al potencial espectador para que decidida echarle un vistazo. Y debo que reconocer que el tráiler de “La cara oculta” consiguió captar mi interés al vislumbrar en él una premisa de lo más sugerente y que podría dar mucho juego. Sin embargo, lo que no esperaba es que dicha premisa fuera, en sí misma, un spoiler como una catedral.

La sinopsis aquí descrita es lo único que el espectador necesitaría saber antes de acudir a la sala. Por desgracia, eso es lo que el destripante tráiler se encarga de mandar al garete en menos de tres minutos. Y es que la gracia radica precisamente en ignorar el pilar básico sobre el cual se construye la trama de la película; una trama que va desvelándose poco a poco y que desde los primeros minutos busca desconcertar e intrigar al espectador.

El comienzo de la cinta se cimenta en las dudas que la desaparición de Belén suscita tanto en Fabiana, la nueva pareja de Adrián, como en el espectador.

Que tras sus sospechas de infidelidad Belén decida romper la relación con Adrián es algo lógico, pero que ésta desaparezca del mapa sin dejar ningún rastro, ni existan evidencias de que haya abandonado el país, ya no lo es tanto. Y la idea es que en un principio el espectador cuente con tanta información de lo ocurrido como sus protagonistas, para poder así sumergirse de lleno en la incógnita que nos plantea Andi Baiz, su director y co-guionista. Pero como ya digo, si uno ha tenido la mala fortuna de ver el tráiler, este primer tramo de intrigante no tiene nada.

Luego es cuando, mediante un retroceso en el tiempo, nos es revelado el quit de la cuestión, explicándonos quiénes son Adrián y Belén, qué hacen en Bogotá, por qué existen sospechas de infidelidad y qué es lo que ha ocurrido con ella. En ese preciso momento, el suspense previo pasa a ser sustituido por la angustia y la impotencia de conocer un dato que la pareja protagonista, Adrián y Fabiana, desconocen por completo, y todo lo que “eso” conlleva.

Cabe decir que la atmósfera de la película está notablemente conseguida, y juega a su favor centrar la acción en pocos espacios, siendo uno de ellos, el caserón en el que vive Adrián, el centro de atención.

Si bien los primeros pasos de “La cara oculta” podrían apuntar tanto al thriller de psicópatas como hacia el cine de casas encantadas (o la fusión de ambos al estilo “Lo que la verdad esconde”), lo que se nos desvela en realidad es un thriller psicológico cargadito de tensión. Sin embargo, es inevitable reconocer que algunas de las situaciones que acontecen en el segundo tramo de la película pueden resultar chocantes y/o irrisorias. Algunas escenas, situaciones y/o comportamientos chirrían por lo absurdo o surrealista que se nos atojan dentro en una cinta que busca tener un tono serio y contundente. Escenas como los saltitos Fabiana en la cama, el morboso plano de sexo “por la puerta de atrás”, las preguntas absurdas pronunciadas y escritas en un espejo, etc.; y la obsesión del director por la higiene personal y, por ende, desnudez de sus intérpretes (especialmente las féminas, a las que somete a todo desnudo gratuito posible) provocan que uno no se tome demasiado en serio lo que está viendo. Y eso al final le hace un flaco favor a una propuesta en la que atmósfera agobiante, tensa y claustrofóbica debería –por lo que nos cuenta- llevar la voz cantante. Por momentos, parece que uno asista a una comedia involuntaria, y las carcajadas (para nada previstas) no tardan en surgir de la boca de los asistentes. Teniendo en cuenta que las risas de un servidor no fueran las únicas que podían oírse en la sala, mucho me temo que la tolerancia y la benevolencia del espectador van a ser claves para disfrutar (o no) de esta cinta.

El director no termina de coger el tono adecuado a la historia por culpa de sus estridencias, y de nada sirve tener un reparto entregado (a destacar sobre todo Quim Gutiérrez y Clara Lago, que ya coincidieron en la muy recomendable “Primos”) ni un frenético e irónico desenlace, porque minutos antes uno ya ha desconectado totalmente del ambiente angustioso y opresivo al que es sometido al inicio del filme. Lo cierto es que echarse unas buenas risas no es lo que esperaba al entrar en la sala, así que puede que guste o no dependiendo de si se conecta con las licencias más pueriles (la “ingenuidad”, por no decir otra cosa, de Fabiana y los constantes despelotes no tienen precio) de las que hace gala Baiz. Francamente, las posibilidades de lograr un muy buen thriller estaban ahí, pero el resultado no termina de ajustarse a la demanda.

Valoración personal:

Amazing Movies colabora con Doctor Trade

2011-09-15T11:44:00.003+01:00

Amazing Movies Doctor Trade

Me complace anunciaros que a partir de este mismo mes de Septiembre Amazing Movies inicia una estrecha colaboración con doctortrade.com, una empresa española de compra-venta online de productos nuevos y de segunda mano.

DoctorTrade cuenta con unas categorías muy amplias de productos a la venta con precios para todos los bolsillos. En la web podemos encontrar desde películas y series en DVD y BluRay, hasta videojuegos y libros, pasando por secciones de Informática, Telefonía... Hay productos a la venta tanto de personas individuales como de vendedores profesionales. Además, ahora mismo existe una promoción en la que se regalan los gastos de envío en todos los productos de segunda mano, y si en 15 días no vendes tu producto, te lo compran.

Dicho esto, la función de este humilde blog consistirá básicamente en dar a conocer aquellas campañas o promociones especiales que, crea, puedan ser de vuestro interés, como por ejemplo descuentos en DVDs y Blurays, algo que en estos tiempos de dificultades económicas se agrade muchísimo.

Espero que esta colaboración os guste y sirva para que encontréis esas gangas que andabais buscando. Y quizás también exista la posibilidad de proponer algún que otro concurso, cosa que me encantaría poder hacer.

Saludos ;)

"La deuda" (2011) - John Madden

2011-09-10T17:39:00.008+01:00

critica La deuda 2001 John Madden

El mayor hito en la carrera de John Madden, cineasta británico curtido en televisión, se produjo allá por el 1998, año en que su película “Shakespeare in Love (Shakespeare enamorado)” se alzó en la Ceremonia de los Oscar con un total de siete estatuillas doradas de entre las 13 categorías a las que estuvo nominada. La mayoría de esos galardones correspondían a las categorías más importantes, pero de todos ellos, el que supo a gloria fue el de Mejor Película, habida cuenta de que sus rivales eran “Salvar al soldado Ryan”, “La delgada línea roja”, “La vida es bella” y “Elizabeth”.

Dejando de lado lo discutible (y discutido) que fuese dicho galardón, lo cierto es que desde entonces Madden ha tenido sus altibajos. En 2001 intentó repetir la fórmula de su anterior éxito con “La mandolina del Capitán Corelli”, y el resultado fue un fiasco en todos los sentidos. Unos años más tarde dirigió de nuevo a Gwyneth Paltrow en el drama “Proof (La verdad oculta)”, y con ella recuperó parte del buen pulso de antaño. La cinta, sin embargo, pasó más bien desapercibida en taquilla, aunque la actriz recibió una nominación a los Globos de oro y el director la suya en el Festival de Venecia. Ya en 2008, Madden apostó por llevar al cine una novela de Elmore Leonard (escritor adaptado en películas como Un romance muy peligro, Cómo conquistar Hollywood o El tren de las 3.10) con un destacable reparto de actores y actrices (Diane Lane, Mickey Rurke, Thomas Janes, Joseph Gordon-Levitt, Rosario Dawson), y la película resultante, “Killshot”, estuvo cogiendo polvo en un cajón durante dos años hasta que finalmente vio la luz directamente en Dvd.

Ahora parece que el director vuelve con fuerza con “La deuda” (remake de la película israelí “Ha-hov”), un thriller de espías que ya está cosechando buenas opiniones entre la crítica especializada y que se ha postulado como uno de los estrenos de cine de esta semana.

Año 1997. Rachel (Helen Mirren/Jessica Chastain), Stephan (Tom Wilkinso/Marton Csokas) y David (Ciarán Hinds/Sam Worthington) son tres agentes del Mossad ya retirados que se convirtieron en figuras muy respetadas en Israel después de llevar a cabo una importante misión entre 1965 y 1966. Destinados en Berlín Este, su objetivo por aquel entonces consistió en localizar y capturar al criminal de guerra nazi Dieter Vogel (Jesper Christensen), el temible “Cirujano de Birkenau”. Si bien el plan no salió como tenían previsto, de un modo u otro Vogel acabó pagando por sus crímenes.

El equipo formado por los tres agentes arriesgó mucho y pagó un alto precio para cumplir aquella misión, pero ¿de verdad la cumplieron? Ahora que la presentación de un libro conmemora su proeza, el pasado regresará a sus vidas para saldar una deuda pendiente…

A caballo entre el drama y el thriller, Madden nos trae una historia de espías que va un poco más allá de la intríngulis que nos plantea la sinopsis, es decir, más allá del interés por descubrir qué es exactamente lo que ocurrió en aquella misión que implicó a los tres agentes protagonistas. De hecho, podríamos decir que la cinta explora más bien las repercusiones que aquella misión tuvo y tendrá treinta años después de su desenlace.

Para ello, el director va dando saltos en el tiempo, de los 90 a los 60, para contarnos los acontecimientos que tienen lugar en el presente, con una Rachel y unos Stephan y David ya retirados; y los que transcurrieron en el pasado, mostrándonos el proceso de gestación y de ejecución de la misión.

Treinta y un años atrás, Rachel no tenía más que 25 años, y aunque era una agente muy bien entrenada, la captura de Dieter Vogel suponía su primera misión de campo. Para alcanzar su objetivo, debía formar equipo con dos agentes más, David y Stephan, quienes ya habían trabajado juntos en anteriores ocasiones. Dentro del plan elaborado, a ella le tocaba jugar un papel decisivo, a la vez que espinoso.

Rachel va recordando paso a paso aquellos lejanos días y así el espectador es testigo directo de los hechos que tuvieron lugar en el Berlín de mediados de los sesenta.

Los guionistas se han centrado muy especialmente en la psique de los personajes, explorando sobretodo las tensiones (de todo tipo) que se producen entre los agentes y la presión a la que éstos están sometidos cuando tienen en su poder a un maniatado Dieter Vogel, quién no duda en introducirse en la conciencia de sus captores y jugar con sus pensamientos y sentimientos para tratar de encontrar una salida a su encierro.

La historia fluye con solidez gracias tanto al buen hacer de Madden tras la cámara, prescindiendo de efectismos e intercalando con habilidad los continuos flashbacks (destreza en el montaje que ya pudimos apreciar en la antes mencionada “Proof”), y gracias también al trabajo de sus guionistas (entre ellos, el amigo Mathew Vaughn), que construyen un thriller amparado en la psicología (miedos, remordimientos, deseos…) de sus personajes y en las dudas sobre la ética y la moral que plantean sus actos.

Si el nombre que más suena en esta crítica es el de Rachel, es porque la trama gira sobre todo a su alrededor. Y es de agradecer, pues, que todo ese peso recaiga en una excelente intérprete como es Helen Mirren (aunque la Rachel madura aparezca menos en pantalla que su versión joven), y en una más que prometedora actriz en alza, Jessica Chastain. Sus interpretaciones hacen que la parte femenina del reparto sea la más destacable y elogiable, sin por ello menospreciar el trabajo de actores como Jesper Christensen (estupendo en la piel del frío y calculador Cirujano de Birkenau), Marton Csokas o ese gran secundario que es Tom Wilkinson.

Probablemente, los mejores momentos de la película estén protagonizados por Chastain, Christensen y Mirren, con lo cual, habría que destacar las angustiosas horas que transcurren en el piso franco y el tenso tramo final. Y que nadie se deje llevar por la imagen del cartel, porque aquí tiroteos, los justos y necesarios.

El titulo que ostenta (esta vez, bien traducido para su exhibición en España) retrata a la perfección lo que liga a los agentes con lo acontecido en Berlín. Una deuda no sólo personal sino también política que pesa sobre ellos y que se hace más palpable cuando se esclarece el misterio que el argumento nos plantea desde el inicio.

“La deuda” es un thriller reflexivo muy bien construido, de esos que al terminar la proyección te dejan con buen sabor de boca. Merece la pena.

Valoración personal:

“Cowboys & Aliens” (2011) - Jon Favreau

2011-09-01T18:07:00.011+01:00

critica Cowboys & Aliens 2011 Jon Favreau

Los seres venidos del espacio exterior, comúnmente llamados alienígenas, han tenido siempre un papel relevante dentro de la ciencia-ficción. En el medio cinematográfico, su presencia fue muy popular durante la década de los 50, especialmente en el ámbito de la serie B. Su aparición en las películas estadounidenses solía estar muy ligada al conflicto de la Guerra Fría, motivo por el cual a menudo eran representados en clave de monstruos subyugadores.

Desde ese punto de vista, y asumiendo que dicho trasfondo fue perdiéndose con el paso de los años, el cine nos ha dejado multitud de ejemplos sobre este subgénero. Los extraterrestres malignos han llegado a nuestro planeta de infinitas formas y bajo distintos aspectos; han venido en grupo y en solitario; han aterrizado en nuestros hogares por accidente y bajo un plan premeditado; han intentado invadirnos y apoderarse de nuestro mundo con sigilo y discreción y con ataques a gran escala, etc. Pero si algo han tenido en común estos monstruos invasores, es que en la mayoría de ocasiones han contado con una tecnología (no sólo armamentística) muy superior a la nuestra, lo que siempre nos ha puesto en graves apuros a la hora de hacerles frente. Y esa tendencia es algo que sigue observándose en las últimas películas que han aterrizado en nuestras carteleras (desde Independence Day hasta Skyline o Battle: L.A.) y en las que están por venir (Battleship, The Darkest Hour). Y el medio televisivo tampoco ha sido ajeno a ella, como demuestran series como “V, los visitantes” (la original ochentera y su remake) o la más reciente “Fallling Skies”.

Dicho esto, la película que nos ocupa se mantiene fiel a ese aspecto, pero si por algo destaca por encima del resto es, básicamente, por su contexto, ya que en esta ocasión, y como bien se deduce por su explícito título, la acción transcurre en el lejano oeste, una época poco dada a sufrir invasiones alienígenas.

1873. Territorio de Arizona. Un desconocido (Daniel Craig) sin recuerdos de su pasado tropieza en el desierto con la hosca villa de Absolution, una ciudad minera en decadencia. La única pista de su historia es un misterioso grillete sujeto en una de sus muñecas. Sin apenas tiempo para esclarecer los hechos, pronto se topa con la autoridad de Absolution y con el coronel Dolarhyde (Harrison Ford), quién tiene al pueblo sumido bajo su mando.

Transcurridas apenas unas horas, y con todo en su contra, pronto un hecho tendrá lugar en Absolution que cambiará su destino y el del resto de sus habitantes.

Lo último de Jon Favreau como director (responsable en dicha faceta de cosas tan dispares como Elf, Zathura o las dos partes de Iron Man) está basado muy libremente en la novela gráfica homónima escrita por Fred Van Lente y Andrew Foley. Y digo “muy libremente” porque lo único que tienen en común cómic y película es la localización y el enemigo invasor, ya que por lo demás -historia, personajes y diseños conceptuales (ya sean de las naves o del aspecto de los alienígenas)- se parecen lo que un huevo a una castaña. Por tanto, digamos que los guionistas (Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof y cía) lo que han hecho ha sido inspirarse en el concepto que da título al cómic y llevarlo a su propio terreno, creando una trama totalmente nueva y distinta de que la se puede leer en papel. Y quizás sea mejor así, ya que el material de partida es bastante mediocre (en todos los aspectos), y mantenerse fiel a él posiblemente hubiera dado lugar a una cinta mucho peor que la que aquí tenemos.

Todo empieza con nuestro protagonista desorientado en medio del desierto. No recuerda quién es ni cómo ha llegado hasta allí, por lo que iniciará un viaje en busca de respuestas. El camino le lleva hasta Absolution, pueblo donde surgirán sus primeros problemas, viéndoselas primero con un joven malcarado y luego con la ley del lugar. Sin embargo, ellos serán la menor de sus preocupaciones en el momento en el que desciendan del cielo, a una velocidad asombrosa y con unas luces cegadoras, unos extraños objetos volantes que comienzan a atacar el pueblo y a llevarse capturados a sus indefensos lugareños.

En ese preciso instante se activa el brazalete que el forastero lleva en la muñeca, descubriendo así que es un arma de gran poder que le sirve para hacer frente a unos atacantes cuyo armamento es muy superior a sus rudimentarios revólveres y rifles.

Finalizado el ataque, el desmemoriado pistolero unirá fuerzas con Dolarhyde y sus muchachos y más gente del pueblo para ir tras el enemigo y rescatar a sus amigos y familiares. Y es que a pesar de las reticencias iniciales y de su enemistad, la única posibilidad de enfrentarse con éxito a esos “demonios” es luchando unidos.

La idea de mezclar vaqueros con alienígenas es algo que a muchos les puede resultar chocante o ridículo (tanto como pueda resultarlo el argumento de cualquier película de superhéroes, dicho sea de paso), pero para otros es algo de lo más sugerente, especialmente para un servidor, dado que el western y la ciencia-ficción son dos de mis géneros favoritos. Sin embargo, es evidente que dichas mezclas no son fáciles de llevar a la gran pantalla con buenos resultados y mucho menos con éxito taquillero, y producciones como “Wild Wild West” o “Jonah Hex” son testimonio fidedigno de lo mal que puede sentarle la fantasía al género de “indios y vaqueros”. Y aunque esta “Cowboys & Aliens” no llega, en mi opinión, al nivel de mediocridad de las citadas, no es menos cierto que no aprovecha tampoco todas las posibilidades que ofrece su premisa.

Lo bueno que tiene la película de Favreau es que se acerca a la vertiente western con bastante respeto y fidelidad, sin incluir detalles estridentes que rompan con la representación más o menos icónica del género. A excepción, claro está, de aquellos elementos que están estrechamente relacionados con la parte fantástica de la trama (léase el brazalete que porta Craig, por ejemplo). Así pues, no tenemos artilugios (rollo steampunk) fuera de lugar ni personajes que desentonen en exceso, sino que estos últimos, por ejemplo, responden a los habituales arquetipos del cine del oeste, sólo que embutidos todos ellos dentro de una inusual invasión alienígena.

Quizás lo que más sorprende es que, dado el punto de partida del argumento, la película se tome bastante en serio a sí misma. Hay lugar para un poco de humor, desde luego, pero en su mayoría se trata de una propuesta bastante mesurada y escrupulosa, sin grandes aspavientos ni excentricidades.

El ritmo es bastante relajado, sin muchas prisas por acelerar los acontecimientos, conscientes seguramente de que el guión en sí tampoco da para mucho más, y tomándose algo de tiempo para incidir en los personajes. Desgraciadamente, estos personajes son, en líneas generales, bastante planos.

El que fuera –y sigue siendo- el último James Bond cinematográfico, interpreta aquí a un pistolero más chulo que un ocho; un tipo duro y parco en palabras que se pasa la mayor parte del tiempo con cara de poco amigos. Craig, que es un buen actor (y recordemos que llegó al proyecto en sustitución de Robert Downy Jr.), no puede hacer mucho más que aportar su carácter y su intimidante presencia para solventar un personaje que goza del carisma justo (justito) para llevar a cuestas el protagonismo de la cinta. Da la sensación que han querido acercarse al Clint Eastwood en los westerns de Sergio Leone, pero se han quedado en la superficie. De todos formas, al tipo no hay quién le tose, y eso nos gusta.

El personaje de Harrison Ford quizás sea el único con algo de matices, como iremos viendo a lo largo del metraje. Y es que aunque al principio le veamos como un villano, realmente no deja de ser también otro tipo duro que se ha hecho a sí mismo; un guerrero que ha librado muchas batallas y alguien que bajo esa coraza de hombre rígido y autoritario esconde también un corazoncito.

Que a nadie le extrañe, pues, que el mayor villano en esta cinta sean los alienígenas. El mano a mano entre personajes rivales frente a una misma causa es algo que ya se intuía en el tráiler. Incluso aparecen indios para asentar el famoso dicho de “el enemigo de mi enemigo, es mi amigo”.

Del resto de personajes e intérpretes poco se puede decir porque la mayoría están sangrantemente desaprovechados. Sam Rockwell y Clancy Brown son algo así como la conciencia del grupo, pero su aportación es mínima. El bueno de Keith Carradine, curtido en westerns a lo largo de su filmografía (Forajidos de leyenda, Will Bill, Deadwood…), aparece minutos contados, al igual que Walton Goggins o el joven Paul Dano. Y la guapa Olivia Wilde no pasa de “cara bonita” con un personaje insulso (aunque ella también tiene su parte de culpa) del que es necesario saber mucho más de lo que nos cuentan (sabemos de dónde vino –más o menos- y por qué, pero no cómo ni cuándo), a tenor del importante papel que juega en la trama.

Respecto a los aliens, su tecnología y su aspecto son bastante genéricos, aunque cuentan con un detalle anatómico muy particular. Por lo demás, están bien recreados digitalmente, pero da la sensación que a ellos también se les podría haber sacado más provecho. Además, se justifica su presencia en la Tierra por un motivo en concreto que tampoco termina de explicarse demasiado en profundidad (SPOILER-- sabemos que vienen en busca de oro, pero no estaría demás decirnos para qué lo utilizan, ya que suponemos debe ser suficientemente importante como para ir de planeta en planeta -- FIN SPOILER)

Las escenas de acción, aunque bien llevadas, no son especialmente espectaculares, y eso, para un filme que ha costado la friolera de 160 millones de dólares (aprox.), es un tanto pecaminoso (que me aspen si sé dónde ha ido a parar tanto dinero).

Quizás si hablásemos de un producto de serie B podríamos darnos por satisfechos, pero con semejante presupuesto, reparto y premisa, es evidente que deberíamos pedirle un poquito más de lo que finalmente nos ofrece: un correcto aunque poco estimulante entretenimiento. Con un guión y unos personajes menos ramplones, y algo más de ambición, esta invasión alienígena en pleno siglo XIX podría haber dado mejores frutos, por lo que es mejor acudir a ella sin demasiadas expectativas. Por supuesto, si ya el argumento de por sí os produce recelo o directamente rechazo, quizás sea mejor que os la ahorréis.

P.D.: ¿Soy el único que se acuerda de “Las aventuras de Brisco County Jr.”, serie que protagonizó Bruce Campbell allá por los 90, y en la se mezclaba también el western con la ciencia-ficción?

Valoración personal:

“Destino final 5” (2011) - Steven Quale

2011-08-25T15:43:00.012+01:00

critica Destino final 5 2011 Steven Quale

No deja de ser curioso que lo que empezó siendo un guión descartado para un capítulo de “Expediente X” haya terminado convirtiéndose una de las sagas de terror más rentables de los últimos años. La película que lo empezó todo fue “Destino final”, una especie de slasher en el que el asesino era la mismísima Muerte, la cual ni tan siquiera aparecía físicamente en pantalla (aunque se llegó a plantear) sino que se sugería su presencia mediante una sombra o una leve brisa. En su momento, la cinta del debutante James Wong (El único, Dragonball Evolution) supuso un soplo de aire fresco dentro de un género, el de terror, en el que escaseaban las ideas originales. Por supuesto, semejante apuesta se tradujo en éxito taquillero, y con ella New Line Cinema encontró franquicia para rato.

Tres años más tarde se estrenaría la primera secuela, que aún siendo inferior a su predecesora, contaba con la que, aún a día de hoy, es la secuencia catastrófica más espectacular de la toda la saga (me refiero, claro está, al accidente en la autopista)

Luego Wong regresaría los mandos de la dirección para rodar una tercera entrega en la que el bajón de calidad se notaba aún más. Y es que la idea original ya olía a chamusquina, y aunque contaba con algún que otro apunte interesante (lo de las fotos premonitorias tenía su aquél), lo cierto es que todo resultaba demasiado paródico. Aún así, no se alejaba mucho de la anterior secuela y lograba hacerte pasar el rato (de hecho, creo que esa es una de las mayores virtudes de la saga, pese al sucesivo empeoramiento de la misma).

Pero entonces llegó una cuarta entrega de la mano del director de la segunda, David R. Ellis, y quedó constatado que la franquicia había ido de mal en peor. Personajes insulsos (cuando no, repelentes), muertes cada vez más absurdas, rocambolescas e imposibles (señores directores, la gente no explota cual globos de agua cuando algo les golpea, por muy fuerte que sea el golpe); y lo peor, la entrada en la moda del 3D, que además de encarecer el presupuesto, provocó que tuviera unos efectos especiales –vistos en 2D- realmente bochornosos. Por tanto, lo único rescatable eran sus originales créditos iniciales, que hacían un repaso a las muertes de los anteriores capítulos. Sin embargo, y pese al consenso general de que la cuarta era la peor de todas y de que la saga había tocado fondo, ésta última fue también la más taquillera (gracias, por supuesto, al añadido estereoscópico), y ese es el principal motivo por el cual es uno de los estrenos de este año.

Sam Lawton (Nicholas D'Agosto) se encuentra de viaje en autobús con sus amigos y compañeros de trabajo cuando de repente tiene una premonición sobre la destrucción del puente colgante que están a punto de cruzar. En la premonición, Sam vislumbra su propia muerte y la de otras personas que le acompañan. Cuando la visión está a punto de hacerse realidad, Sam se las arregla para salvarse a sí mismo y a algunos de sus compañeros de la catastrófica tragedia. Sin embargo, el joven pronto descubrirá que lo único que ha conseguido es retrasar lo inminente, ya que La Muerte estará al acecho para terminar con lo que había empezado.

A estas alturas, a nadie le va a sorprender el argumento, ya es que es lo mismo que ya se ha visto en las anteriores entregas (con guiños a éstas incluidos), y tampoco es que nadie vaya a esperarse otra cosa. Así pues, tenemos a un nuevo grupito de, en su mayoría, adolescentes que sufrirán la persistente persecución de La Muerte tras librarse de un accidente mortal. En este caso, dicho accidente transcurre en un puente colgante, y como era de esperar, es la parte más espectacular de la película (tanto la primera vez, dentro de la premonición del protagonista, como cuando sucede en la realidad y logran escaparse por los pelos). Y nuevamente, somos testigos de brutales muertes a consecuencia de empalamientos y aplastamientos (dos de las más recurrentes de la saga), entre otras variantes mortales.

Hay que apuntar que llegó a construirse una sección del puente para rodar dichas escenas, de modo que lo que vemos en pantalla es una mezcla de decorado y efectos digitales, los cuales son bastante correctos. Quizás cuando los objetos (vehículos, partes del puente, etc.) caen al agua el resultado esté mucho menos logrado, pero por lo demás, cumplen con su parte de pirotécnica… o por lo menos vistos en 3D, ya que éste suele “camuflar “ muy bien los defectos, así como a su vez provoca una inevitable bajada en la calidad de los mismos con tal de realzar el efecto volumen. Y es que este tipo de producciones están mucho menos cuidadas que esos grandes blockbusters en los que la diferencia de público asistente en salas 2D y 3D no es tan abismal (y no me refiero a la calidad del 3D en sí, si no a la dupla FX&3D). Además, el 3D en este caso es el habitual de este género y, por tanto, consiste más que nada en salpicar de sangre al espectador y acercarle o lanzarle al rostro objetos cuanto más punzantes, mejor. Dicho esto, los que disfruten de este tipo de trucos de feria, seguramente paguen a gusto esos euros de más que cuesta la entrada.

Pasado el tramo de apertura, vamos viendo quienes caen a manos de La Muerte y quiénes van librándose. Y para librarse de ella primero hay que entender lo que ocurre y, segundo, hay que comprender cómo procede La Muerte a la hora de eliminar a sus víctimas. En la primera película, el descubrimiento era parte de la deducción del protagonista y parte de la escueta información que le daba el misterioso enterrador encarnado por Tony Todd (más conocido como Candyman, el fantasma del espejo). Y muchos se alegrarán al saber que aquí se vuelve a rescatar a este personaje (que ya repitió en la segunda), por lo que los protas ya no tendrán que informarse sobre sucesos similares en el pasado para entender lo que les está sucediendo.

Otra novedad es que aquí el guionista Eric Heisserer (responsable del mediocre remake de “Pesadilla en Elm Street” y de la inminente precuela de “La Cosa”) se ha sacado una nueva regla de la chistera (basándose un poco en una norma citada en” Destino final 2”). Obviamente, no voy a desvelar en qué consiste esta regla para evadir a La Muerte, pero hay que reconocer que da bastante juego y se le saca partido sobre todo en el último tramo de la cinta. Probablemente ésta sea la mayor aportación de “Destino final 5” a la franquicia, además de su sorpresivo desenlace, el cuál le da un sentido especial y diferente a una secuela que, de algún modo, cierra un ciclo iniciado hace ya once años. Claro que eso no significa que este sea el punto y final, ya que si sigue funcionando en taquilla, el estudio no tardará mucho en convertirla en un punto y aparte para seguir exprimiendo lo que ya no da mucho más de sí.

Y es que con el paso de las entregas se ha pasado del terror con unas gotitas de humor negro a la (casi) comedia de terror con un alto grado autoparódico. La primera película de Wong era bastante más seria y, en cierto modo, aterradora, y las muertes estaban elaboradas dentro esa dualidad entre realismo y fantasía en la se movía la película. Es más, había una trama que se desvelaba poco a poco con su pertinente suspense, y había también unos personajes mínimamente interesantes con los que empatizar. Pero desde la segunda (y más acentuado en las siguientes), esto ha pasado a ser simplemente un festín de muertes gore y rocambolescas y personajes estúpidos a los que les deseamos la muerte nada más empezar. Por tanto, creo que la predisposición frente a la saga también ha cambiado y ya nadie espera encontrarse una buena película de terror sino un divertimento sangriento y desfasado. En ese sentido, esta Destino Final 5 cumpliría con esas exigencias, ya que no se libra de ofrecer muertes delirantes (dudo yo de la fragilidad de la ventana de un edificio por un simple tropiezo –que no empujón- o de la facilidad con la que un ojo se sale de la córnea; y eso por no hablar del extraño resultado de una caída un tanto aparatosa), así como también de personajes execrables como el jefe de la empresa o el empleado obsceno, que se lleva la palma como el personajes más ridículo e irritante de todos los que han ido apareciendo en las cinco películas.

Queda patente que sus responsables no se toman demasiado en serio la película. No hay más que ver el cachondo vídeo promocional (una suerte de “Salvados por la campana + Destino final” en clave de parodia musical) para darse cuenta de la guasa con la que les gusta resolver las muertes (cuanto más cazurras sean éstas, mejor). Y es que lo rebuscado de la ejecución (los tejemanejes que La Muerte se monta para coger desprevenidas a sus víctimas) sigue siendo más interesante que el resultado final, es decir, que la muerte en sí, por mucho 3D que nos metan. Y el debutante Steven Quale lo sabe y por ello intenta crear algo de tensión en esos breves instantes.

Lo extraño es que el propio Heisserer nos endiñe de por medio una empalagosa historia de amor entre la pareja protagonista, que más que darle profundidad a la trama lo que hace es estorbar de mala manera.

Con todo, es evidente que existe una mejoría respecto a la cuarta entrega. A la hora de “contar más de lo mismo”, esto se puede hacer bien o se puede hacer mal, y Quale (director de segunda unidad de James Cameron en películas como Avatar”) logra divertir al espectador a sabiendas de lo agotado que está su producto.

Si figura entre las películas recomendadas del 2011 es porque seguramente dejará satisfechos a los fans de la saga. Además, el tramo final hace que la cinta gane enteros, por lo que quizás sí sea la mejor secuela desde la original, aunque siga estando a años luz de aquella.

P.D.1: Miles Fisher, uno de os jóvenes protagonistas, es el mismo que parodiaba (a la perfección) a Tom Cruise en un sketch de “Superhero Movie”. De hecho, el actor es un cruce entre el militante de la cienciología y Christian Bale, y en el vídeo musical –que no en la película- demuestra nuevamente su vis cómica.

P.D.2: En los créditos iniciales se hace un repaso de algunos de los objetos que La Muerte ha empleado para aniquilar a sus víctimas, mientras que en los finales vemos directamente las escenas de muchas de esas muertes. Si no contamos las de ésta última, la cifra ronda el medio centenar.

Valoración personal:

“Super 8” (2011) – J.J. Abrams

2011-08-19T14:40:00.011+01:00

critica Super 8 2011 J.J. Abrams

Empezó a despuntar en la década de los setenta, y en los ochenta ya se había ganado el título de “el Rey Midas de Hollywood”. Sí, Steven Spielberg, ese cineasta que con “Tiburón” demostró que el cine comercial podía ser de calidad y, además, hiper taquillero, pasó a convertirse en una de las más poderosas e influyentes figuras de la industria cinematográfica de Hollywood no sólo en su labor como director sino también en la de productor. Gracias a esta última faceta le debemos películas que han marcado la infancia/adolescencia de toda una generación: “Gremlins”, “Los Goonies”, “Regreso al futuro” “El chip prodigioso”, “El secreto de la pirámide”, “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, “Nuestros maravillosos aliados” (tristemente muy olvidada) o “Poltergiest" son algunas de las más memorables y recordadas. Además fue también el impulsor de una de las series televisivas más entrañables de la época: “Cuentos asombrosos”.

A todos nos emociona recordar estas joyitas exponentes de lo que fue el cine de los 80 y de cómo debía de ser el buen cine de entretenimiento. Y es que al fin y al cabo, esa fue una década gloriosa para el cine comercial (a tanto remake actual me remito), sabiendo aunar calidad y originalidad, dos aspectos fundamentales (especialmente el primero) que día de hoy escasean como el hielo en el desierto.

Y aunque actualmente Spielberg no sea ni la sombra de lo que una vez fue (al menos como productor), aún hay quién se acuerda con cariño y admiración de todo ese cine setentero y ochentero del que fue responsable y que tanto nos marcó. Quizás por ese motivo, y porque está encantado de haberse conocido, el director/productor/guionista haya decidido abalar el proyecto de otro director/productor/guionista llamado J.J. Abrams, muy popular gracias a sus series para televisión (entre ellas, Perdidos, como no), y que ha decidido rendir homenaje a todo ese cine a través de su última incursión tras las cámaras.

En el verano de 1979, un grupo de jóvenes de un pequeño pueblo de Ohio son testigos de un choque de trenes catastrófico mientras ruedan una película casera en Super 8. Cuando empiezan a sucederse una serie de desapariciones irregulares y eventos inexplicables, los chicos sospecharán que hay gato encerrado tras el accidente y tratarán de descubrir la verdad.

Al margen de la mayor o menor calidad de sus producciones, si algo sabe hacer Abrams a la perfección es captar nuestra atención gracias, sobre todo, al buen manejo de la publicidad y sus campañas virales. Obviamente, eso es algo que también puede jugar en su contra y pasarle factura, como le ocurrió con “Monstruoso” (película que produjo), donde creó unas elevadas expectativas que luego muchos (entre los que no me incluyo) no vieron satisfechas. De todas formas, el caso de Super 8 es muy diferente, ya que juega con un elemento aún más poderoso: la nostalgia.
La película rinde homenaje al cine de Spielberg con la mirada puesta muy especialmente en E.T. El Extraterrestre, y reconstruye ambientes, lugares, situaciones y personajes que forman parte de ese colectivo de películas antes mencionadas.

En este caso, nos encontramos ante un film familiar en donde los principales protagonistas son los niños, quedando los adultos en un segundo plano.

La pandilla de amigos está unida por una misma afición, el cine. Juntos deciden rodar una película (atención al género al que pertenece y, por ende, al director homenajeado) con su cámara de vídeo de 8mm, y cada uno tiene su función: Joe, el más callado del grupo (y que recientemente ha perdido a su madre en un terrible accidente), se encarga del maquillaje; Charles, el comilón, es el director y guionista de la película; Cary, el flipado de los petardos, se encarga de los efectos especiales; Martin interpreta al valiente protagonista, aunque en la vida real es bastante miedica; Preston forma parte también del reparto; y finalmente está a Alice, a la que convencen para participar como la partenaire de Martin.

Los seis se dirigen, de madrugada, a la estación de tren del pueblo para rodar una de las escenas dramáticas de su película. Allí serán testigos del brutal accidente ferroviario que será el desencadenante de los extraños incidentes que se irán produciendo a posteriori.

Jackson Lamb, el padre de Joe y ayudante del sheriff, también empecerá a sospechar que algo raro está ocurriendo cuando el ejército tome el pueblo sin que le den explicaciones convincentes de lo que está ocurriendo.

En ese preciso instante es cuando Abrams juega sabiamente con los elementos a los que referencia pero introduciendo poco a poco el factor “bicho malo” a medida que el misterio se va esclareciendo. De este modo, nos planta una especie de monster-movie mezclada con la aventura juvenil pura y dura. Y todo aderezado con unas pinceladas dramáticas (muy sutilmente introducidas al inicio) que se centran sobre todo en el conflicto personal que implica a Joe y Alice, la pareja protagonista, y sus respectivos padres (Jackson y Louis Dainard, éste último algo así como el borracho del pueblo)

Durante este tiempo, la película funciona de maravilla, consiguiendo que le cojamos cariño a los jovenzuelos y creando en nosotros una notable incertidumbre hacia la carga que transportaba el accidentado tren. Y ahí hay que destacar de nuevo la capacidad de Abrams por haber mantenido bien oculta no sólo la apariencia del monstruo (tanto antes del estreno de la película como en el transcurso de la misma) sino también el verdadero rumbo que toma la trama. Sin embargo, la sensación general es que va de más a menos.

Justo cuando la acción cobra protagonismo, algunas decisiones del guión empiezan a chirriar un poco… El enfrentamiento entre Joe y Charles del que bien se podría haber prescindido (o justificarlo con otro causa); el conflicto entre Jackson y Louis que se resuelve de un plumazo y de forma bastante ingenua; o la secuencia heroica entre Joe y el monstruo, que resulta un tanto inverosímil (SPOILER --- cuesta de creer que el alienígena, cabreado como está y que no duda en secuestrar y cepillarse a quién sea sin importar su edad o su sexo, se plante a escuchar las razonables palabras de un crío al que está a punto de hacer pedacitos, sin que antes el guionista –el propio Abrams- haya decidido establecer un vínculo entre el niño y la bestia, cosa que sí justificaría semejante resolución --- FIN SPOILER).

De todas formas, estos detalles no empañan el resultado final, si bien, en mi opinión, el conjunto no resulta tan emocionante como cabría esperar. ¿Por qué? Bueno, porque los ochenta fueron una época maravillosa pero única, y por mucho cariño y sentido del homenaje que se ponga, es muy difícil copiar una fórmula que era fruto del momento y que en gran parte funcionaba gracias a la inocencia y capacidad de sorprenderse del espectador, algo que hoy en día es mucho menos frecuente. Y también porque la copia, entre comillas, es difícil que transmita las mismas sensaciones que la original, ya que aquí no se está jugando con la novedad sino con la repetición y, por ende, con el factor nostálgico.

Precisamente es esa nostalgia la que está influyendo sobremanera en las opiniones vertidas sobre la película y la que probablemente esté inflando tanto las críticas más allá de sus verdaderos logros. Cierto que Super 8 nos transporta hacia una/s década/s mágica/s, y que rescata al niño más o menos impresionable que llevamos dentro, pero el resultado final no es ni mucho menos tan sumamente sublime y fascinante como se nos pinta. Es un estimable y entrañable entretenimiento, sin duda alguna, y sus aciertos están ahí, pero recomendaría ajustar un poco las expectativas para disfrutar plenamente de ella y, sobre todo, para valorarla luego en su justa medida.

Dicho esto, hay que destacar secuencias espectaculares como el accidente de tren (rodada desde el punto de vista de los niños y, por tanto, nada que ver con la versión mostrada en el primer teaser tráiler), y otras que son muy “spielberianas”, como el intenso tramo que transcurre en el autobús con los militares y los niños; muy deudor de la saga jurásica.

Gran parte de las escenas en las que interactúan los niños logran nuestra inmediata empatía gracias especialmente al buen hacer de su reparto (todos los críos están muy naturales, sin que resulten repelentes, como suele ser habitual) Y aquí habría que hacer un breve inciso para destacar a Elle Fanning, que se come la cámara con prácticamente cada escena, dejando muy atrás a sus compañeros. Y es que se nota que las Fanning llevan la interpretación en las venas, aunque esperemos que la -ya no tan- pequeña Ellen no se desvíe cuando alcance la adolescencia en su plenitud y sepa elegir bien sus futuros trabajos para labrarse una buena carrera como actriz.

El reparto adulto está exento de grandes figuras de Hollywood, lo que ayuda a no eclipsar a la chavalería. Pero lo importante es que entre sus filas hay gente tan cumplidora como Kyle Chandler o Noah Emmerich, y con eso es suficiente (aunque se eche de menos mayor protagonismo del que Abrams les otorga)

En temas más técnicos, la película cumple sobradamente a la hora de ambientarnos a finales de la década de los 70, y además los efectos especiales son competentes. La banda sonora (con ecos a lo Cloverfield y E.T.) del siempre genial Giacchino es excelente… si se escucha por separado, ya que durante la película pasa un poco desapercibida, en parte porque se recurre frecuentemente a temas musicales de la época (muy bien escogidos, eso sí, como el Don't Bring Me Down de ELO)

En resumidas cuentas, “Super 8” es una apreciable y entretenida aventura familiar con un puntito más terrorífico que de costumbre y que de paso nos habla también de la amistad y del primer amor, así como del miedo a lo desconocido y del peso de la culpa. Pero ante todo, es un ejercicio de nostalgia en toda regla que homenajea al cine de la factoría Amblin. Y esa es su mayor valía junto a su sencillez.

P.D.: Imprescindible quedarse durante los créditos finales.

Valoración personal:

“El origen del planeta de los simios” (2011) - Rupert Wyatt

2011-08-06T12:28:00.006+01:00

critica El origen del planeta de los simios 2011 Rupert Wyatt

Basada en la novela del escritor francés Pierre Boulle (autor también de “El puente sobre el río Kwai”), “El planeta de los simios” (dirigida por Franklin J. Schaffner) nos contaba cómo un grupo de astronautas acababan en un planeta desconocido después de tener que realizar un aterrizaje forzoso. Para su sorpresa, lo que en principio parecía un planeta desolado, en realidad estaba habitado por una sociedad de simios inteligentes que en su condición de especie dominante habían esclavizado a una raza humana salvaje e incivilizada. A partir de ese momento empezaban los problemas para el bueno de Charlton Heston, uno de los tripulantes de la nave espacial y principal protagonista de esta historia.

La película, convertida merecidamente en un clásico del cine, fue todo un éxito en su momento, tanto de público como de crítica, y eso propició que surgieran no sólo las inevitables secuelas (cuatro en total, y que fueron a peor de forma progresiva) sino también un par de series de televisión (una con Roddy McDowall repitiendo su papel de Cornelius y la otra de animación)

Tras exprimir al máximo la historia concebida por Boulle, ningún simio parlante volvió a asomarse a la gran pantalla hasta que en 2001 –y tras varios intentos fallidos a lo largo los noventa- se estrenara un remake a cargo de Tim Burton. Y por descabellada que pudiera ser la idea, lo cierto es que económicamente la jugada no les pudo salir mejor tratándose del remake de un clásico. Con 100 millones de presupuesto, el filme recaudó mundialmente un total de 362. Ahora bien, las críticas ya fueron harina de otro costal; la prensa especializada la vapuleó y el público tampoco es que tuviera mejor opinión de ella.

Con semejante panorama, y tras el rechazo de Burton de hacerse cargo de la secuela, al final los planes del estudio de continuar con la reiniciada franquicia se fueron al traste. Y esto nos lleva hasta la actualidad, momento en el que se estrena “El origen del planeta de los simios”, que como ya se deduce por el título, no se trata de ninguna secuela del clásico de Heston y Schaffner (menos aún de la versión de Burton) sino de una precuela.

Will Rodman (James Franco) es un científico que trabaja para una gran corporación farmacéutica, Gen-Sys, dirigiendo una investigación genética que desarrolla un virus benigno para recuperar el tejido deteriorado del cerebro humano. Will intenta encontrar una cura para el alzhéimer, enfermedad que padece su padre, Charles (John Lithgow), utilizando a los simios como cobayas. Pese a sus avances, el proyecto se paraliza debido a la supuesta inestabilidad del virus, motivo por el cual Will decide seguir investigando desde casa junto con Caesar, el único simio superviniente del proyecto. Pero para su sorpresa, el fármaco está produciendo unos resultados inesperados, y Caesar empieza a experimentar una evolución tan notable que terminará por cambiar el transcurso de la historia…

Siempre que se anuncia una precuela me surge la misma duda: ¿Para qué?; ¿Para qué contar los orígenes de algo que, a priori, no tiene necesidad alguna de que nos sea revelado?; ¿Por qué acabar con el misterio o con la posibilidad de dejar volar la imaginación del espectador? La respuesta es sencilla y casi siempre es la misma: por dinero. Cuando el remake o las secuelas ya no dan más de sí, se tira de precuela y vuelta a empezar.

Por eso, cuando se anunció la precuela del clásico de Heston, la mayoría no tenía muchas expectativas puestas en el proyecto, menos aún después del estropicio perpetrado por Burton diez años antes. Y aunque los primeros tráilers hicieron cambiar de opinión a muchos, servidor seguía exceptivo por precaución. Y esa precaución me ha hecho toparme con la primera agradable sorpresa del verano.

Si alguno se preguntaba cómo llegaron los simios a dominar la Tierra y a esclavizar a los humanos, aquí tiene la respuesta. Y como no podía ser de otra forma, el culpable (indirecto) de todo es un humano que responde al nombre de Will Rodman. En su favor hay que decir que su causa es de lo más noble, y que en ningún caso estamos ante el típico científico que juega a ser Dios sino ante uno que intenta encontrar la cura a una enfermedad que le toca muy de cerca.

Will experimenta con un virus llamado ALZ 112, el cual parece ser el resultado definitivo de años y años de estudio. Desgraciadamente, a raíz de un mal entendido, y tras un pequeño accidente con uno de los especímenes, el proyecto se va a tomar viento, y es a partir de ese momento cuando todo toma un nuevo rumbo.

Caesar es el fruto de una simio con la que Will trabajaba, y éste ha heredado los genes de su progenitora mejorados por el ALZ 112. Esto le confiere al pequeño primate una inteligencia fuera de lo común y que se va desarrollando a un ritmo vertiginoso gracias a la convivencia con Will y su padre. Un entorno afable y familiar influye sobremanera en la evolución de Caesar y lo acerca a un comportamiento cada vez más humano. Y esa humanidad impropia de un simio, esa capacidad de razonamiento, le llevarán a una inevitable rebeldía cuando a ojos de los demás, él y su especie no sean más que animales de zoo o, peor aún, meros instrumentos de laboratorio para que los humanas experimenten sin preocuparse de los sentimientos que ellos puedan albergar en su interior.

En ese sentido, la película se toma su tiempo en presentarnos paso a paso la evolución de Caesar, de modo que logremos empatizar con el simio y entendamos mejor el por qué de su rebeldía.

Le vemos por primera vez cuando no es más que un bebé, y poco a poco asistimos a su crecimiento, tanto físico como intelectual. Y en este punto hay que destacar la destreza de Rupert Wyatt, director con una escasa trayectoria cinematográfica, a la hora de narrar el transcurso de los años de forma rápida pero certera. Y que por muy apresurado que nos pueda parecer, es la mejor forma de ir directos al meollo de la cuestión. A destacar, pues, una secuencia en particular que, si bien no es del todo original (si no recuerdo mal, algo muy similar aparecía ya en el Tarzán animado de Disney), sí resulta de lo más funcional y aclaratoria.

A partir de ahí, ya tenemos al Caesar adulto y el que desencadenará todo el embrollo. Veremos cómo y por qué nace esa rebelión contra los humanos, y se responderá a una pregunta que sobrevuela la cabeza de muchos cinéfilos tras ver el tráiler: ¿cómo pueden “cuatro” monos dominar a toda la humanidad? Pues hay una explicación, y muy bien escogida e hilvanada dentro de la trama. Además, ésta queda perfectamente representada durante el inicio de los créditos finales, lo que demuestra que la sutileza y la economía de minutos y medios es un arma muy poderosa para un director que sabe cómo utilizarla. Y creo que a nivel narrativo y visual, Wyatt goza de buenos recursos y mucha pericia.

Los personajes interpretados por Franco, Lithgow y la guapísima Frida Pinto (en un papel bastante irrelevante, todo hay que decirlo) son nuestro enlace emocional con Caesar (básicamente, el principal protagonista), y en contrapunto, están los “malos” de la película, que se sitúan en distintos frentes; desde el chupatintas interesado únicamente en sacar tajada económica con el ALZ 112 hasta el niñato maltratador de animales (dentro del cliché de “carcelero cabrito”) al que le cogemos manía desde el primer instante en que aparece en pantalla (también puede influir en algunos que hasta hace bien poco fuese Draco Malfoy en Harry Potter)

El sentimiento que, de alguna manera, motiva la rebelión de Caesar es simple y llanamente el ansia de libertad, y eso es algo que queda muy bien retratado en el guión. Y es que por mucho que se hayan esforzado en promocionar la película en base a sus efectos digitales (los mismos empleados para Avatar y bla bla bla), estamos ante una película que no los emplea como un fin en sí mismo sino como un medio para desarrollar la historia que nos quiere contar. La calidad de los mismos es, además, de notable. La expresividad de Caesar y esa facilidad con la que logra transmitir sus emociones al espectador es, sin lugar a dudas, una de sus grandes bazas. Probablemente en planos más generales y en temas de fluidez de movimientos aún quede trabajo por hacer, por lo que no estamos ante un CGI perfecto y mucho menos revolucionario. Aún así, funciona y se justifica por sí solo, dado que hubiese sido muy difícil conseguir que un simio real “interpretase” el comportamiento casi humano que muestra Caesar (porque esto no es “Proyecto X”, aunque se le parezca) y un conjutno de primates realizase algunas de las escenas más espectaculares y peligrosas que se llevan a cabo. Otro gallo cantaría si nos encontrásemos de nuevo ante unos simios humanoides, en cuyo caso creo que el maquillaje seguiría siendo perfectamente válido, como bien se demostró en el remake de Burton (que si de algo podía presumir es de tener un apartado técnico y un diseño de producción fabulosos)

Independientemente de lo innecesarios que pudieran ser estos orígenes (atención a guiños tan ocurrentes como el de la Estatua de la Libertad), hay que reconocer que nos encontramos ante un entretenimiento bien facturado y con corazón, y en el que los efectos especiales son tan importantes como la historia, algo de lo que hoy en día poco cine comercial puede presumir.

P.D.1: A tenor de algunas escenas vistas en los tráilers y que no aparecen en la película, y observando, en un momento dado, cierta mirada muy reveladora que Caesar lanza hacia la jaula vacía de una de las simias del refugio, da la impresión que en la sala de montaje se ha quedado lo que podría ser una pequeña “subtrama amorosa” entre ambos simios.

P.D2.: El tema de experimentar con el ADN de los animales para la regeneración de los tejidos del cerebro humano se pudo ver años antes en “Deep Blue Sea”. Demos gracias a que los tiburones no pueden vivir fuera del agua.

Valoración personal:

“Capitán América” (2011) - Joe Johnston

2011-08-03T09:26:00.007+01:00

critica Capitán América 2011 Joe Johnston

Desde que Marvel Comics empezó a llevar las riendas de sus propias adaptaciones superheroicas, las alegrías para la editorial comiquera se han ido sucediendo una tras otra. En 2008, Iron Man supuso el inicio de una nueva y mejor etapa cinematográfica para los superhéroes de la casa, ofreciendo un entretenimiento (de calidad) que marcaría las pautas a seguir en el resto de adaptaciones y supondría también la primera pieza del entramado universo marvelita que se ha ido engrasando para hacer posible la llegada en cines de “Los Vengadores”, esa (super)película que reunirá a todos los superhéroes (entre otros personajes) que se han ido presentando en solitario y conectando película tras película. Con mayor o menor acierto, hemos visto ya prácticamente a la totalidad del supergrupo, y ya sólo nos quedaba por ver al Capitán América.

1941. En plena Segunda Guerra Mundial, el valiente Steve Rogers (Chris Evans), un joven de apenas 45 kilos de peso, intenta reiteradamente ingresar en las filas del ejército estadounidense para luchar junto a los suyos en la guerra contra las Potencias del Eje. Aunque su frágil y enclenque complexión invita a que rechacen constantemente su solicitud, Steve no se rinde, y por fin su insistencia obtiene recompensa cuando le eligen para ser el primero en formar parte de un programa experimental que lo convertirá en un súper soldado.

Con una mejorada apariencia física y convertido en el Capitán América, Steve unirá fuerzas con su amigo Bucky Barnes (Sebastian Stan) y la agente Peggy Carter (Hayley Atwell), bajo las órdenes del Coronel Chester Phillips (Tommy Lee Jones), para luchar contra la malvada organización HYDRA, la división científica de Adolf Hitler encabezada por el infame Cráneo Rojo (Hugo Weaving).

Como ya he comentado al inicio de la crítica, Marvel ha ido conectando sus personajes para allanar el terreno a Los Vengadores. Primero empezó con unos meros guiños y referencias circunstanciales, para pronto pasar a aumentar la presencia de la división S.H.I.E.L.D. (División Nacional de Intervención, Seguridad y Logística) y cobrar ésta un mayor protagonismo en las tramas. Esto ocurría en Iron Man 2, en la reciente Thor y, por supuesto, también en Capitán América. Sin embargo, el hecho de que la acción transcurra durante la II Guerra Mundial obliga a establecer esos lazos de unión al margen de la trama principal. ¿Y de qué modo se consigue eso? Pues mediante un prólogo y un epilogo que se ubican en la actualidad (amén de algún que otro personaje como Howard Stark –padre de Tony Stark/Iron Man- o el poderoso objeto –un cubo cósmico- que codicia Cráneo Rojo)

Pero el hecho de unificar a todos los personajes en un mismo universo se puede convertir en un arma de doble filo. Y es que eso es bueno y malo según cómo se mire. Bueno porque hace posible la existencia de los Vengadores, una de las traslaciones a la gran pantalla más ansiadas por los fans de los superhéroes y una película que puede convertirse en un gran pelotazo taquillero si se hacen bien las cosas. Malo porque esa dependencia les hace perder, en cierto modo, su individualismo, su propia esencia, su razón de ser por sí solos. Dado que esa dependencia ha ido en aumento, en algunas casos como la secuela de Iron Man ha conseguido hundir la propia película, que con tanto personaje y subtrama de por medio parecía más una precuela de los Vengadores que una secuela del hombre de hierro. No obstante, hay decir que esto no le ocurre de forma tan grave al Capitán América, donde la mayor parte del tiempo asistimos al nacimiento del superhéroe en respuesta a las preguntas básicas habituales (cómo, cuando, dónde y por qué) y a su lucha contra un enemigo único y exclusivo de la trama que aquí nos presentan.

Así pues, tenemos a un joven que de la noche a la mañana, y gracias a un suero especial y al bombardeo de unos “vita-rayos”, pasa a convertirse en un supersoldado dispuesto a luchar por su patria, aunque antes de empezar a partir cráneos nazis tenga que pasar por la humillación de convertirse en un reclamo publicitario (además de un símbolo patriotero) para recaudar fondos para los aliados. Sin embargo, una vez demostrada su valía en el campo de batalla (misión de rescate mediante), veremos al Capitán América en plena acción, con su traje de colores y su indestructible escudo haciendo frente a los esbirros del megalómano Johann Schmidt/Cráneo Rojo.

Los guionistas han sabido moverse dentro de los entandares de Marvel para crear una aventura con sabor a pulp que sabe combinar sabiamente las escenas de transición con las de acción. Además, conectamos inmediatamente con el personaje de Steve Rogers no porque sintamos lástima por él sino por las agallas de las que hace gala pese a su debilucho físico, por su buen corazón y sobre todo por esa estimable integridad y honestidad que le hacen digno de convertirse en el elegido para ser el Capitán América. La presentación del personaje desde que aparece por primera vez en pantalla hasta que se convierte en un soldado hipermusculado está narrada de forma muy amena, sabiendo introducir correctamente al resto de personajes (y son unos cuantos) que conforman la trama, y dándole a cada uno los minutos pertinentes para desarrollar una historia que, aún en su sencillez, se muestra de lo más sólida.

Pese a su irregularidad como cineasta y a la poca confianza que inspiraba en muchos tras el batacazo de “El hombre lobo”, Johnston ha sabido manejar con acierto el encargo que se le ha encomendado, trasladando al personaje de la viñeta a la pantalla sin caer en lo ridículo o en lo ostentoso (patriotismo, el justo y necesario). La película goza de cierto regustillo a aventura añeja gracias no sólo a la época en la que se desarrolla sino también al tradicional y muy comiquero tratamiento de los personajes, a la ejecución clásica y medida de Johnston en las escenas de acción (se nota que es un director de la vieja escuela que no ha sucumbido a las moderneces de hoy día) y al fantástico apartado artístico (caracterizaciones, diseños retro, etc.). Lo dicho, un pulp en toda regla, y con mucha honra.

Las escenas de acción son atractivas y, lo que es mejor, comprensibles para el ojo humano. Además, toda esa pirotecnia está bien distribuida a lo largo del metraje y consta de unos efectos especiales más que convincentes. Quizás en alguna ocasión chirríen un poco (algún que otro croma, por ejemplo, o cuando los soldados de HYDRA salen volando por los aires), pero en otras la calidad es prácticamente impecable (el Steve Rogers enclenque, sin ir más lejos)

Las notas de humor no caen en lo chorra o bobalicón como ocurría en el Thor de Kenneth Brangh (director, irónicamente, de mayor prestigio que el aquí presente) sino que son simpáticas e incluso divertidas (a destacar las frases que suelta el -serio pero bonachón-Coronel) y las secuencias más épicas logran ser emocionantes, ayudadas en parte por la adecuada -si bien funcional- partitura de Alan Silvestri, donde destaca un logrado leit-motiv fácilmente reconocible y tarareable que ya identifica al Capitán (vale que Silvestri no es Williams, pero hace bien su trabajo)

Chris Evans cumple sobradamente como héroe (tanto en lo físico como en lo interpretativo), y está muy bien acompañado por un muy correcto elenco de secundarios donde destacan Tommy Lee Jones y Stanley Tucci en el bando de los buenos, y Hugo Weaving (un crack haciendo de villano) en el de los malos.

Así que con “Capitán América” la diversión está garantizada. Un agradable y satisfactorio entretenimiento pulp y la segunda mejor película de superhéroes del año (ya sabéis cuál es la primera)

P.D.: Tras los créditos os espera el avance de “Los Vengadores”. Y sigo creyendo que esa es la manera idónea -utilizando las escenas post-créditos- de conectar todos los personajes para poder disfrutar de forma individual de sus películas. El desenlace de este “Capitán América” es demasiado dependiente de la película que veremos el año que viene. Y eso, desde la perspectiva del no fan o del espectador que va a ver simplemente una película más de aventuras, es un error.

Valoración personal: